Tutto inizia a metà dei novanta, nell’eccitazione creativa della francofona Montréal, quando il contrabbassista Alexandre St-Onge e il percussionista Michel F Côté, assistono ad una performance del chitarrista Bernard Falaise. Il conseguente “colpo di fulmine” produce Klaxon Gueule (nome che sa di alchimia dadaista con quella sua bislacca associazione tra “clacson” e “mascella” o, se volete, “rumore” e “potenza”).

Klaxon Gueule Bavards cd1 47:26, cd2 46:22 Ambiances Magnétiques esce nel 1997 lanciando immediatamente segnali luminescenti: riferimenti jazz rock (c’è chi vi sente l’imprinting di Fred Frith e dei This Heat ma anche di certo free jazz di frontiera) e gusto per l’improvvisazione (anche) estrema. Il concetto di “power trio” viene sistematicamente messo in discussione fino giungere, con Friandise cannibale, al suo definitivo sgretolamento. Eppure due anni dopo le cose cambiano. E di molto. In Klaxon Gueule Muets AM 1999 — 49:59 (che qualche critico esalta come uno dei dischi fondamentali dei Novanta) il suono diventa sempre più essenziale tanto che i contorni tra gli strumenti diventano così labili da risultare magicamente con-fusi. C’è la poetica del “sottovoce” che giustifica pienamente il titolo Muets (=“muti”) tanto che qualcuno azzarda l’equazione Michel F Côté-Jamie Muir arrivando a definire Muets il No Pussyfooting degli Anni Novanta…

Con Klaxon Gueule Grain AM 2002 — 43:15 il salto è definitivamente compiuto. Il rock (anche quello sperimentale) è definitivamente alle spalle e con esso ogni tipo di parvenza strutturale. Un “grano” in grado di nutrire nuove ipotesi creative figlie dirette dei grandi autori di fine novecento e una inedita sfida che viene lanciata all’Ascoltatore: dimenticare l’identità della fonte (anche se le note di copertina continuano a riportare i nomi degli strumenti tradizionali) e abbandonarsi al Flusso Indistinto del Suono. Poi la leggenda narra delle “canzoni geneticamente modificate” di Klaxon Gueule Chicken &Records 2004. Chi ha avuto la fortuna di ascoltarlo lo descrive così: “E’ come lasciare per quarant’anni Bob Dylan dentro una stanza di decompressione ad ascoltare Hymnen di Karlheinz Stockausen e Poème électronique di Edgar Varese messe in circolo in eterno loop” (Michele Coralli in Blow Up 82/2005)….

Il silenzio KG viene rotto dal suo percussionista che recentemente pubblica Michel F Côté (juste) Claudette AM 2007 — 38:03. Un disco davvero bello che, se da una parte potrebbe deludere chi ha amato il Culto del Puro Suono praticato dalla band, potrà intrigare parecchio chi si lascia catturare dall’esplorazione di nuovi spazi sonori (sì, è ancora possibile!) all’interno di una persistente struttura “free-rock”. Di fatto il progetto di Côté (qui impegnato non solo alle percussioni ma anche alla pocket trumpet e agli arrangiamenti) propone il trio originario addizionato dallo stralunato organo di Jesse Levine. Tredici tracce di sghembo sapore post-RIO dove la sagace contaminazione elettro-acustica la fa da imperiosa padrona. Ascoltare per credere l’ansimo elettrico di Arms Oil con la chitarra frithiana di Falaise che si fa saggiamente guidare dalle sincopi organistiche (orgasmiche?) di Levine ed anche gros découvert con quella sua ritmica frastagliata dove il contrabbasso di St-Onge e il percussionismo dissociato del leader profondono abbacinanti intuizioni armoniche. Molto bello anche il jazz allucinato di par en avant con quei suoi eccitanti intarsi tra la delicata chitarra dell’immenso Bernard, i tappeti timbrici dell’onnipresente organista e l’aliena sezione fiati architettata dallo stesso Côté. E se (juste) Claudette fosse il My Life in the Bush of Ghosts del decennio?

Tracciare la storia, seppur breve, di una band che in meno di dieci anni e soltanto in quattro dischi ha già dato tanto alla causa ‘musica’ non è la cosa più semplice di questo mondo. Abbiamo però avuto la fortuna di parlarne con uno dei protagonisti, Alexandre St-Onge, cioè 1/3 dei Klaxon Gueule, contrabbassista e sperimentatore d’eccezione della scena canadese, ma meglio sarebbe dire mondiale, che ci ha aiutato a capire meglio come nasce un suono così originale e innovativo (o anche solo a confermare le impressioni che già ci eravamo fatti) e soprattutto come ci si muove all’interno di un’arte su cui sembra sia già stato detto e fatto di tutto. Trascrivere tutta la conversazione avuta con Alexandre è un’impresa titanica e forse alcune cose potrebbero non interessare chi vuol sentire parlare solo di musica. Personalmente ho i miei dubbi: nella musica ritroviamo ogni componente della nostra vita, gli affetti, gli studi, la politica, i film visti, le letture fatte (come vedrete Alexandre si dice influenzato da Bataille); sono tutte cose che arrivano a formare e a guidare la personalità di ognuno nel momento in cui la si esprime, in una band o in qualsiasi altra attività.

I Klaxon Gueule sono Alexandre St-Onge al contrabbasso, Michel F Côté alla batteria e Bernard Falaise alla chitarra. I tre si formano in quel di Montréal, vera a propria fucina di talenti, mai parca di attività, progetti e collaborazioni; merito anche della posizione dominante che esercita sulla città, al pari di una grande madre, un’etichetta rinomata come l’Ambiances Magnétiques che ha fatto scuola e che è ora parte della più grande entità actuellecd.com in cui confluiscono molte delle etichette canadesi come la Alien8, la &records di Fabrizio Gialardino e dello stesso Michel F Côté ed anche la label che Alexandre St-Onge ha messo su con l’amico Christof Migone (un’amicizia solida a cui accennerà più volte, in seguito), ovvero la Squint Fucker Press, di cui proprio nel 2004 abbiamo amato il bellissimo Escape Songs di Migone e Veda Hille. L’unico che ancora non ha messo su un’etichetta è Bernard Falaise il quale, a detta di Alexandre, è più portato a suonare dovunque e con chiunque senza vincoli di alcun tipo.

Queste amicizie e queste collaborazioni vengono instaurate in completa libertà e tendono sempre più a ramificarsi; esemplare da questo punto di vista anche i rapporti col giro Constellation, se vogliamo il circuito più popolare della scena di Montréal: Alexandre è stato ospite infatti nei dischi dei Fly Pan Am ed è frequente collaboratore nonché amico di Roger Tellier-Craig degli stessi Fly Pan Am e Godspeed You! Black Emperor. Le amicizie hanno un grosso peso e ciò lo si evince anche dai riferimenti frequentissimi che Alexandre fa alla sua cerchia di amici nel corso della conversazione: da Migone a Tellier-Craig a Fabrizio Gilardino e Mirko Sabatini. Tantissime, negli anni, le uscite dei dischi solisti e le collaborazioni in cui abbiamo visto agire i tre: quest’anno abbiamo apprezzato molto i dischi della &records, ovvero il ‘solo’ di Michel F Côté (63 Apparitions) e la collaborazione tra Falaise e Martin Tétreault (Des gestes défaits, recensioni entrambe on-line) senza contare, lo scorso anno, il debutto dei Bob che vedeva partecipi tutti e tre i membri dei Klaxon Gueule, insieme ad altri artisti. Impegnandoci di trattare in futuro di queste attività parallele, ci dedichiamo adesso a raccontare dei soli Klaxon Gueule, approfittando del fatto che è appena uscito il nuovo disco, Chicken, bellissimo, licenziato proprio dalla &records, dopo che i primi tre cd erano stati pubblicati dalla Ambiances Magnétiques. Ma andiamo con ordine.

I Klaxon Gueule si formano a metà degli anni ’90 quando io e Michel (che già improvvisavamo per conto nostro) assistemmo ad una performance impro di Bernard in un locale: quando Bernard a sua volta ci vide suonare ci propose di unirci a lui per realizzare insieme qualcosa di interessante. Con queste parole Alexandre St-Onge (incontrato nei primi giorni di dicembre durante un suo passaggio a Napoli, in una delle rarissime sere in cui nella città non è stato ammazzato nessuno) descrive la nascita dei Klaxon Gueule.

Quello di cui scriviamo è un gruppo originalissimo a cominciare dal nome che associa due parole che esprimono forza; Il nome non significa nulla; nasce dall’unione di due sostantivi, klaxon (proprio il clacson delle automobili) e gueule (mascella) che pronunciate insieme confluiscono, dal punto di vista fonetico, una forza maggiore a due parole che già di per se alludono al casino, al rumore, alla potenza e alla durezza. Il nome è stato trovato da Bernard ed è piaciuto subito a tutti noi per via di questo accostamento molto dada. Tutto ciò si traduce in una musica scevra dai compromessi, forse ostica, ma non tale da impedire a chiunque di apprezzarne la qualità, l’originalità e la carica destabilizzante.

Il debutto discografico del trio arriva nel 1997 con Bavards, doppio cd in cui i tre decidono di fare piazza pulita delle loro passate esperienze; il disco infatti segna una rottura con quello che verrà, un punto di non ritorno nella loro carriera, e ciò lo si avverte in modo lampante con l’ascolto dei successivi lavori. Bavards consta di due cd che rappresentano un compendio delle istanze rock di stampo impro tagliente e compatto come certe produzioni di rock-in-opposition e con numerose influenze jazz; nel primo cd l’assetto è quello usuale con Michel F Côté alla batteria, Alexandre St-Onge al contrabbasso e Bernard Falaise alla chitarra; nel secondo cd la line-up si allarga anche al sassofonista Christopher Cauley e il tutto assume un aspetto da free-jazz elettrico con atmosfere oscure e fumose da ghetto metropolitano: sì, Bavards è un punto di rottura con le strutture passate, esso è stato volutamente composto per essere free jazz e suonare potente come un disco di hard-core. In pratica possiamo dividere la storia dei Klaxon Gueule così: c’è Bavards da un lato e poi tutto il resto. Il disco, infatti, pur lasciandosi apprezzare per le indubbie doti tecniche e per la completezza strutturale, risulta datato se confrontato con le vette raggiunte di lì a poco.

Muets, che segue di due anni l’esordio, è ancora suonato in classico assetto rock da power trio (schieramento che verrà mantenuto in tutti i lavori successivi), ma della musica tutto si può dire fuorché sia ‘classica’. Infatti il disco (che, giusto per inciso, è uno dei capolavori degli anni ’90) brilla per originalità delle strutture e limpidezza del suono; arduo riconoscere in questi intrecci sonori il tradizionale suono di chitarra, basso e batteria, piuttosto il tutto sembra essere il risultato di elaborate composizioni elettroacustiche e non invece di spietate improvvisazioni: non so se i miei due compagni la pensino come me ma io mi sento parte integrante di un power trio; noi suoniamo rock anche se è una versione avanzata di esso: c’è una relazione tra il rock e il nostro modo di improvvisare; sono come due piani sovrapposti che si arrivano a tangere. La musica dei Klaxon Gueule è tutta improvvisata; più che altro noi ci lasciamo trasportare da un mood, oppure seguiamo delle coordinate decise in un momento precedente; ad esempio si stabilisce chi sia il primo a suonare e il momento in cui gli altri debbano intervenire oppure viene deciso che uno di noi inizi a suonare nell’istante in cui gli altri abbiano smesso e così via. Alcuni pensano che la nostra musica sia il frutto di composizioni studiate ma in realtà è tutto totalmente improvvisato.

Con Muets i tre fanno esplodere il rock e ne raccolgono i resti, quelli più piccoli e infinitesimali, che vengono poi ricomposti in un puzzle anomalo creando quadretti deformi e tetri ma anche avvincenti. Scompongono cellule sonore per elaborare dna mutanti; aggiungono e sottraggono particolari, utilizzano liberamente frammenti metallici, creano disturbi e disegnano traiettorie errate come macabri scherzi del destino, aprono e chiudono squarci nella pelle come folli scienziati. Ogni tanto una scoria più grande delle altre viene lasciata intatta e possono emergere così reminiscenze di una musica familiare (la chitarra sincopata simil-Starfuckers in th, il tentativo fallito di elettrojazz di ul e eg). Vengono quindi messi da parte i suoni debordanti precedentemente utilizzati a discapito di atmosfere più sottili e insinuanti. Il disco mantiene sì un’impostazione rock ma sfocia in definitiva in intricate trame elettroacustiche che danno vita a piccole sinfonie avanguardiste e minimali. Non vogliamo più suonare jazz, l’abbiamo fatto in passato ma adesso ci va di fare altro; con Bavards volevamo un disco propriamente free jazz e quindi chiamammo Christoper (Cauley, ndr) al sax in modo che suonasse potente come Ornette Coleman o Jimmy Lyons; in seguito abbiamo deciso di essere più sperimentali, alle prese con vere e proprie textures strumentali.

Nell’atto di creazione si combinano fattori contrapposti, l’elettro e l’acustico così come l’analogico e il digitale: Io e Michel siamo soliti trafficare più col digitale e con i computer mentre Bernard è quello più predisposto ad utilizzare apparecchiature analogiche. Ma il suono digitale spesso non è puro perché ci piace anche sperimentare convogliando il digitale in apparecchiature analogiche.

Il successivo Grain, uscito nel 2002 sempre per la Ambiances Magnétiques, mostra dal punto di vista stilistico dei cambiamenti di non poco conto; maggiore è infatti l’uso di elettronica, complice la partecipazione di Christof Migone e Sam Shalabi alle prese con i computer. Il disco è dominato da particelle free di elettronica che proprio non riescono a seguire percorsi lineari (fer (huilé); fonte sur cuivre jaune); ci si perde come in un labirinto senza uscita e così è inevitabile che nel disco si alternino momenti diversi tra di loro: attimi di ironia glitch (fonte sur plomb; fer sur plomb) sono contrapposti a sprazzi di rumore e scorie industrial (fer blanc sur frêne; fer pour bronze): gli ospiti di Grain hanno determinato lo spostamento del nostro suono in una direzione più elettronica; ci è sempre piaciuto suonare con gli amici, soprattutto, per quel che mi riguarda, con Migone e Shalabi che sono i miei migliori amici. Grain suona diverso perché è stato composto in maniera differente da come eravamo abituati: esso è stato prodotto durante una settimana trascorsa in una casa in campagna con gli amici. È più elettronico perché abbiamo voluto trafficare con computer e processing e soprattutto abbiamo lavorato tutti e tre separatamente; uno di noi ha creato un qualcosa che è stato successivamente elaborato da un altro e poi da un altro ancora, al contrario di Muets e Chicken che invece sono suonati totalmente live. Per Muets in particolare abbiamo voluto ottenere un impatto fisico.

E così arriviamo al nuovo disco, Chicken, che segna il distacco dall’Ambiances Magnétiques in favore dell’emergente etichetta che lo stesso Michel F Côté condivide con Fabrizio Gilardino, autore tra l’altro dei bellissimi artwork di tutti i dischi del trio: l’Ambiances Magnétiques sta in giro da parecchio, noi li rispettiamo e siamo sempre grandi amici, ma lavorare per loro significa anche identificarsi con un certo tipo di suono mentre noi cercavamo contesti differenti; non sarebbe stato possibile infatti nemmeno uscire per l’Alien8 che è, se vogliamo, più ‘trendy; ci sentiamo fuori da tutto questo. L’Ambiances Magnétiques avrebbe gradito pubblicare il nuovo disco e per noi non è certo facile privarsi dei servigi di una grossa label ma volevamo provare con una nuova etichetta; ci piacciono le sfide. Non penso che ci saranno degli svantaggi dal punto di vista delle vendite perché anche prima non è che avessimo tutta questa popolarità anzi, non abbiamo mai venduto molto e quindi non ci sono grossi rischi in tal senso; poi, insomma, per farla breve, la &records è la label di Michel e Fabrizio e quindi ci è sembrato naturale pubblicare Chicken per loro. Dopo l’elettronica di Grain, il nuovo disco mostra un ritorno ai suoni di Muets; i due lavori possono infatti considerarsi collegati e non a caso sono anche gli unici lavori dove i tre non si servono di ospiti esterni ma lavorano esclusivamente in proprio. Il metodo di composizione di Chicken è diverso dagli altri anche se ci sono molte similitudini con Muets; Chicken è stato composto con Michel che suonava un piccolo kit di batteria, oggetti e computer, io al canto e al contrabbasso e Bernard con chitarra ed elettronica; il tutto è stato poi processato al computer. Per il futuro abbiamo intenzione di continuare a lavorare in questo modo. Anche questo è un disco suonato live, una dimensione che abbiamo intenzione di esplorare a fondo nel futuro facendo molta attività dal vivo; non è certo facile esibirsi ed avere un buono riscontro di pubblico per chi non è così trendy come gruppi del calibro di Godspeed You! Black Emperor: adesso stiamo organizzando un tour e speriamo che Chicken costituisca un punto di partenza per una intensa attività live.

Chicken è anche il disco in cui fa capolino, per la prima volta, la voce. Prevalentemente è Alexandre St-Onge che si occupa di questo aspetto ma un contributo, seppur in maniera minore, è dato anche da Michel F Côté. Non aspettatevi però una voce e un cantato tradizionale: si tratta piuttosto di aborti di vocalizzi, distorti e filtrati, che si cuciono alla perfezione nelle trame sonore al pari di un vero strumento. Come in Muets anche stavolta ci troviamo di fronte un Frankenstein sonoro con la sola differenza che in questa occasione il suono è leggermente più ‘massimalista’ e ‘rock’del suo predecessore; più nitido il legame con i Starfuckers/Sinistri (a cui li avvicino soprattutto perché considero entrambi i gruppi il top in assoluto) nei momenti dominati dalle chitarre taglienti e dai ritmi singhiozzanti (wawawo). Il disco vive di momenti altissimi come nelle sovrapposizioni tra minimal-batteria, elettronica e riverberi di chitarra (roken dodelijk) o il non-jazz di annie prima o ancora la festa di percussioni in instrumental III.

Chicken è il mio lavoro preferito insieme a Undo (disco in cui Alexandre suona con Christof Migone, uscito nel 2000, per la personale label Squint Fucker press, ndr) e al recente disco di Sam Shalabi, e non lo dico perché è l’ultimo che abbia fatto, come si usa sempre fare, ma perché lo penso realmente. Per quanto riguarda la voce invece: mi piace cantare in un contesto astratto, non come un songwriter classico, ma, ad esempio, come gruppi tipo Wolf Eyes di cui apprezzo moltissimo l’ultimo disco su Sub Pop o i Black Dice; essi suonano come fossero una rock band ma in contesti non usuali per il genere ed anche per questo possono dar vita a pareri contrastanti sulle loro qualità o a creare spaccature nel pubblico. Nel lavorare sulle parti vocali sono stato influenzato anche dai lavori di Pierre Henry e Henri Chopin di cui ho sempre apprezzato la creazione di fragili melodie vocali innestati su contesti di musica astratta. Quella delle influenze è un discorso interessante: difficile rilevarle per chi non sia totalmente dentro la loro musica, e quindi per tutti coloro che sono al di fuori della band. Bataille ha certamente ispirato il mio modo di suonare e credo proprio che il bello dei Klaxon Gueule sia quello di convogliare nei nostri lavori le svariate influenze che ognuno di noi ha nel proprio background; forse è per questo che non si riesce a collegare il nostro suono a qualcosa di preciso; ad esempio, Michel ritiene che nella nostra musica ci sia qualcosa che ricordi i primissimi Residents.

Per finire, il futuro riserva una serie di esibizioni dal vivo, non solo con i Klaxon Gueule ma anche con altri progetti, tra cui uno di questi messo in piedi da Alexandre con Roger Tellier dei Fly Pan Am in cui suonare più rock e con canzoni nel senso tradizionale del termine; poi ancora, c’è da scommettersi, nuove uscite per le loro etichette personali e chissà quant’altro ancora.

Alors que nous entamons cette série d’articles sur divers thèmes en rapport avec la musique de notre catalogue, pourquoi ne pas commencer avec le plus difficile à cerner des artistes du collectif Ambiances Magnétiques, le prolifique et éclectique batteur Michel F Côté.

Membre tardif d’Ambiances Magnétiques (il se joignit au groupe en 1988), Côté se plaça lui-même d’emblée en exergue, au sein de groupes à géométrie variable. On put l’entendre pour la première fois dans le premier album de Bruire, Le barman a tort de sourire, une boîte à surprise avec pas moins de 14 musiciens invités. Bruire est le très poétique groupe-projet de Côté, dans le cadre duquel il joue avec les codes de l’avant-garde, de la chanson et de la musique d’ambiance. Cet album inaugura d’ailleurs une trilogie qui se continua de manière toujours plus mature avec Les Fleurs de Léo, pour conclure avec l’inoubliable L’âme de l’objet. Ce voyage en trois étapes nous aura permis d’entendre des collaborateurs tels que Geneviève Letarte, Jerry Snell, René Lussier, Ikue Mori, Claude St-Jean et Jean Derome, tous contribuant à nourrir l’imagination fertile du batteur.

Il fallut plus de six ans pour entendre un nouveau projet de Bruire, celui-là fort différent: Chants rupestres, quatuor d’improvisation avec Jean Derome, Normand Guilbeault et Martin Tétreault. C’est qu’entretemps, Côté s’est adonné à des activités passablement plus… déconstruites. On peut en voir les premières séquelles dans une collaboration avec Diane Labrosse, un CD quelque peu obscur, justement intitulé Duo déconstructiviste. Et si le premier disque (double) de son nouveau projet Klaxon Gueule, Bavards, garde une énergie «rock» très reconnaissable, c’est ce projet qui poussera Côté dans ses retranchements les plus abstraits.

Car le moins que l’on puisse dire, c’est que la sortie de Muets, joli brûlot minimaliste complètement à l’opposé de Bavards, en surprit plus d’un. Il faut dire que ce disque, paru en 1999, était déjà plus en phase avec son époque que le Duo déconstructiviste qui était, en rétrospective, peut-être un peu trop en avance sur son temps. Mais ce changement était également dû à l’évolution esthétique du contrebassiste, Alexandre St-Onge, qui, d’un jeu relativement «classique», se tourna du jour au lendemain à une approche autrement plus conceptuelle de l’instrument. Côté et le guitariste Bernard Falaise le suivirent allègrement dans cette direction. Leur dernier disque en date, Grain (enregistré en compagnie de Sam Shalabi et Christof Migone), confirma cette tendance tout en la poussant plus loin encore dans la sophistication, faisant de cette œuvre l’une des plus abouties du corpus de Côté.

Mais le batteur ne s’arrête pas là et retontit encore là où on ne l’attend pas. Ainsi, avec Éric Bernier et Guy Trifiro, il crée un nouveau groupe, Bob, dont le nouveau disque, Unstable Friends, vient tout juste de paraître. Sous une pochette plutôt déviante et très attrayante se profile une sorte de retour à la «pop» bizarre des débuts de Bruire! On connaît également l’existence, à travers les branches, d’un nouveau projet intitulé Mecca Fixes Clock (on y reconnait en tous cas les initiales du compositeur!) lorgnant davantage vers l’ambient orchestral. Côté reviendrait-il donc à ses premières amours?

S’il est si ardu de dresser un portrait de Michel F Côté musicien, c’est peut-être aussi que son activité s’étend au-delà de la musique comme tel. En effet, il n’est pas rare d’entendre notre protagoniste au théâtre et à l’art performance, notamment en compagnie de Robert Lepage et de Catherine Tardif. Cette face de son travail trouve son écho sur Compil zouave, seul disque édité au nom du compositeur jusqu’à maintenant. Il faut mentionner également que Côté a débuté comme animateur de radio, entre autres à Radio-Canada, et qu’il a également écrit pour la revue Esse.

On peut voir Michel F Côté comme une sorte de baromètre de l’activité du collectif Ambiances Magnétiques à travers les années: aux expérimentations avec la chanson des années 1980 succède l’impro-composition lyrique qui marqua le catalogue AM des années 1990, suivi elle par un type d’improvisation plus extrême, basée sur la présence physique de l’instrument.

Un certain genre… Pour apprécier a leur juste valeur cet enregistrement, il faut avoir le goût vicié de l’emportement, même artifciel, et de cette improvisation où le rock s’est si bien perdu qu’il ne subsiste plus qu’à l’état de braise, ardeur décharnée qui tient encore debout, qui éclate et grésille. Avant-core, comme ils disent. Sur tout leur premier disque, les canadiens de Klaxon Gueule n’en peuvent mais: la guitare, la basse et la batterie s’ameutent, se déchirent, se ruinent, sous couvert des intitulés les plus bénins (Aptitude géométrique innée, Comité des locataires ou encore Votre fls se porte bien), et comme si l’énergie libérée, renversée ne pouvait conduire qu’à l’éjection. De cette exchaustion, il est cependant possible de tirer un parti. Lorsque Christopher Cauley (que l’on a pu entendre avec William Parker ou Glenn Spearman) prend la parole sur le second disque, le trio devient véritablemeni un quartette et la débandade antérieure se resserre et s’organise librement autour de la verve très colemanienne du saxophoniste: saillies sans arrêt remises sur un tapis volant et dérangées, sens aigu et contradictoire de la relance qui noue parfois la guitare à l’alto.

Here is the debut CD by Québécois conceptual outfit Klaxon Gueule. This is highly improvisational music that is very kinetic and freeform. There is no hint of melody or traditional song structures. It is very spikey, almost a sort of “warped jazz”. Included are two discs of Klaxon Gueule’s improvisational virtuosity. The first one is typically freeform anti-music, a hyperactive concoction of bass, guitar and drums. The second disc adds saxophonist Christopher Cauley and proves to be pretty much more of the same, with perhaps a little more bite to the guitars. Some of the tracks border on noise. Bavards is strictly for fans of all things improvised. If you like jazzy music with little or no structure, then this is for you.

Ondes radio, champs électriques et magnétiques se combinent dans l’œuvre d’Alexandre St-Onge, contrebassiste et alchimiste contemporain. Partageant son temps entre neuf formations musicales, le jeune musicien n’a pas peur de changer de refrain.

J’ai enlevé toutes les cordes de ma basse électrique. De cette manière, je peux travailler sur l’objet en tant que tel et user de mon instrument des sons tout à fait nouveaux», lance Alexandre St-Onge. En réponse à son insatiable soif de bruits, le jeune contrebassiste de 22 ans a choisi de déconstruire la musique pour mieux créer.

Collaborant régulièrement avec neuf formations très différentes, le musicien, cheveux en bataille et barbe non rasée, ne péche pas par excès de conservatisme. Klaxon Gueule —avec Michel F Côté et Bernard Falaise—et Undo— avec Christof Migone—, sont deux groupes qui illustrent très bien les tendances dominantes de son travail. Héritier des musiques free et rock, le premier est un digne représentant de la musique actuelle, tandis que pour le second, Alexandre St-Onge et son acolyte décortiquent leur médium traditionnel—contrebasse et bandes magnétiques—afin de mieux travailler les textures sonores. L’orchestration de ces bruits contemporains ouvre la porte à une toute nouvelle perception de l’univers musical.

Plongé trés jeune dans le monde de la musique par son pére mélomane, cet étudiant en histoire de l’art a eu une enfance marquée par le classique. À l’adolescence, il découvre très tôt le «death metal» et le jazz. Deux styles qui, malgré leur originalité, restent encore trop limités à son goût. C’est à l’âge de 17 ans, lors d’un concert présenté par la maison de production Ambiances Magnétiques, qu’Alexandre St-Onge tombe sous le charme de la musique actuelle. Pour lui, il s agit d’un territoire sonore encore vierge et inexploré. Il contacte alors Michel F Côté, percussionniste et compositeur de musique contemporaine, dans le but de prendre des cours avec lui. «Il m’a expliqué qu’il ne donnait pas de cours, mais que si je voulais venir jammer dans d son atelier, il n’y avait pas de problème. Par son entremise, j’ai pu rencontrer plusieurs autres musiciens avec qui j’ai aussi commencé à explorer.»

Changer de refrain

Au moment où Alexandre St-Onge s’immisce dans le milieu de la musique actuelle, l’esprit d’exploration et la liberté absolue lui apparaissent comme des notions fondamentales. Sans frontière, cette forme contemporaine d’expression musicale regroupait alors autant le jazz que le rock ou le techno sous leur forme expérimentale. Toutefois, à l’instar du punk et du free jazz qui, à l’origine, étaient des musiques dénonciatrices et hors norme, la musique actuelle a développé une certaine esthétique. «Aujourd’hui, déplore-t-il, elle a un son un peu trop défini.»

Selon lui, c’est l’émotion et la curiosité vis-à-vis du monde qui priment. En fait, je pense qu’il faut savoir se laisser imprégner par les phénomènes physiques, biologiques ou politiques qui nous entourent.» Dans la musique d’Alexandre St-Onge, cette attitude se traduit, par exemple, par l’utilisation des ondes radio. Ainsi, les interférences que crée un satellite peuvent très bien se glisser au cœur d’une pièce musicale si l’occasion se présente. «Il faut composer avec le récit plutôt que chercher à le dominer.»

Le respect du monde qui l’entoure, inhérent à la pratique de ce musicien, est aussi discernable dans sa manière de percevoir la création artistique en général. «Si un artiste est capable de prendre une distance critique par rapport à son travail, ça lui permet de ne jamais se prendre trop au sérieux. Moi, j ai surtout pas la prétention de faire de la musique parfaite, je ne cherche pas à créer un chef d’œuvre. Par contre, je m’investis dans des projets auxquels je crois et j’y travalle avec passion.»

Alexandre St-Onge collabore aussi avec des créateurs provenant d’autres disciplines, telles la vidéo et la danse. Ce besoin de coopération revient comme un leitmotiv au fil de l’entrevue. Une façon, selon lui, de construire une relation différente avec les créateurs qu’il côtoie.

Musique anarchique

«L’anarchie, expose-t-il, on sait que c’est utopique en société parce que le système est trop bien installé. Mais, en musique, c’est une pratique qui est possible grâce à l’improvisation. Tout le monde est sur un pied d’égalité et il n’y a pas de rapport de force entre les musiciens.» Cette vision idéaliste du monde de la musique correspond bien au but ultime d’Alexandre St-Onge: former des groupes de recherche dans diverses disciplines et toujours garder une attitude très critique face à la société. «Je connais plusieurs entartistes et, dans le fond, je voudrais retrouver leur attitude critique en art. Attaquer des icones artistiques plutôt que des personnages politiques.» Selon lui, l’improvisation constitue d’ailleurs l’une des seules voies qui permette cette remise en question primordiale. Pas de conflit possible entre un compositeur et un interprète et, idéalement, pas d’ego disproportionné qui limite la coopération. C’est la liberté, l’absence de hiérarchie entre les musiciens. «Je souhaite même que ceux qui écoutent mes pièces interagissent avec ce qu’ils entendent.» Que ses auditeurs allument la télévision. Ia radio, ouvrent une fenêtre, peu importe. L’important, c’est qu’iLs se sentent libres d’enrichir sa musique de divers échantillons sonores. «Il doit y avoir une interaction entre le créateur et le public.»

En portant un regard neuf sur son médium, Alexandre St-Onge n’a pas la prétention de dicter un mode de pensée. Seulement, il recommande l’audace et l’ouverture d’esprit à ceux qui en ont assez des stéréotypes. «La société et les médias nous ont habitués à des rythmes et des harmonies standards. Pour se défaire des carcans, il faut simplement se laisser apprivoiser par la musique d’exploration et découvrir toutes ses possibilités.»

Led by percussionist Michel F Côté, Klaxon Gueule explores free jazz from a very global perspective. While they may be based in Montréal, the sound is definitely global, but doesn’t seem necessarily tied to the specific style of New York, Japan, or any other place. Two discs in this collection. The first features Michel, accompanied by Bernard Falaise on guitar and Alexandre St-Onge on bass. For the second disk, the saxophonist Chrislopher Cauley joins this trio. While free jazz is often sparse, the music is rich and full with textures and riffs that border on real melodies. At times it’s remind cent of New York’s ’80s group Massacre, but that’s only because the bass is so beavy and the percussion so complex. The second disk is softened by the addition of saxophone, creating a more textural, melodic experience.

On their debut release, the electric trio Klaxon Gueule blasts out with an unbridled energy that manages to absorb many influences while still sounding fresh and vital. One minute, they bristle with the harmolodic intensity of James Blood Ulmer’s mid-’80s trio, the next they drop down to the quietest whispers of buzzing and hissing electronics, the next they bellow out molten torrents of churning, slashing potency. Drummer Michel F Côté, who has been an integral member in many interesting projects coming out of the Montréal improvisation scene, drives this music with lithe, vigorous rhythms. With a flexible sense of time and astute attention to dynamics, he can nimbly segue the improvisations from caterwauling fusillades to open, chattering freedom. Guitarist Falaise approaches the music with a rock derived intensity, building up deftly controlled, dense textures with shredded power chords, choked feedback, and crackling electronics. He tears off fiery harsh-edged chords to shape cascading phrases, or drops burred textures and crackling sparks of electronics into the free interplay. Bassist Saint-Onge adds a percolating bottom to the mix, adding a linear flow to Falaise’s broader textures.

Over the course of the first CD, the trio blasts through a series of 3 to 5 minute pieces that burst along like barely contained conflagrations. The second CD adds alto player Christopher Cauley for a series of longer pieces. The addition of alto gives the music a clear connection to the harmolodic energy of Ornette Coleman and Prime Time, but the four seem to acknowledge that basis and build from it. Each drives the music in equal parts, with sax, bass, and guitar weaving in and out of Côté’s churning rhythms. Particularly on slower pieces like Quatro II, Cauley’s free-blues keenings give the music a more linear shape than the trio pieces, but even then, the music builds in dynamic waves rather than along thematic structures. Particularly on the second CD, these musicians have managed to combine rock energy, electronic textures, and a finely attuned sense of group interaction into complex improvisations with gripping physicality.

I’ve been looking for a group like Klaxon Gueule for a long time. Melding the best elements of rock with the best elements of free jazz, this electric guitarist, electric bassist, drummer and alto sax man manage to create an aural cacophony not easily duplicated. Their music combines a brilliant sense of spontaneity with a deft mastery of formal balance. Motives are stated transformed and make cathartic reprises. Take the first track Petit d’homme, as a case in point. The essence of the piece is one interval, stated at the beginning, inverted and transposed and otherwise modified during the middle and returning in its original form at the end (formally a take on the head-solos-head routine that is fundamental in jazz). Klaxon Gueule is punk rock elevated to high art status, free jazz for the electronic era, noise rock imbued with greater structural sophistication. The music on Bavards clearly points to a future in which high-brow art finds itself revitalized by the youthful energy of pop culture — a future that I’d like to see realized.

Bon, évidemment ce n’est pas un disque pour toutes les oreilles. Encore moins s’il y en a deux, des disques. Klaxon Gueule, c’est du jazz actuel de forte inspiration rock avec tout ce que cela implique de paysages accidentés, de dissonance, de délires free, de contre-rythme: et de textures sonores en laine d’acier. Le groupe montréalais joue en trio sur le premier cd. Michel F Côté est à la batterie, Alexandre St-Onge à la basse et Bernard Falaise à la guitare éléctrique. Un musicien additionnel, le saxophoniste Christopher Cauley, fait sentir sa furieuse présence sur le deuxième disque. Bavards? I^es gars de Klaxon Gueule le sont effectivement. Comme dans conversation à bâtons rompus. Ici tout le monde discute. Et souvent en même temps. Parfois on élève le ton. Parfois on en vient furieusement aux coups. Parfois on parvient à s’entendre — sans mauvais jeu de mot. Construit sur des improvisations, Bavards est un festival de musique libre et «lâchée lousse» qui vous décape sévèrement l’intérieur des oreilles.

Après un automne-plutôt chargé à écrire pour le théâtre (Combat de nègre et de chiens au TNM) et la danse (Giselle avec la troupe Brouhaha Danse) le compositeur/percussionniste Michel-F. Côté revient sur scène au Théâtre de La Chapelle avec ses groupes Bruire et Klaxon Gueule. Nouveaux concerts, nouveaux concepts: l’artiste explique le pourquoi et le comment de ce double projet où il sera question de peintures rupestres et de free rock «électrolyptique».

On le rencontre dans un café du plateau, aussi jasant que le titre du premier disque de Klaxon Gueule, Bavards qui doit justement être lancé ce soir. Fébrile, Michel F Côté en a beaucoup à raconter. Bruire, Klaxon Gueule, Klaxon Gueule, Bruire: malgré leur caractère très distinct, les deux projets, qui seront présentés conjointement jusqu’à samedi, finissent par s’entremêler dans la bouche du musicien, qui passe de l’un à l’autre comme on passe du coq à l’âne.

On est évidemment curieux d’en savoir plus sur ces Chants rupestres, qui s’annoncent comme le plat de résistance de la soirée. Avec Bruire, Côté s’inspirera de l’art paléolithique, des fameuses fresques des cavernes, pour créer un univers musical au registre grave à la fois improvisé et organisé. Outre Côté aux percussions, Jean Derome sera au sax Baryton, Normand Guilbault à la contrebasse et Martin Tétrault reproduira l’effet du stylet avec les aiguilles de ses vieux pick-up.

«Il y a eu beaucoup d’études sur la peinture des premiers hommes», observe Côté, qui est anthropologue de formation. «C’est, dit-il, un puzzle fascinant à décoder… Mais, sur la musique on ne sait rien. On imagine quelque chose de trés rythmique, de très mimétique aussi. Les musiciens de la préhistoire devaient sûrement imiter le bruit du tonnerre ou le son d’une pluie forte…

«L’idée dans ce spectacle n’est pas d’arriver déguisés en Flinstones avec des perruques et des fausses roches! ajoute-t il en riant. C’est de rendre hommage à l’imaginaire des premiers musiciens, aux hommes et aux femmes qui ont un jour commencé à faire de la musique, en interprétant les peintures des cavernes comme s’il s’agissait de partitions ouvertes…»

Pour recrééer l’espace rituel de la caverne, Bruire n’a rien laissé au hasard. Le groupe jouera dans un théâtre sans gradins, avec public au niveau du sol, sous des éclairages faibles, sombres comme celui d’une grotte. «Je veux que les gens fassent partie du show, lance Côté. Que les sons leur rentrent dedans… Sans intermédiaire.» En première partie, dans un esprit nettement plus «free music et alliage électrolyptique» (dixit le communiqué de presse!), Klaxon Gueule balancera quelques «intempéries sonores-» tirées de son premier disque. Le batteur parle d’un show «beaucoup plus rock… instinctif… qui ne part de rien… sans idée poétique à priori… donné dans l’esprit du power trio… très différent de Bruire…’, Avec Bernard Falaise à la guitare électrique et Alexandre St-Onge à la basse électrique, on risque en effet de flyer à plusieurs années-lumière de l’âge paléolithique.

Michel F Côté mène toujours quelques projets de front. Au théâtre en ce moment dans Gilselle ou la maudite amour sale, il prépare pour le Théâtre la Chapelle les événements musicaux Bruire et Klaxon Gueule.

Le premier disque du trio Klaxon Gueule sera par ailleurs lancé, le soir de la première, le 11 décembre. Compositeur et percussionniste, Michel F Côté met en scène deux ensembles radicalement différents. Le premier Klaxon Gueule se laisse aller dans une musique complètement improvisée. Le trio existe depuis près de trois ans et réunit Bernard Falaise à la guitare électrique, Alexandre St-Onge à la basse et Michel F Côté à la batterie.

«C’est très rock, explique Côté nous faisons en sorte que notre musique ait l’air le moins improvisée possible. Ça se passe bien entre nous et Klaxon Gueule a même quelques propositions pour se faire entendre en Europe.» Bavards, premier disque du groupe sera lancé à l’occasion de ce spectacle. Il est la 52^e parution de l’étiquette Ambiances Magnétiques. Dans un deuxième temps, Bruire, formation polyvalente qui existe depuis une dizaine d’années et dirigée par Michel F Côté, requiert cette fois la collaboration musicale de Jean Derome au saxophone baryton, Normand Guilbault à la contrebasse et Martin Tétreault: au tourne-disques et pick-up.

À chaque nouveau spectacle de Bruire, Michel F Côté, qui en est le seul membre permanent, choisit les musiciens en fonction des objectifs musicaux. Cette fois, Bruire s’inspire de l’art rupestre, ces peintures éblouissantes retrouvées dans les grottes. «Les gens de la préhistoire étaient de véritables artistes. J’ai voulu donner un écho musical à ces œuvres. Les pièces possèdent une structure dans laquelle les musiciens peuvent s’exprimer.» Chacun d’eux étant un maître ils deviennent tour à tour solistes. Bruire se rapproche davantage du jazz, mais d’avant-garde. La batterie de Michel F Côté adopte un caractère lyrique, presque mélodique, qu’on ne reconnaît généralement pas à son instrument. Le saxophone de Jean Derome devient pour sa part plus rythmi que. «C’est fascinant de faire sortir les instruments de leurs rôles traditionnels.»

Pour l’occasion le Théâtre La Chapelle a été transformé pour ressembler à une grotte. Les musiciens et le public seront très près l’un de l’autre, créant ainsi l’interaction rêvée. Les deux parties de ce spectacle seront captées par la radio de Radio-Canada et diffusées ultérieurement.

Qu’il fasse une relecture du thème de Giselle; qu’il retrouve le cri primal avec son ensemble Klaxon Gueule, ou qu’il interprète la préhistoire dans Chants rupestres, le percussionniste Michel F Côté approche la musique comme l’anthropologue qu’il aurait voulu étre.

La dernière fois que j’ai vut Michel F Côté en spectacle, au Théâtre La Chapelle, c’était lors d’une représentation de Giselle de Bouhaha Danse. Au fond de la scène, les musiciens de B. A. R. F faisaient leur boucan habituel. Michel était là, à leurs côtés, à se charger de l’atmosphère en tapant sur une étrange batterie faite d’instruments acoustiques et de pads électroniques. De temps à autre, il caressait ses cymbales avec un archet, pour ensuite se lancer dans une mitraille frénétique inspirée par le rock à haute vélocité de ses voisins. Plus encore que la chorégraphie, transformée par Brouhaha en un véritable duel destroy, la musique tonitruante s’éloignait le plus possible de celle qui accompagnait la première version. «La musique originale de cette pièce est immensément ennuyeuse, je peux l’affirmer car je me suis tapé plusieurs enregistrements en travaillant pour Brouhaha, explique Côté. Au départ, je voulais faire une sorte de relecture mais ça ne cadrait pas du tout avec le projet, il ne reste donc que quelques petits clins d’œil.»

On ne doutait pas un instant que Côté puisse relever le défi. Après tout, c’est un compositeur de talent, ayant souvent travaillé pour le théâtre (on peut d’ailleurs l’entendre dans le Koltès actuellement présenté au TNM). Mais la collaboration avec les gars de B. A. R. F. avait de quoi surprendre. “J’écoute tous les genres de musique, mais ce n’est pas parce qu’on va au Mali pis qu’on s’assoit autour d’un feu avec des bongos qu’on est malien, lance Côté en guise d’explication. Je ne prétends aucunement être un musicien «grindcore» quand je joue avec B. A. R. F. Par contre, je peux parler le même langage qu’eux sur leur territoire, sans poser de jugement, et réussir à avoir une conversation passionnante. Ce genre d’analogies antiropologiques revient régulièrement dans la bouche de Côté, qui a abandonné ses études sur l’origine de l’homme pour se consacrer à la musique il y a quelques années. Cette semaine, lorsque Côté retournera au Théâtre La Chapelle (sans danseurs, cette fois-ci), il pourra enfin fusionner ses deux passions. Intitulé Chants rupestres, le spectacle qu’il présente en compagnie de son ensemble Bruire (avec Martin Tétrault aux tables tournantes, Jean Derome au sax baryton, et Normand Guilbeault à la contrebasse) se propose de donner une voix à des personnages muets depuis des dizaines de milliers d’années. Pour ce projet, Côté s’est sunout inspiré des fresques rupestres retrouvées sur les murs de nombreuses grottes, dont celle dite des Trois Frères, dans laquelle on peut observer un homme portant une sorte d’arc vers la bouche. À propos de cette peinture, Pascal Quignard écrira, dans La Haine de la musique, «Je ne distinguerai pas l’instrument de chasse de la première Iyre, de la même façon que je ne distinguai pas Apollon archer d’Apollon citharéde.»

À partir de ces images marquées sur la pierre, le champ d’exploration poétique qui s’offrait à Côté était quasiment infini. Puisqu’il n’existe ni notation ni tradition vocale ayant conservé la mémoire des chants préhistoriques, le musicien était libre de les interpréter comme il l’entendait. «J’ai toujours été fasciné par l’an rupestre, mais ce qui m’intéresse le plus, c’est de savoir quelle pouvait bien être la pulsion artistique première de ces gens pratiquement vierges de toute culture. Quignard, puisqu’on parle de lui, laissait entendre qu’aujourd’hui, le silence était devenu le vertige moderne parce que la musique ne parlait pas. Durant la préhistoire, les gens entretenaient un tout autre rapport avec la musique.» L’instrumentation s’est imposée d’elle même: en tant que percussionniste, Côté était le musicien primitif idéal. Derome se limiterait aux sonorités graves du baryton, Guilbeault utiliserait tout le coffre de la contrebasse, et Martin Tétrault, à l’aide de son aiguille de pick-up, allait représenter les coups de stylet des hommes des cavernes. La musique allait être brute et le spectacle, minimaliste. «J’ai voulu qu’on puisse sentir le côté primitif dans la mise en scène du spectacle. Il n’y a pratiquement aucun éclairage; pas de technicien de son, puisqu’on a décidé de ne pas se servir d’une grosse amplification; et on n’utilise pas de gradins car je voulais que le public soit au même niveau que nous, pour sentir la sueur.»

En première partie, Côté jouera avec son autre groupe, Klaxon Gueule, un trio qui se réclame de l’héritage des musiques «free» et rock à la fois. «Je dis toujours que Klaxon Gueule est une sorte de blind date musical. Il y a environ cinq ans, Alexandre St-Onge, un jeune bassiste de seize ans a appelé à la maison en me disant qu’il voulait prendre des cours avec moi. On a commencé à jammer ensemble et, un jour il m’a proposé d’appeler Bernard Falaise, que je connaissais seulement pour l’avoir vu sur scène. Ça a tout de suite cliqué.» Les trois gars ont fondé Klaxon Gueule sur un coup de tête. mais se sont mis à enregistrer dès leur fondation en septembre 1995. Le résultat peut maintenant être entendu sur le double compact Bavards, qui recense de volubiles échanges à trois sur le premier disque, et des sessions avec musiciens invités sur le second. Comme si ça n’était pas assez, Côté lancera un album solo appelé Compile Zouave, et ce, peut-être en même temps que la version disque des Chants rupestres au printemps prochain. Autant d’artefacts pour les ethnomusicologues du futur.

Rendez-vous à la grotte… Plutôt au théâtre de la Chapelle, où le compositeur et percussionniste Michel F Côté fera revivre, dans un décor «préhistorique», la musique des hommes des cavernes avec des moyens d’aujourd’hui. Sans doute nos ancêtres se seraient-ils posé beaucoup de questions à la vue des guitares et basses électriques. Ces instruments n’ont au contraire aucun secret pour les musiciens des groupes Bruire et Klaxon Gueule.

Michel F Côté, Quebec’s most eclectic percussionist, had decided to put his Bruire ensemble on hold after three records on Ambiances Magnétiques to form a new band. This time, he proposed a trio with Bernard Falaise (Miriodor, Les Projectionnistes) on guitar and Alexandre St-Onge on bass. Klaxon Gueule (something like “Yelling Horn”) was at first a talkative trio — after all, it is the title of their album (Bavards). The first disc of this short 2-CD set contains twelve improvisations titled humorously (Aptitude algébrique innée equals “Innate Algebraic Aptitude,” Friandise cannibale equals “Cannibal Candy”). To the nervous drums of Côté and the busy bass of St-Onge, Falaise adds noisy textures with sharp angles, creating an electric, noisy free jazz. The second CD showcases Klaxon Gueule with saxophonist Christopher Cauley on six quartet improvs. Here, the music is more in the orthodox free improvisation realm. The contagious energy of the musicians make Bavards a real treat. This was recorded at a time when St-Onge still approached the bass in a conventional way and the trio played jazz-anchored improv. The situation would change drastically with their second CD, eloquently titled Muets (“Silent”), an exploration of textural string-scratching, feedback-controlling free improv.

• Rafa Dorado, Margen, n^o 13, 1 juin 1998
• Saskia Ouaknin, Ici Montréal, 18 décembre 1997
• Saskia Ouaknin, Ici Montréal, 11 décembre 1997