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jeudi 26 mai 2022 En concert

Review

Dolf Mulder, Vital, no 1334, 3 mai 2022
mercredi 11 mai 2022 Presse

Quator Bozzini is Clemens Merkel (violin), Alissa Cheung (violin), Stéphanie Bozzini (viola) and Isabelle Bozzini (cello). For two decades, this Canadian Quartet has been in business and working continuously from a strong idealistic mission, specialising in realizing contemporary and experimental music projects. Many projects featured works from composers from the Montréal-area and other parts of the world. This time they concentrate on works by Michael Oesterle, a German-born composer who lives and works in Québec. He did his studies at the University of British Columbia and Princeton University in the US. He composes for the concert hall as well as theatre, film and dance productions. His compositions have been performed by outstanding ensembles like Ensemble Intercontemporain (Paris), and Tafelmusik (Toronto). Quator Bozzini is one of the ensembles Oesterle has worked for already for a long time. The quartet debuted in 2004 with ‘Portrait Montréal’ with works by Claude Vivier, Malcolm Goldstein, Jean Lesage and one by Michael Oesterle: Daydream Mechanics V (2001). This composition is included again on this new release by the quartet with three other more recent compositions by Oesterle. The composition Daydream Mechanics V is also recorded recently by the ensemble Music in the Barns for their release for New Focus Recordings, beautiful, elegant work. The compositions on this new release by Quator Bozzini introduce Oesterle as a composer of accessible compositions of a minimalistic nature. The cd opens with String Quartet No. 4, his most recent composition and maybe the most complex one on this recording. A work built up from different episodes, some of them very melodic with a catchy theme contrasted with more rigorous parts. Like the opening part, very dynamic, contrasted with a very soft and reduced experimental section. Three Pieces for String Quartet ( 2016) has a pastoral atmosphere, with lively and accentuated gestures by the players. In the second part, the music touches on the motives of early classical music. String Quartet No. 3 “Alan Turing” (2010) is likewise an evocative work full of gentle and subtle movements, using a very close theme to the one used in the opening work. Interesting works delivered in an inspired performance!

Interesting works delivered in an inspired performance!

Entrevues

Éric Dumais, Bible urbaine, 6 mai 2022
samedi 7 mai 2022 Presse

Pierre-Luc Lecours et Huizi Wang vous convient à une expérience unique avec Chroma le 14 mai lors de «Temporel 2022». Préparez-vous à vivre un voyage musical à la fois visuel, auditif et émotionnel!

Ce mois-ci, l’événement Temporel présenté par Codes d’accès est de retour pour deux soirées consécutives, sous le signe de la musique de création! Avec une programmation musicale des plus contemporaines, ce sont la diversité des pratiques du milieu et la créativité sans limites des artistes émergent.e.s qui sont mises en lumière. Pour l’occasion, nous avons échangé avec le compositeur Pierre-Luc Lecours et l’une des interprètes de son cycle Chroma (2022), présenté lors du second volet à l’Ausgang Plaza, le 14 mai dès 20 h.

BU: Pierre-Luc et Huizi, quel plaisir d’échanger avec vous! Pourriez-vous nous raconter quand et dans quel contexte vous avez chacun découvert votre passion pour la musique, et comment vous avez nourri celle-ci au fil des ans?

P-L. «Très jeune! Ça a commencé lorsque j’étais enfant. Je pouvais écouter mes disques compacts en boucle pendant des heures. J’ai ensuite appris à jouer de la guitare et, très vite, j’ai commencé à composer. Cette passion a adopté différentes formes au fil des ans, allant de groupes rock à des projets de musique électronique ou contemporaine.»

H. «Pour ma part, j’ai commencé à jouer de la percussion il y a dix ans, en France. Étant pianiste depuis mon enfance, j’ai de suite redécouvert ma passion envers les instruments percussifs. En tant que percussionniste pratiquante, j’ai développé un sentiment particulier vis-à-vis de la musique contemporaine. En participant à ce genre de projet avec Pierre Luc, ma passion pour la percussion ne fait que croître chaque jour.»

BU: Comment décririez-vous votre approche musicale, ainsi que votre rapport à la création et/ou à l’interprétation? On aimerait bien que vous nous donniez un petit aperçu de votre signature artistique, en somme!

P-L. «En création, j’aime travailler en deux temps. J’aborde avant tout une idée ou un concept, qui n’est pas nécessairement musical, mais qui m’intéresse. Cette étape peut prendre des mois (voire des années dans certains cas). Ensuite, au moment de la création du projet, je cherche le meilleur chemin pour incarner cette idée en pigeant dans une multitude d’univers musicaux et artistiques qui m’inspirent. Ça donne des œuvres qui sont parfois assez différentes entre elles, mais qui sont traversées par l’idée ou le concept générateur du projet.»

H. «De mon côté, en poursuivant mes recherches de doctorat sur une fusion de la philosophie taoïste avec la gestuelle des arts de la percussion, j’ai découvert que le plus important, selon moi, c’est de jouer de la belle musique de la façon la plus naturelle possible. Suivre son propre flow et mettre de l’humanité (les gestuelles dans le spectacle et la vision sur la musique, mais aussi l’interaction entre le compositeur et les musiciens se reflètent dans cette pensée), et ce, avant la musique, restent des principes qui me sont chers.»

BU: Pourriez-vous nous glisser quelques mots au sujet de l’édition 2022 de Temporel présentée par Codes d’accès, et à laquelle vous prendrez part le 14 mai prochain au Ausgang Plaza?

P-L. «Événement phare de l’organisme Codes d’accès, le public aura l’opportunité de côtoyer des propositions contemporaines assez jeunes et nouvelles. Cette soirée sera l’occasion, pour moi, de présenter pour la première fois le cycle Chroma dans son entièreté, et je serai accompagné par les musiciennes ayant participé à la création des pièces.»

H. «Cette série Chroma, composée par Pierre-Luc, m’a grandement inspiré dans mon cheminement artistique, et j’ai eu énormément de plaisir à interpréter la partie de percussion pour ce concert. Pierre-Luc et moi avons la chance de collaborer depuis de nombreuses années déjà et nous avons toujours eu un lien musical spécial qui nous facilite la compréhension l’un de l’autre.»

«Ses concepts musicaux me conviennent naturellement; sa philosophie et sa vision de la musique m’ont énormément inspiré dans la poursuite de mes recherches, mais aussi dans ma façon d’interpréter d’autres œuvres musicales.»

BU: Lors de cette soirée, la musique contemporaine et la création musicale à saveur locale et novatrice seront mises à l’honneur! Les spectateurs pourront y découvrir une œuvre créée par Pierre-Luc pour trois instruments amplifiés, électronique et vidéo intitulée Chroma, dont l’interprétation (flûtes, percussions, violoncelles et objets amplifiés) sera assurée par Huizi, Julie Delisle et Émilie Girard-Charest. Pourriez-vous nous parler de cette pièce que vous allez présenter ensemble, ainsi que des processus de création et d’exploration interprétative qui vous ont menés à la réalisation de celle-ci?

P-L. «Les pièces du concert Chroma découlent du cycle Éclats, constitué de quatre pièces électroacoustiques où instruments acoustiques, synthèse sonore, enregistrements de paysages sonores et objets du quotidien sont mis en relation. Ces pièces ont fait l’objet d’une parution sur disque avec l’étiquette Empreintes DIGITALes en 2021. Le contenu musical de chaque pièce s’inspire librement de la couleur qui lui est associée (noir, violet, rouge et blanc) et s’est nourri d’échanges créatifs qui ont eu lieu avec les musiciennes lors des sessions d’enregistrement et pendant les répétitions.»

«L’apport des musiciennes dans l’interprétation est très important, puisque les partitions alternent entre des indications précises et d’autres, plus libres. C’est-à-dire qu’il y a certains passages qui sonnent de manière similaire à chaque interprétation et d’autres assez différentes.»

H. «Dans la partie de percussion, le rôle de la caisse claire, de la grosse claire et des timbales est essentiel vis-à-vis de la partie rythmique. Dans un second temps, la partie de vibraphone et du bol tibétain amène un contraste en présentant un aspect de la percussion plus méditatif.»

«J’ai réalisé la partie Éclats | Violet en 2018 en tant que pièce solo de percussion, toujours en collaborant avec Pierre-Luc, dans le cadre de l’Ensemble de musique contemporaine de l’Université de Montréal. Nous avons reçu énormément de compliments suite à ce spectacle. C’est pour cette raison que, lorsque Pierre-Luc m’a proposé de participer à la série Chroma, j’ai tout de suite été très partante à l’idée de collaborer avec deux autres extraordinaires musiciennes: Julie et Émilie!»

«Je suis certaine que nous allons vivre une aventure originale et spéciale tous ensemble à travers l’accomplissement de ce projet.»

BU: Et alors, en quoi consiste la conception vidéo «audioréactive» qui accompagne la musique, et comment son utilisation vient-elle soutenir la mise en scène du spectacle?

P-L. «Pour ce concert, j’ai abordé la création de la vidéo pour qu’elle serve de moteur de lecture à la musique, en accentuant certains aspects musicaux ou en devenant une voix complémentaire. Les projections vidéo sont en partie audioréactives et synchronisées avec le contenu musical. Le terme “audioréactif” fait référence à la connexion entre le son, ce qui est joué par nous, et certains paramètres du contenu vidéo. Le son vient donc contrôler certains aspects de ce que l’on voit. Devenant une métaphore du contenu énergétique et du mouvement de la musique, la vidéo est liée aux couleurs de chaque pièce et elle est esthétiquement inspirée par le travail d’abstraction pictural des peintres expressionnistes abstraits – Jean Paul Riopelle, Jackson Pollock et Paul-Émile Borduas, pour ne nommer que ceux-là.»

H. «La partie vidéo est indispensable quant à la réalisation artistique de ce projet. Selon moi, la musique contemporaine aujourd’hui fait non seulement appel à la production sonore, mais aussi à l’aspect visuel. Une fois mis ensemble, les deux jouent un rôle primordial et facilitent le partage et la présentation de la philosophie du compositeur et de l’interprète au public.»

BU: Quelles émotions et/ou réflexions espérez-vous susciter chez ceux qui assisteront à Temporel? En fait, on aimerait que vous nous décriviez l’expérience que vous souhaitez leur faire vivre, que ce soit du point de vue du compositeur ou de l’interprète!

P-L. «Je crois que chaque personne dans le public vivra une expérience assez unique de Chroma. Je crois que c’est le genre d’œuvre qui offre un contenant dans lequel on y met notre sensibilité, et qui fait vivre un voyage propre à chacun. C’est un projet qui évoque, par l’abstraction visuelle et sonore, beaucoup d’états et d’ambiances émotives différentes.»

H. «En tant qu’interprète, mon objectif principal reste que le public puisse recevoir de la façon la plus transparente possible l’idéologie du compositeur. J’essaie de transmettre sur scène chaque information que Pierre-Luc a écrite sur la partition, et je lui donne mon entière confiance pour une excellente expérience du public.»

«De plus, j’espère que les auditeurs pourront voyager avec nous de façon visuelle, auditive et surtout émotionnelle. Mon but premier reste donc de transporter et de faire voyager le public par mon interprétation authentique de la musique de Pierre-Luc.»

BU: À quelques jours de l’événement, comment vous sentez-vous à l’idée de monter sur scène et de partager ce moment avec le public?

P-L. «J’ai personnellement très hâte! J’ai la chance de travailler avec des musiciennes exceptionnelles, ce qui permet de vraiment bien travailler la musique.»

H. «Je me sens très heureuse de pouvoir partager ma musique avec le public, surtout avec un projet d’une telle ampleur. Je ne peux qu’être impatiente d’avoir bientôt la chance de partager la scène avec mes deux autres collègues et le compositeur.»

«Mon plus grand souhait, c’est que ce projet puisse continuer et perdurer pour de nombreuses années, et que dans le futur nous puissions toucher un public encore plus vaste.»

BU: À court ou moyen terme, quels sont vos prochains projets artistiques? On est bien curieux de découvrir sur quoi vous planchez, ces temps-ci… si ce n’est pas un secret d’État, bien sûr!

P-L. «Quelques jours après l’événement Temporel, j’aurai deux pièces pour instruments solos qui seront jouées dans le cadre du Festival Unisson à la Salle Bourgie par Roxanne Sicard et Bruno Gauthier-Bellerose. Le concept du festival est assez intéressant; chaque interprète ne joue que pour une personne à la fois un programme d’une quinzaine de minutes. Une expérience assez unique.»

«Je serai aussi en création pour un album de musique une bonne partie de l’été avec Ida Toninato pour la suite de notre projet Inner Seas. Aussi, beaucoup de date à venir à l’automne pour ce projet.»

H. «Pour l’instant, ma suite artistique reste encore à déterminer de façon plus précise. Cependant, j’envisage de participer à bon nombre de projets comme celui-ci, qui met en valeur la percussion en lui donnant un rôle plus important. J’aimerais faire découvrir l’art de la percussion à un public encore plus grand, et j’estime qu’en tant que percussionniste, il est de mon devoir de partager mon art et ma philosophie de la musique.»

Préparez-vous à vivre un voyage musical à la fois visuel, auditif et émotionnel!

Review

Ben Harper, Boring Like A Drill, 22 avril 2022
lundi 25 avril 2022 Presse

Quatuor Bozzini’s set of Michael Oesterle’s Quatuors opens with a nice comfy chorale that almost immediately drops away to a near-inaudible skein of harmonics. This piece, Oesterle’s String Quartet No. 4, is the latest and longest of the four pieces heard here (but not the entirety of his output for string quartet). The piece moves casually back and forth between slow pulses of alternating chords and scurrying patterns of harmonics, before returning to chorales and whispers. Oesterle gives no programme other than to assert that his musical materials are always “geometric, expressive, and puritanical”. It is the most subtly disorienting piece in the collection, as each passage yields to the next without any formal structural division, while beguiling sounds are tempered by a secretiveness as to where, if anywhere, the music may be directed. Quatuor Bozzini’s style of playing ideally evokes that shrouded expressivity, never loud but each phrase always indelible, however softly it is played.

The remaining three pieces are more easily apprehended, each falling into neatly digestible sections. String Quartet No. 3 “Alan Turing” from 2010 explores patterns, gestures and textures with an appropriate sense of wonder and discovery mingled with loss and regret. The Bozzinis bring out the gentle playfulness of each movement, slightly darkened by the melancholy of its subject. The harmonic language and gestures at times recall the freshness of a previous generation’s “post-minimal” tonality in its first flowering, before it was worked in harness to the service of Hollywood soundtracks. The titles of 2016’s Three Pieces for String Quartet evoke various animals but Oesterle’s notes again cite geometrical puzzles as each piece’s prime mover, claiming inspiration from Stravinsky and Cage. I can hear a kinship with Ruth Crawford in here, which is the highest of praise. The earliest piece here, Daydream Mechanics from 2001, is the most extended and hushed movement in the collection, with genuine whispering, searching out unexpected consequences from an otherwise confined grid of chordal patterns. Quatuor Bozzini’s championing of this composer, matching his language with a refinement of style that moves from rapid filigree to near-stillness in the same mode of emotion, reveals depths slowly swirling below the undemanding surface.

Quatuor Bozzini’s championing of this composer, matching his language with a refinement of style that moves from rapid filigree to near-stillness in the same mode of emotion, reveals depths slowly swirling below the undemanding surface.

Review

Andrew Timar, The WholeNote, no 27:6, 21 avril 2022
vendredi 22 avril 2022 Presse

In the last years of his prolific creative life, iconic experimental composer John Cage (1912-1992) composed some 40 number pieces. For titles, he coined a unique system in which numbers indicate the number of performers or the number of instrumental parts in each work. Superscripts were added when compositions shared the same number of performers.

Cage’s notation of these pieces features two time-based categories: fixed and flexible “time brackets.” Fixed-time brackets indicate when the musician/s should precisely begin and end a tonal event. Flexible-time brackets however, allow musicians choice in the matter, admitting into the performance, a) chance and b) the anarchic harmony of sounds and silences simply co-existing, two key Cagean notions.

Both works on this album belong to that corpus. One7, “For any pitched instrument able to play sustained notes,” is the seventh piece in a series of compositions for one musician. Except, in this performance the polished Montréal group Quartetski have decided to interpret the open score with all four member musicians: Isaiah Ceccarelli (percussion, synthesizer), Bernard Falaise (electric guitar), Philippe Lauzier (bass clarinet, synthesizer) and Pierre-Yves Martel (electric bass, sine waves).

Four6, also for unspecified forces, also lasts a leisurely half hour. The four musicians are asked to “Choose 12 different sounds with fixed characteristics (amplitude, overtone structure, etc.) ” producing a mellower soundscape than the dramatic musical moments generated in One7.

Quartetski’s nuanced realization of these two autumnal Cage works admirably animates the scores, imbuing individual character which belies their apparent abstract appearance. Marked by attention to timbral richness well-represented by this refined recording, the quartet displays a spirit of sonic discovery that’s aurally refreshing while respecting the composer’s musical aesthetics.

… the quartet displays a spirit of sonic discovery that’s aurally refreshing while respecting the composer’s musical aesthetics.