La boutique des nouvelles musiques


Fleurs carnivores: Justine’s musical flights of fancy kill two albatrosses with one stone

Andrew Jones, Montreal Mirror, 24 mai 1990
jeudi 24 mai 1990 Presse

Never let it be said that the members of Justine aren’t prepared to improvise at the drop of a hat. When it seemed impossible to tape our chat because the erase lugon the cassette tape of awful corporate rock we were taping over had been punched out, keyboardist Diane Labrosse came to the rescue. She produced a band-aid.

The four members of Justine —Labrosse, saxophonist Joane Hetu, bassist Marie Trudeau, and drummer Danielle Palardy Roger — have never been reticent to try something new, either in studio or in concert. In their ten-year slint as Wondeur Brass and its hipper, more impulsive sister, Les Poules, their brazen, fresh collages of mood, style, and song helped set the standard for Québec’s new music movement, musique actuelle.

Now, as Justine, the Montréal quartet have shorn themselves of the “brass" (a lone saxophone remains) and started a new. Justine is about to unveil a new project thal both destroys the peception of a “woman’s group" as an albatross and creates breathtaking new musical possibilities in a brave new genre whose absence of borders can be just as problematic as limitations. Soon Justine will reap the harvest of a year’s work, but be careful. Justine’s musical blossoms are no ordinary flowers—they’re mone like fleurs carnivores.

By any other name

“When we started working on this new music, this new project, we knew that we were going to produce it under a new name. “ says Labrosse. “We wanted to have a whole new repertoire of fresh air, liberated from the old Wondeur Brass. “

We’re sitting in a casse-croute around the corner from Justine’s east-end practice space, a cramped basement studio shared with Jean Derome, Pierre Tanguay, and “Serge l’ Accordéoniste," a mysterious figure no one ever sees. Outside, Masson street serves as a drag sirip— a praclise space for bikers.

But a rose by any other name is just a flower. Just how different will Justine he from the old Wondeur Brass?

“Musically we wanted to integrate more electronics,"says keyboardist Labrosse. “It’s almost a cross between what Wondeur Brass used to do and what Les Poules did. Wonder Brass went into the studio very much prepared, very much structured, and Les Poules did a lot of improvising. So we wrote the music—themes, arrangements. And then we went in the studio. We recorded some material, changed it around and shaped it more through improvising. Soit’s a bit of a blend. And that’s what makes our new sound. “

“We used the studio and the recordig process—montage, cuting, and editing— as if it was another musical instrument," says drummer Roger, as another Harley rips up the street. “We literalIy transformed our sound in the studio. It was the first time it took close to a whole year to record an album. It gave us time to reflect and to let the music become much, much more intricate. Not that the other albums aren’t intricate, but Justine is more so. “

Roger admits that dwindling finances curlailed this luxurious fine-tuning. “lt’s always a question of money, and we had to decide it was finished. But this record is just one step in the direction of this music, and we are still continuing that direction," says Roger. “In Les Poules we were always in the process of re-evaluating the evolution of our music. So, yes the record is done, but our music is far from finished. “

Listening to Justine is like getting a free ticket to an old amusement park once run by Carla Bley, ravaged by Alben Ayler, and rebuilt by John Zorn. Every kind of music ever made by humankind is in here, plundered, sifted, gutted, rearranged, then stitched and carefully glued into place.

The funhouse starts with Le monstre, an odd Noh-style cabaret with a strong sense of dynamics. The tunes that follow pulse with a moody, see-saw organ or twitch with herkyjerky calliopes reminiscent of Bley. Most have swift, abrupt changes in mood, tempo, and musical style, going from rippling keyboard runs to free saxophone squalls. Some songs, like the double blast of J’ai perdu le temps and J’ai perdu le sommeil, throw away the boundaries altogether.

“It is going a step further," says Labrosse. We usually switch around our music very fast, but this time we’re pushing it even further. But then again, we’ve never produced anything that’s easy to listen to, that you can put on and have dinner at the same time.

“We based ourselves from the beginning on the classical suite, which has different movements. And we wanted to build the record this way, with different movements within the tracks. The whole record isn’t one piece as such, unless you look at it as one piece with very different moods and colours and textures."

The sound of the female voice figures prominently on Justine, but not just in song. Justine uses its four voices percussively, rhythmically, and melodically. On L’Intelligence du coeur, massed or disembodied radio voices seep through the savage, free jazz keyboard bluns. Elsewhere they shriek, whisper, caress, laugh, and yelp. “We always said that we were not authentic golden voices with pristine range," says Labrosse. “We’ve always integrated the voice as another instrument. This is why everyone sings; none of us is more accomplished than the other. Something new is that everybody sings on the same tune. We throw the ball at each other much more than we did before. Before Joane would sing cinema, Danielle would sing les amours, but now in one song it goes around to everybody. “

Justine also enlisted the aid of New York’s resident electric harpist, Zeena Parkins, as well as Tenko Ueno, the Japanese queen of onomatopoeic jazz and member of Mizutama Shobodan —The Polka Dot Fire Brigade. ’ We found definite similarities in the energy, and in their way of working," says Labrosse. We all seem to have a craft in sounds," adds Roger.

Musical gender

The stunning complexity of the new release may free Justine from the strictures irilposed by a society that emphasizes genderover musicianship. “That’s changed primarily in our own minds," says Labrosse. “At some point you stop focusing on gender, and in the last years we focused on the fact that we are musicians. Of course the rest of us comes along, like everyone’s personality comes into your work. That in itself is a fresh perspective. We don’t need to spell it out. “

Roger concurs. “More and more our collaborations, whether within Justine or with others, are approached on a musical level, and everyone has to pull their weight. “

As for the mysterious new name, it doesn’t come from anywhere in panicular. Roger does offer this explanation: “It’s a name that’s direct, plain, but at the same time reverberates with possible significances."

Listening to Justine is like getting a free ticket to an old amusement park once run by Carla Bley, ravaged by Alben Ayler, and rebuilt by John Zorn.

La naissance d’une étiquette électroacoustique

Alain Brunet, La Presse, 1 avril 1990
dimanche 1 avril 1990 Presse

Jean-François Denis, compositeur et initiateur de l’étiquette empreintes DIGITALes, prêche pour sa paroisse. Une jeune paroisse.

Le disque du compositeur Robert Normandeau vient tout juste d’être lancé sur empreintes DIGITALes. Un enregistrement de Christian Calon a préalablement été mis en marché et l’on prévoit deux autres galettes d’ici quelques mois: le compositeur Alain Thibault et une compilation d’«Istantannés électro» figurent au menu.

C’est beaucoup pour un label si frais.

«Il y a environ 300 000 amateurs de musique contemporaine en Amérique du Nord. Alors pourquoi ne pas tenter notre chance?», soutient Denis. Pas si bête, le jeune homme.

De concert avec un autre artiste montréalais, Claude Schryer, Jean-François Denis a senti l’urgence de mettre à jour le travail d’une foule de créateurs, dont l’ébullition se limite à un cercle d’initiés, regroupés autour d’un petit organisme — l’Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec (ACREQ); petit cercle qui peut devenir vicieux, à force de fermenter dans la même marmite.

On sait également que l’approche électroacoustique est un certain prolongement institutionnel de la musique contemporaine de tradition européenne; au lieu de l’orchestre, le compositeur dispose de toute la batterie des sons rendus possibles par l’électricité et l’électronique. Un genre sérieux, cela va de soi.

Or jusqu’à une date récente, il n’existait aucun label électroacoustique sur le continent, et ce malgré l’activité de nombre de compositeurs. «À Montréal, plusieurs d’entre eux sont laissés pour compte et gagnent pourtant des prix à l’étranger. C’est le cas des Robert Normandeau, Christian Calon, Gilles Gobeil, Stéphane Roy, Mario Rodrigue, Marcelle Deschênes, Francis Dhomont, Jean Piché, Michel A Smith, Yves Daoust, etc.», d’énumérer le patron d’empreintes DIGITALes.

Denis ajoutera que plus d’une vingtaine de projets seraient endisquables dès maintenant. «Un disque électroacoustique ne coûte pas cher car les créateurs disposent de leurs propres studios, avec tout l’équipement nécessaire».

D’accord. empreintes DIGITALes devra maintenant faire ses preuves, car elle plonge dans une aventure totalement inconnue. Et puis, le fait qu’aucune firme n’ait risqué l’aventure n’est-il pas un facteur symptomatique?

«C’est le phénomène Hygrade, rétorquera Denis. Si on offre un produit de qualité, on en voudra davantage». Et on est loin de parler de «fast food».

empreintes DIGITALes devra maintenant faire ses preuves, car elle plonge dans une aventure totalement inconnue.

Calon: un musicien des plus intéressants

Carol Bergeron, Le Devoir, 3 février 1990
samedi 3 février 1990 Presse

À portée de métro du centre-ville, la Maison de la Culture Frontenac offrait, mercredi et jeudi, un concert électroacoustique consacré à une seule œuvre en trois parties de Christian Calon.

Avec Ligne de vie, ce compositeur encore peu connu du public mélomane s’impose cependant comme l’un des musiciens les plus intéressants de la génération montante au Québec.

Si cette monumentale Symphonie pour bande nous fait découvrir un artiste dont la créativité et la sensibilité s’imposent avec force, il y a autre chose encore. Cet ouvrage transcende les limites mêmes du langage électroacoustique qu’il emploie. Il fait oublier les artifices de la technique et le travail plus ou moins laborieux de son concepteur — six années de labeur avant d’atteindre sa forme actuelle tripartite. Nonobstant la qualité et l’intérêt des explications fournies dans les notes du programme, on serait tenté de dire qu’ici la musique se suffit à elle-méme. Le premier volet se caractérise par une superbe stratification du matériau; le second insiste sur l’harmonisation des éléments — une sorte d’homogénéisation des voix le troisième, aussi le plus élaboré (40 minutes), propose un parcours plus narratif, que guide d’ailleurs un texte parlé qui s’intègre à la trame sonore.

Dans la diffusion en salle, Ligne de vie est présenté de manière à ne laisser à l’auditeur que le soin d’écouter. Discret, l’éclairage ne devient à aucun moment une source de distraction pour l’œil. Et puisqu’il s’agit de musique «acousmatique» (dont on ne discerne pas les instruments que l’on entend, comme lorsqu’on écoute un disque), on n’a qu’à se fermer les yeux… pour ouvrir plus grandes les oreilles. C’est bien à l’écoute d’une Symphonie que nous convie Christian Calon. Du moins est-ce ainsi qu’on l’imagine puisque le compositeur, avec un certain humour, peut-être, a voulu que l’environnement sonore qui précède l’œuvre, nous rappelle celui d’une salle de concert avant que le chef d’orchestre fasse son entrée. Lorsque Calon apparaît sur la scène avant de gagner son poste à la console de diffusion, il devient l’interprète de son œuvre. D’ailleurs ce que les électroacousticiens entendent par la «mise en espace» (l’animation des haut-parleurs à partir d’une console de diffusion) n’est pas sans analogie avec la direction d’orchestre. Cette opération, indispensable à mon avis, permet à la musique de créer son propre espace, d’habiter le lieu (la salle) qu’elle occupe. Par l’oreille à laquelle elle s’adresse exclusivement, elle pénètre ensuite l’imaginaire pour donner à l’expression musicale un sens cosmique vertigineux.

Ligne de vie a fait également l’objet d’un disque audio-numérique dont on a fait le lancement officiel mercredi.

… un des musiciens les plus intéressants de la génération montante au Québec.


SOCAN, Le Compositeur Canadien, 1 janvier 1988
vendredi 1 janvier 1988 Presse

Le moins qu’on puisse dire du disque des Poules, c’est que c’est un projet pas comme les autres. Comme le déclarent eux-mêmes les auteurs en pochette, «la matière de cet album fut composée avec imprudences, accidents, hasards, plaisirs, conflits et synchronicités en système MIDI, programmation & improvisation, dans le cadre de Human Feelings et Programming Time, projet subventionné par le Conseil des Arts du Canada.» Tout un programme, en effet, mené à bien en français et en anglais par Joane Hétu (saxe alto, synthétiseur CS-S, voix), Diane Labrosse (synthétiseurs CZ-5000, Poly 6 et DX7, voix) et Danielle Roger (batterie acoustique et électronique RX II synthétiseur Poly 6, voix). Le tout dans une réalisation indescriptible qu’il faut entendre pour croire.

Le tout dans une réalisation indescriptible qu’il faut entendre pour croire.

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