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Critique

Philippe Desjardins, Le canal auditif, April 12, 2019
Tuesday, April 16, 2019 Press

L’an passé Jean Derome a publié Résistances, un album basé sur le thème de l’électricité, et a gagné le prix Opus de l’album de l’année en musique actuelle et électroacoustique. Après quarante-cinq ans de carrière, Derome est une référence en la matière et a démontré à cette occasion qu’il était en excellente forme créative. Avec Sudoku pour Pygmées, il fait un saut dans le passé pour réunir trois œuvres composées à dix ans d’intervalle (1989, 2001, 2010), réunissant ses collègues les Dangereux Zhoms ( Pierre Cartier, Guillaume Dostaler et Pierre Tanguay) et d’autres musiciens issus du milieu la musique actuelle. Au-delà de la valeur sûre, comme quoi un disque de Derome est un divertissement garanti, c’est la cohérence de son langage musical sur deux décennies qui se démarque ici. L’oreille est captivée par sa façon singulière de raconter une histoire à travers les solos et improvisations inspirés du jazz.

Sudoku pour Pygmées (2010) est basé sur un sudoku paru la même année dans Le Devoir, auquel Derome a assigné des notes et valeurs rythmiques à chaque chiffre. Les lignes horizontales correspondent à une séquence A, tandis que les verticales à la B. La pièce est montée en sortes de canons à travers lesquels un nouvel instrument est proposé comme soliste. L’introduction prend forme aux instruments à vent, secondés ensuite par les cordes et le piano, établissant une atmosphère légèrement inquiétante. Le premier canon met en place une grille percussive à travers laquelle se croisent les notes individuelles de chaque instrument, passant comme une percée de soleil après le temps gris. La contrebasse annonce le deuxième segment sur un ton plus jazzé, permettant à la flûte de ressortir du groupe et d’apporter un petit air planant progressif. La clarinette s’exclame ensuite en tourbillonnant au-dessus du piano et de la contrebasse, transmettant sa folie au violon.

«Il était tard, j’étais en train de terminer mon verre de bourbon pendant qu’un saxophone jouait sur un groove jazz à saveur de film noir» dit-il à propos du quatrième canon. La suite est plus percussive, les notes dissonantes se succédant pendant que la batterie mitraille les impacts, mais ça se calme rendu au tour de la trompette, qui partage sa part de mélancolie au-dessus de la trame rythmique. La flûte ramène le soleil comme un oiseau tout énervé de commencer la nouvelle journée, le temps de me faire penser à un mélange entre Jethro Tull et Harmonium, c’est très cool. Le piano nous transporte à nouveau à la soirée jazz pour continuer à siroter le scotch, tandis que le saxophone nous fait passer à la suite en jouant au-dessus de la séquence A. La guitare électrique coupe ça nette avec ses notes aiguisées et sa distorsion bien ajustée au niveau de dissonance de la séquence B. Le saxophone revient de façon romantique, passage plus doux et moins expérimental, avant que les percussions densifient la trame et fasse conclure la pièce follement sur la deuxième séquence, bien lourde et dissonante.

7 danses (pour «15») (1989) débute avec Folk Dance, qui instaure un léger empressement aux vents et violons, explosant rythmiquement par la suite dans les basses, avec mention spéciale au charleston de la batterie. Les instruments se répondent en glissando, accentuant la tension jusqu’à la transition franche vers Shuffle. Le rythme est dans tous ses contretemps, épaissit par les cuivres rendus au segment qui fait penser à Dragnet. La guitare électrique et la contrebasse prennent le relais avec le même enthousiasme, piano et violon dissonant en prime. La contrebasse conserve le tempo durant la partie rock, placée au centre d’un tourbillon de cuivres et de percussions qui tournent follement. La trompette étouffée de Jazz Waltz donne le temps de reprendre son souffle aux instruments à vent, reprenant mollement le thème musical. Invocation Dance alourdi le rythme et entretient une dissonance presque irritante jusqu’à libérer les oreilles avec Pastourelle. Une pause ingénieuse dans le tempo qui permet de renouer avec chaque instrument de façon plus délicate. Ça se termine avec War Dance et les curieux glissandos aux cordes, secondés par la guitare électrique et sa montée/descente d’accords rythmiques, concluant sur une superbe finale aux vents.

5 pensées (pour le caoutchouc dur) (2001) ouvre gracieusement aux cuivres, cordes et piano avec Première pensée: Dark, Dramatic, Mysterious. La guitare électrique s’installe au-dessus de la trame soufflée, entre l’intro expérimentale et le solo rock, suivi par le violoncelle et le violon en long glissando. Deuxième pensée: Relaxed and Witty commence par un jazz léger et amusant qui fait sourire, comme une trame de série télévisée des années 50. Troisième pensée: Processional, noble and expressive est plus posée, laissant les accords de guitare résonner derrière le solo de trompette, et se densifiant en glissando avec juste ce qu’il faut de dissonance pour déséquilibrer agréablement la ligne mélodique. Quatrième pensée: Energetic and Focused rebondit sur deux accords au piano accompagnés par les percussions. Les instruments à vent viennent apporter de la masse et du volume à la trame, laissant ainsi s’échapper quelques solos virtuoses. Cinquième pensée: Crazy, Festive and Almost Frantic part en folie comme un numéro de cirque où tous les clowns tentent de s’enfuir de la balloune qui va exploser. Rapide et entraînante, la dernière pensée culmine en montées et descentes frénétiques de trompette, pour s’amincir progressivement vers le dernier souffle.

Ce qu’il y a de remarquable avec le fait de rassembler trois œuvres composées sur vingt ans est l’occasion de savourer le niveau de cohérence dans le travail de Jean Derome. Avec le nombre de collaborations entreprises jusqu’à maintenant, il est très pertinent de présenter trois œuvres interprétées avec les Dangereux Zhoms et le reste du groupe monté à la façon d’un big band. Les teintes, d’inspiration jazz et tzigane, enrichissent la palette sonore de toute sorte de tournures mélodiques ou rythmiques qui rend l’oreille captive tellement c’est intéressant. Encore une fois, la musique de Derome a la qualité extraordinaire de pouvoir être appréciée à la légère comme un jeu d’enfant, et de façon approfondie comme un audiophile à la quête de virtuosité musicale.

Au-delà de la valeur sûre, comme quoi un disque de Derome est un divertissement garanti, c’est la cohérence de son langage musical sur deux décennies qui se démarque ici. — Le meilleur du canal auditif — 8/10

Review

Frans de Waard, Vital, no. 1178, April 8, 2019
Wednesday, April 10, 2019 Press

Apparently, Pierre-Yves Martel and Carl Ludwig Hübsch have been playing together for some years now. Martel plays ’viola da gamba and harmonica and Hübsch is on tuba and objects. Following their last tour in Canada, they decided to invite two like-minded Montréal musicians for a joint recording session. Conveniently their names lead to the acronym HMMH; Emilie Mouchous plays synthesizer and Joane Hétu plays saxophone, voice and objects. Together they recorded the six pieces in a single day session in October 2017. While this is improvised music, probably more the alley of mister Mulder, I was listening to this and found myself attracted to the music. It surely is improvised but the approach here is also within the realm of electro-acoustic music and each of the players treats their instrument in an unusual way. The way Mouchous adds her synthesizer makes for a further level of alienation. Sometimes a bit drone like (but surely also from saxophone and viola), or piercing blocks of sound, while other instruments are played with objects, next to a more regular playing of these and the fine interaction between the players, make that these six pieces are a fine joy to hear. There is a great delicacy in these pieces, with moments of quietness and introspection, as well as outbursts of controlled ’noise’ and ’mayhem’. All in all, this is quite a lovely work.

There is a great delicacy in these pieces, with moments of quietness and introspection, as well as outbursts of controlled ’noise’ and ’mayhem’. All in all, this is quite a lovely work.

Critique

Serge Truffaut, Le Devoir, December 5, 2018
Monday, April 8, 2019 Press

Mine de rien, Jean Félix Mailloux et Normand Guilbeault partagent beaucoup de points communs. Les deux appartiennent à la catégorie gros calibres de la contrebasse. Les deux sont constamment ou presque dans la prise de risques. Ils sont des aventuriers. Par exemple, là où Guilbeault creuse le sillon des musiques autochtones, Mailloux s’applique à retourner les us et coutumes de la musique classique, l’exécution de celle-ci, avec un rare souci pour la… beauté!

Oui, ce que Mailloux et ses complices font se conjugue avec la beauté. C’est bête, n’est-ce pas? Oui, mais c’est comme ça. C’est ainsi: c’est beau, tout simplement. Tellement, qu’on vous propose une garantie à faire sursauter tous les actuaires, ces manitous du risque, de la planète: si, à la suite de l’acquisition de Debussy Impressions publié par l’étonnant label qu’est Malasartes, vous êtes insatisfait, on vous rembourse! Rubis sur l’ongle, comme l’observa Queneau. Bon. Reprenons.

L’architecture instrumentale arrêtée par Mailloux lorsqu’il a fondé Cordâme emprunte davantage à l’orchestre de chambre qu’à la formation de jazz traditionnelle. Ainsi, il y a un violon entre les mains de Marie Neige Lavigne, un violoncelle entre celles de Sheila Hannigan, une harpe entre celles d’ Éveline Grégoire-Rousseau, des percussions entre celles de Mark Nelson et un piano sous celles de Guillaume Martineau. Chacun d’entre eux fait preuve d’une extraordinaire maîtrise, d’une agilité remarquable quand on songe au coefficient de difficulté que suppose ici l’ambition musicale de Mailloux. Pour dire les choses très platement, les membres de Cordâme sont formidables. Bravo!

On sait peu, trop peu d’ailleurs, que bien des musiciens de jazz entretiennent une relation passionnelle avec la musique classique. Mingus était fou de Stravinsky, Coleman Hawkins de Brahms, mais la plupart d’entre eux, bizarrerie parmi d’autres, apprécient avant tout les compositeurs français du XXe siècle: Maurice Ravel, Erik Satie, Gabriel Fauré, Darius Milhaud, Olivier Messiaen et bien évidemment Debussy.

En règle générale, l’alchimie tentée par les jazzmen sur le territoire de la musique classique a tourné au vinaigre la plupart du temps. L’exemple par excellence étant cet enregistrement réalisé par Charlie Parker avec des cordes au début des années 1950. Avec Cordâme, il en va autrement.

Pour mener à bien son aventure par ailleurs singulière, Mailloux n’a pas «repris» du Debussy. Il s’en est inspiré. En d’autres mots, il a composé et arrangé à l’enseigne de la mélodie, de la douceur. Puis, il a greffé un trio à cordes à une formation rythmique classique. Note qu’on osera qualifier d’importante: il n’y a pas d’instruments à vent, à pistons. On dirait que notre homme a tenu à ce que toutes ses musiques se déclinent dans la fluidité.

Noël étant à l’horizon du court terme, la conclusion est d’une grande simplicité, pour ne pas dire incontournable: si vous souhaitez offrir un disque à quelqu’un ou quelqu’une qui aime la musique en général et pas nécessairement le jazz ou le «hip-hop-rap-machin-truc», achetez ce Debussy Impressions. Le plaisir est au début de l’écoute, pendant et à la fin.

Le plaisir est au début de l’écoute, pendant et à la fin.

Critique

Benjamin Goron, La Scena Musicale, February 11, 2019
Thursday, April 4, 2019 Press

Cette récente parution rassemble des œuvres de la compositrice canadienne établie à Londres Cassandra Miller, écrites entre 2008 et 2015. Le Quatuor Bozzini, qui en a créé la plupart, est sans doute le mieux placé pour nous ouvrir la porte de cet univers délicat. Les quatre œuvres au programme révèlent la manière de Cassandra Miller qui, à l’image de l’écrivain puisant son inspiration dans des coupures de journaux, est à l’affût du matériau musical ambiant comme base de son travail de composition. Ainsi, Warblework part de chants d’oiseaux pour nous offrir un univers aux textures changeantes avec un traitement du silence et des intervalles justes d’une remarquable efficacité. About Bach, qui a remporté le prix Jules-Léger en 2016, reprend des motifs d’une chaconne à travers une évolution linéaire empreinte de nostalgie, superposition d’une lente plainte au violon dans les suraigus et d’un socle stable et durable dans les graves.

Si la compositrice appose son empreinte grâce à ses emprunts, elle nous propose un univers aéré, méditatif et sensible. Elle arrive, en peu de notes, à capter toute notre attention et à nous plonger dans sa perception du temps. Le Quatuor Bozzini épouse cette musique avec un naturel déroutant. La subtilité des nuances et la cohésion du groupe sont des éléments essentiels pour traduire fidèlement le discours de Cassandra Miller. Si l’absence de livret est regrettable dans une optique de transmission et de médiation, Just So reste une très belle réussite et une invitation à repenser le temps et l’écoute musicale.

Le Quatuor Bozzini épouse cette musique avec un naturel déroutant.

Critique

Claude Colpaert, Revue & Corrigée, no. 119, March 1, 2019
Wednesday, April 3, 2019 Press

On en redemande.

Critique

Pierre Durr, Revue & Corrigée, no. 119, March 1, 2019
Wednesday, April 3, 2019 Press

La multiplication des pistes […] permet aux quatre musiciens du quatuor de renforcer l’effet drone de la pièce.

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