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Critique

Normand Babin, Néomémoire, 12 février 2020
lundi 17 février 2020 Presse

Gabriel Dharmoo pratique l’humour en musique depuis un certain temps. Dans ce tout nouvel enregistrement, il présente sept pièces écrites entre 2009 et 2019, toutes pièces pour voix, toutes surfant à la frontière entre réalité et fiction, là où le compositeur se sent le plus à l’aise… Quand on connait un peu son parcours, on sait qu’il a étudié les musiques traditionnelles de plusieurs pays asiatiques et sud-asiatiques. Il a aussi appris des techniques vocales complexes comme celle du chant de gorge. Évidemment, il a aussi une vaste culture en musique occidentale classique que tout compositeur se doit d’avoir. Fort de toute cette richesse, de cet immense savoir, il compose des parodies, des pastiches qui sont si près de ce qu’on imagine parfois être la réalité, qu’on se surprend à cligner des… oreilles, tellement l’impression d’authenticité est frappante.

Gabriel Dharmoo combine quelques techniques, quelques caractéristiques de certaines traditions musicales et en fait un habile mélange, créant ainsi une fausse nouvelle tradition. Prenons Vaai Irandu, la dernière piste de l’album, qui devrait peut-être être écoutée en premier tellement cette musique est séduisante. On semble entendre une basse statique, grave, nous donnant l’impression d’un chant tibétain, d’un ‘om’ de méditation. Mais la mélodie qui s’y rajoute explose et devient semblable à celle de la danse kathak, la musique dhrupad, une mélodie enlevée, vivante et virevoltante. Le très beau contraste entre les deux parties rend cette musique irrésistible. Avec une énergie toute différente, Notre meute, une des pièces les plus souvent jouées du compositeur, interprétée ici par son groupe vocal Phth (arrangez-vous pour le prononcer) emprunte à tellement de sources, recréé tellement de traditions, vraies ou fausses, que l’auditeur est véritablement dépaysé, dans le sens d’être dépourvu d’un pays, si cela se peut. Ça commence par ce qui semble un appel à la prière ou au rassemblement, un chant de muezzin remixé. Au cours des brèves 12 minutes que dure la pièce, on y entendra des chants funèbres, des pleurs, des chants grégoriens, du beat box, du chant gitan ou peut-être arménien, qui sait? du vent, du chant à bouche fermée. Quand je dis qu’on y entend, il faudrait plutôt dire qu’on y ressent, qu’on a l’étrange impression d’avoir déjà entendu tout ça mais toujours par petits bouts, dans d’autres contextes. Un peu comme si il s’agissait d’une collection de citations vocales. Ravigotante musique, on y entend aussi un opéra de poche, un drame s’y passe. Parce qu’après tout, il y a souvent dans la musique vocale, presque toujours en fait, une histoire, un récit. Comme ce récit est en langue inventée, chacun peut à loisir interpréter à sa guise les détails de l’histoire racontée.

Alors qu’il pastiche des traditions imaginées, Gabriel Dharmoo fait aussi partie d’une certaine tradition: celle des poètes et compositeurs qui ont inventés des langues, forgés des mots nouveaux. Dans cette lignée, on compte aussi Claude Gauvreau et Claude Vivier qui ont, chacun à leur façon, créé une œuvre fleurie où la langue est inventée et poétique. Gabriel Dharmoo amène le concept un peu plus loin en nous faisant croire que cette langue existe vraiment. Tellement bien calquée sur de véritables langages qu’elle devient crédible. Pour rendre cette œuvre de façon aussi convaincante, qui de mieux que le compositeur lui-même pour l’interpréter. Il est à l’avant plan ou en solo dans toutes les pièces de l’album. Il est même son propre duettiste dans l’amusant Duo de Moogeon. En tout l’interprétation est impeccable et vive avec une prise de son qui rend bien l’intense présence des voix. Parce qu’il y croit profondément, chaque son, chaque note, chaque syllabe nous convainc. Que ce soit le bruit de la pluie, du vent, que ce soit un chant funèbre, on y croit sans retenue et on écoute avec fascination. Le compositeur pratiquerait donc l’humour en musique, mais quand allons nous rire? Après. Seulement lorsqu’on se rendra compte qu’il nous a bien eu. Et à tout coup, il nous aura.

Pour rendre cette œuvre de façon aussi convaincante, qui de mieux que le compositeur lui-même pour l’interpréter. […] En tout l’interprétation est impeccable et vive avec une prise de son qui rend bien l’intense présence des voix.

Review

Avant Scena, 23 janvier 2020
lundi 17 février 2020 Presse

Voir dans le vent… is a fresh new release of Ambiances Magnétiques. An album was recorded by Ensemble SuperMusique. This ensemble is famous in contemporary academical music scene which joins together great musicians, talented composer, young talents to work together. Original interpretation of new music always are filled with innovations, extended playing techniques, sonoristic experiments, authentic traditions, modern tendencies of contemporary academical music, especially bright and rich musical language, and wide range of styles, expressions and moods gently brought together. This time, an ensemble had recorded the compositions by Symon Henry. A talented and creative composer is getting on risky combinations, provocative and original musical decisions, has his very own sound and style, and is developping exciting new conception, as well. All music is based on experimental, electroacoustic and contemporary academical music combined with free improvisation and experimental jazz. That makes a dynamic, unpredictable and touching sound.

Isaiah Ceccarelli, Guido Del Fabbro, Jean Derome, Bernard Falaise, Lori Freedman, Émilie Girard-Charest, Joane Hétu, Diane Labrosse, Philippe Lauzier, Pierre-Yves Martel, Cléo Palacio-Quintin, Jean René, Danielle Palardy Roger, Vergil Sharkya’, Alexandre St-Onge, Pierre Tanguay, Martin Tétreault, Scott Thomson and Ida Toninato — these are all the members of Ensemble SuperMusique who are playing together in Voir dans le vent…. The music is based on difficult structure and rich evocative musical language. The musicians succesfully blend together all the sections to one place — an independent and bright melody line, dynamic rhythmic section, synth tunes, electronics, gorgeous musical background and innovative instrumentation. Separate independent sections are contrasting to each other and create a bright, expressive and modern musical language. The music is especially expressive and emotional — the musicians are mixing up together different kinds of motions, characters and expressions. Spontaneous turns, sudden changes, strong contrasts, masterful virtuosity, invention and the ability to switch from the one mood to another without any force — that makes an effort to flexible, expressive, sensible and effective playing manner. The music moves from the darkest pieces mixed with sorrows, anger, aggression or — ambient, subtle and relaxing mood. These episodes are filled with silent pauses, deep contemplations changed by minimalistic samples, sonoristic experiments, strange timbres and turn out to outregeous, haunted, heavy and dark mood. When suddenly the music changes — it gets striking and twisting, rises on sparkling riffs and wild culminations. Here a lyrical, solemn and relaxing playing manner is changed by intense, active and moving pplaying manner with rich ornamental texture. Here expressive melodies filled with shrieky exclamations, hysteric riffs, passionate flowing passages, intense, nervous and complicated rhythms, monotonous sessions are rising to luminous culminations, booming sessions, wild perturbations, radiant breaking riffs and scandalous pieces. The music is played in active, dynamic and expressive playing manner — different kinds of instruments are brought together. All music is based on huge stylistic variety — spontaneous free improvisation is integrated in already arranged contemporary academical music, astonishing and evocative experimental music, synthetic and modern electronics and innovations of academic avant-garde. Here meets an unconventional andevocative contemporary academical, experimental and electroacoustic music and abstract, moving and spontaneous improvisation. An innovative and bright instrumentation is created — it’s based on home-made, strange, experimental and extended playing techniques, rare and exotic instrumental combos, modern innovations, fusion of acoustics and electronics, and ornaments, abbreviations and textures of all kinds. That finally makes an inspiring, evocative and bright sound.

The music is especially expressive and emotional — the musicians are mixing up together different kinds of motions, characters and expressions. […] Here meets an unconventional andevocative contemporary academical, experimental and electroacoustic music and abstract, moving and spontaneous improvisation. […] That finally makes an inspiring, evocative and bright sound.

Review

Brian Olewnick, The Squid’s Ear, 6 février 2020
lundi 10 février 2020 Presse

When dealing with Phill Niblock’s music, you pretty know what you’re in for from the outset: A thick, massive wall of sound within which you’ll encounter all manner of activities. Much of the intrigue involves the instrumentation utilized and how, if at all, it’s augmented.

For the two works presented here, Disseminate as Five String Quartets and Baobab, five “multiples” of the quartet are used, with twenty different instrumental lines. Each lengthy line, essentially a drone, has a designated degree of sharpness or flatness around a given pitch and the players create tones as seamlessly as possible, resulting in one continuous, fluctuating stream. Naturally, the small variations in pitch create pulses and throbs that become one of the basic attributes of the work. More to the point, they accentuate the richness and nuance of the overall sound, a huge, breathing, orchestral mass. The amount of information packed into this music is astonishing, allowing the listener to hear detail after detail, pattern after pattern, relationship after relationship.

Apart from a difference in basic pitch, there’s not so much to distinguish the two pieces; both afford the same luxurious, cavernous, ultra-resonant immersion into Niblock’s unique sound world, one of the deepest around. As always, beautifully interpreted by the outstanding Bozzini Quartet.

[…] both [pieces] afford the same luxurious, cavernous, ultra-resonant immersion into Niblock’s unique sound world, one of the deepest around. As always, beautifully interpreted by the outstanding Bozzini Quartet.

Critique

Normand Babin, Néomémoire, 4 février 2020
mercredi 5 février 2020 Presse

La pièce voir dans le vent qui hurle les étoiles rire et rire de Symon Henry a déjà une vie. Créée pour l’ouverture du Pavillon Lassonde du Musée des Beaux-Arts du Québec par l’Orchestre symphonique de Québec, c’est dans un arrangement de Danielle Palardy Roger pour l’Ensemble SuperMusique qu’elle a été enregistrée fin 2018. La musique de Symon Henry a ceci de particulier qu’elle est à demi improvisée, ses partitions étant dessinées plutôt qu’écrites en notation traditionnelle. Les courbes, les montées, les descentes définissent le mouvement mélodique alors que la densité des traits et les couleurs définissent l’orchestration et les volumes sonores. La part des musiciens qui jouent cette musique est donc immense dans l’interprétation qui en est faite. Mais les personnes qui écoutent ont aussi leur voix dans l’interprétation de cette musique. Symon Henry écrit cette musique comme une poésie, laissant place aux diverses façons de la comprendre. Aussi, pour rendre compte de l’écoute que j’en aurai fait, il faudra accepter que cette interprétation en soit une parmi des milliers.

La pièce comporte six parties qui s’enchaînent sans interruption. voir dans le vent qui hurle les étoiles rire et rire commence avec de Grandes horizontales et nuages d’étoiles. On devine donc que ces lignes droites ne se toucheront pas, que les lignes, aussi intranquilles soient-elles, ne se rencontrent pas. Cette prémisse est donc assez contemplative et extatique et exprime l’impossible connection, l’impossible communication. Les rencontres commencent à la deuxième partie. Les lignes droites, des sons filés en quelques sortes, sont superposées à un fond de cliquetis des cordes et du piano. Un solo de violoncelle, repris par le saxophone montre une plus grande tension dramatique, ce que donnent parfois les rencontres et les séparations qui s’ensuivent. Ce mouvement se termine sur des chants d’animaux qui semblent souffrir, à bout de souffle. Avec une transition au violoncelle — décidément, Rémy Bélanger de Beauport a la part belle dans cet enregistrement — la troisième partie, Entrelacs et épuration, voit le violoncelle et le piano poser les jalons de ce qui suivra. Après un arrêt dans le flux, les sons se font plus courts, plus dispersés. Ce qui mène à la presque mort du long souffle qui menait la pièce depuis le début. La quatrième partie, Accords et impulsions, va être le catalyseur du reste de la longue pièce. Le piano mène avec un fort pointillisme vers Les nues. — Ici on s’arrête pour définir ce que sont les nues, mot qu’on utilise surtout dans des expressions toutes faites: tomber des nues, porter aux nues. Mais que sont les nues? Le ciel, nuageux ou non, les nuages — Sur un rythme presque dansant avec moult tapotements se superposent de grandes descentes en glissandos, des montées en fusée, des climax exacerbés à l’image de coïts extatiques. Ici, c’est le grand tremblement de terre, là où tout se joue. Ça se termine sur un plateau, très haut dont les cordes et les bois ne descendront pas jusqu’à la fin de la dernière section, Résonances. Encore une fois, nous avons ici de grandes horizontales. Le piano, les percussions et le violoncelle sont dans le grave de leur registre respectif. Le tout se termine sans que ces lignes horizontales ne se touchent. Planant chacune de leur côté, les lignes vivent leur extase grandiose en aparté.

Jusqu’à la fin du XXe siècle, la musique était surtout un art de reproduction. Les musiciens condamnés à reproduire de leur mieux ce qu’est une sonate de Beethoven, une symphonie de Bruckner, un opéra de Berg. Symon Henry, avec beaucoup d’autres compositrices et compositeurs écrit une musique qui laisse libre court à la performance, à l’expression des points de vue des musicienNEs interprètes. Ille laisse également la place à celles et ceux qui écoutent cette musique toute latitude dans ce qu’on peut y entendre, y voir, y ressentir. J’ai entendu beaucoup d’extase, de souffle dans voir dans le vent qui hurle les étoiles rire et rire. J’y ressent certaines influences, comme celles de Ligeti, Stockhausen ou même Messiaen. Mais je suis parfaitement conscient que ce n’est là qu’une des multiples façons de percevoir cette musique. D’autres ensembles ou orchestres joueront cette musique. La barre sera haute, il faut bien le dire, car l’Ensemble SuperMusique en fait ici une interprétation inspirée et de grande qualité technique. Mais ceux qui voudront interpréter cette musique à nouveau pourront nous donner une version assez différente de la présente. Tout comme en poésie, tout se trouve entre les mots, entre les notes. Le souffle et les pauses modifient le sens et incarnent l’interprétation qu’on en fait. Cette belle production est plurielle: on y trouve à la fois du dessin, extraits des partitions, de la musique bien entendu et de la poésie, la liste des titres se lit comme un véritable haïku.

J’ai entendu beaucoup d’extase, de souffle dans voir dans le vent qui hurle les étoiles rire et rire. […] La barre sera haute, il faut bien le dire, car l’Ensemble SuperMusique en fait ici une interprétation inspirée et de grande qualité technique.

Review

The New York City Jazz Record, no 214, 1 février 2020
lundi 3 février 2020 Presse

On Sukoku pour Pygmées, reedplayer Jean Derome, a central presence in Quebec’s new music collective Ambiances Magnétiques, culls three works composed ten years apart. Starting with Les Dangereux Zhoms (pianist Guillaume Dostaler, bassist Pierre Cartier, drummer Pierre Tanguay), the foursome is augmented by violin, two more woodwinds, three horns (including tuba), electric guitar, percussion, plus a director to cue events. The title track, a flexible canon, derives from a Sudoku puzzle solution, with two parent scales (together containing all 12 pitches) and independent assignments for each voice, generating a decentered yet well-balanced contrapuntal web. 7 Danses (pour «15»), a suite, ranges from roiling folk dance to off-kilter jazz waltz to rubato pastoral. 5 pensées (pour le caoutchouc dur) is expansive, carnivalesque, fueled by low tumbling horns, vocalistic cries, climaxing in a smooth but skronky polka.

5 pensées (pour le caoutchouc dur) is expansive, carnivalesque, fueled by low tumbling horns, vocalistic cries, climaxing in a smooth but skronky polka.

Critique

Roland Torres, SilenceAndSound, 30 janvier 2020
lundi 3 février 2020 Presse

Le premier album du compositeur et vocaliste Gabriel Dharmoo interpelle, de par les questions qu’il soulève, brouillant la réalité dans des origines aux racines trompeuses.

Tout en voix, Quelques fictions invente sa propre langue, à coups d’onomatopées et de souffles, de bruitages gutturaux et d’envolées mélodiques, d’espièglerie et de culture.

On est balancé en permanence sur des géographies à la familiarité pourtant inconnue, puisant savamment dans dans cantiques tribaux ou liturgiques aux origines inconnues, inventions pleine de malice et de connections floues. L’avant-garde se dilue dans une comedia dell’arte pleine de vie et d’humour, d’inattendu et de surprise. Brillant.

L’avant-garde se dilue dans une comedia dell’arte pleine de vie et d’humour, d’inattendu et de surprise. Brillant.

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