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Ken Waxman, The WholeNote, no 27:7, 20 mai 2022
jeudi 2 juin 2022 Presse

Using no overdubs but minimal looping and timbral effects, the seven selections on Montrealer Bernard Falaise’s solo guitar tour de force are completely improvised, while pivoting to other instrument-reflecting sounds for greater variety. The attraction of G(o) sol(o) is how Falaise – part of local bands such as Quartetski – uses all parts of his instrument to suggest wider textures while creating miniature sonic tales.

Prime instance of this is the extended 320003, where string shakes and slurred fingering means the staccato introduction on flattened strings is succeeded by bell-pealing shakes, double bass-like low-pitched resonations and organ-like tremolo pulses. These sway the exposition forward into a single line to a buzzing conclusion. Slogan, the slightly longer first track, sets the scene, as bobbing fuzztones and high-voltage shakes rumble along before splitting into pressurized sound loops on the bottom and single-string stings on the top. Both tones are audible as they intersect and slide into one another for a percussive climax.

With pointed stops and starts, Falaise uses varied motifs to define the tunes, including string rubs that drone across the sound field for warmer expositions, or pointillist below-the-bridge scratches for tougher interface. Galop does just that as well, with knob-twisting and effects-pedal-pressure launching tones every which way until all subside into a connective drone.

Sol – G in English – is the fifth note of the C Major scale. Yet G(o) sol(o) cannily treats all of the scale’s notes in a unique fashion.

… solo guitar tour de force…

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Andrew Timar, The WholeNote, no 27:7, 20 mai 2022
mardi 31 mai 2022 Presse

American-born composer and longtime French resident, Tom Johnson (b.1939), served as The Village Voice’s influential music critic from 1971 to 1983 covering the era’s exciting new classical music scene. The first to apply the term “minimalist music,” Johnson’s personal compositional style leans toward minimalist formalism. Quatuor Bozzini has collected his complete works for string quartet covering four compositions from 1994 to 2009 on this album.

Dwelling on mathematic sequences and permutations of a limited core musical material, in Johnson’s hands the musical whole emerges satisfyingly greater than the sum of its lean components and intellectual procedures. Each relatively brief movement vibrates like a sonic poem. For example, the opening six-note motif of Johnson’s Tilework for String Quartet (2003) is transformed through his exploration of the myriad ways in which lines are “tiled using six-note rhythms,” relying on a computerized list of rhythmic canons. The composer helpfully adds, “Of course, composers, performers, and listeners don’t have to know all of this, just as we don’t need to master counterpoint to appreciate a Bach fugue… [because] music allows us to directly perceive things that we could never grasp intellectually.”

Performed senza vibrato, Quatuor Bozzini renders these scores with virtuoso precision along with warmth and a subtle lyricism, a winning combination I grew to appreciate after repeated listening.

Performed senza vibrato, Quatuor Bozzini renders these scores with virtuoso precision along with warmth and a subtle lyricism…

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Andrew Timar, The WholeNote, no 27:7, 20 mai 2022
mardi 31 mai 2022 Presse

Quatuor Bozzini has energetically championed the newest in classical music since 1999 in their Montréal hometown, on tour and on outstanding albums. Their mission is to cultivate risk-taking music, evident in the creation of an impressive commissioning program of over 400 pieces. Frequent collaborations with other musicians and cross-disciplinary projects have been another career feature. An example of an unusual collaboration, one that I took part in, happened in 2012 with the development of new concert repertoire with Toronto’s Evergreen Club Contemporary Gamelan, performed live and subsequently released on the album Higgs’ Ocean. The title track, scored for string quartet and gamelan degung, was by prolific mid-career Canadian composer Michael Oesterle.

Oesterle’s mature compositional style balances two late-20th — and early-21st-century streams: American minimalism and European postmodernism. The latter comes through in his exploitation of sonorities, formal, timbral and harmonic sophistication, allusions to historical Euro musics and an identifiable Oesterlean lyricism. This album’s four substantial string quartets offer an appealing balance between musical straightforwardness and complexity. Oesterle often generates drama from the friction between the idiomatic and the completely unexpected.

Daydream Mechanics (2001), which evokes the “awkward adventures of childhood when the backyard seemed as full of disturbing possibilities as any uncharted territory,” offers an example of Oesterle’s use of extra-musical inspiration. On the other hand the composer describes his Three Pieces for String Quartet as “three short pieces [composed with] modules drawn from a system of triangular numerical sequences….” I however hear surprisingly Renaissance — and Baroque — infused character homages to the three animals Oesterle titles each movement after: kingfisher, orangutan and orb weaver.

Quatuor Bozzini has energetically championed the newest in classical music since 1999 in their Montréal hometown, on tour and on outstanding albums. […] This album’s four substantial string quartets offer an appealing balance between musical straightforwardness and complexity.

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Dolf Mulder, Vital, no 1334, 3 mai 2022
mercredi 11 mai 2022 Presse

Quator Bozzini is Clemens Merkel (violin), Alissa Cheung (violin), Stéphanie Bozzini (viola) and Isabelle Bozzini (cello). For two decades, this Canadian Quartet has been in business and working continuously from a strong idealistic mission, specialising in realizing contemporary and experimental music projects. Many projects featured works from composers from the Montréal-area and other parts of the world. This time they concentrate on works by Michael Oesterle, a German-born composer who lives and works in Québec. He did his studies at the University of British Columbia and Princeton University in the US. He composes for the concert hall as well as theatre, film and dance productions. His compositions have been performed by outstanding ensembles like Ensemble Intercontemporain (Paris), and Tafelmusik (Toronto). Quator Bozzini is one of the ensembles Oesterle has worked for already for a long time. The quartet debuted in 2004 with ‘Portrait Montréal’ with works by Claude Vivier, Malcolm Goldstein, Jean Lesage and one by Michael Oesterle: Daydream Mechanics V (2001). This composition is included again on this new release by the quartet with three other more recent compositions by Oesterle. The composition Daydream Mechanics V is also recorded recently by the ensemble Music in the Barns for their release for New Focus Recordings, beautiful, elegant work. The compositions on this new release by Quator Bozzini introduce Oesterle as a composer of accessible compositions of a minimalistic nature. The cd opens with String Quartet No. 4, his most recent composition and maybe the most complex one on this recording. A work built up from different episodes, some of them very melodic with a catchy theme contrasted with more rigorous parts. Like the opening part, very dynamic, contrasted with a very soft and reduced experimental section. Three Pieces for String Quartet ( 2016) has a pastoral atmosphere, with lively and accentuated gestures by the players. In the second part, the music touches on the motives of early classical music. String Quartet No. 3 “Alan Turing” (2010) is likewise an evocative work full of gentle and subtle movements, using a very close theme to the one used in the opening work. Interesting works delivered in an inspired performance!

Interesting works delivered in an inspired performance!

Entrevues

Éric Dumais, Bible urbaine, 6 mai 2022
samedi 7 mai 2022 Presse

Pierre-Luc Lecours et Huizi Wang vous convient à une expérience unique avec Chroma le 14 mai lors de «Temporel 2022». Préparez-vous à vivre un voyage musical à la fois visuel, auditif et émotionnel!

Ce mois-ci, l’événement Temporel présenté par Codes d’accès est de retour pour deux soirées consécutives, sous le signe de la musique de création! Avec une programmation musicale des plus contemporaines, ce sont la diversité des pratiques du milieu et la créativité sans limites des artistes émergent.e.s qui sont mises en lumière. Pour l’occasion, nous avons échangé avec le compositeur Pierre-Luc Lecours et l’une des interprètes de son cycle Chroma (2022), présenté lors du second volet à l’Ausgang Plaza, le 14 mai dès 20 h.

BU: Pierre-Luc et Huizi, quel plaisir d’échanger avec vous! Pourriez-vous nous raconter quand et dans quel contexte vous avez chacun découvert votre passion pour la musique, et comment vous avez nourri celle-ci au fil des ans?

P-L. «Très jeune! Ça a commencé lorsque j’étais enfant. Je pouvais écouter mes disques compacts en boucle pendant des heures. J’ai ensuite appris à jouer de la guitare et, très vite, j’ai commencé à composer. Cette passion a adopté différentes formes au fil des ans, allant de groupes rock à des projets de musique électronique ou contemporaine.»

H. «Pour ma part, j’ai commencé à jouer de la percussion il y a dix ans, en France. Étant pianiste depuis mon enfance, j’ai de suite redécouvert ma passion envers les instruments percussifs. En tant que percussionniste pratiquante, j’ai développé un sentiment particulier vis-à-vis de la musique contemporaine. En participant à ce genre de projet avec Pierre Luc, ma passion pour la percussion ne fait que croître chaque jour.»

BU: Comment décririez-vous votre approche musicale, ainsi que votre rapport à la création et/ou à l’interprétation? On aimerait bien que vous nous donniez un petit aperçu de votre signature artistique, en somme!

P-L. «En création, j’aime travailler en deux temps. J’aborde avant tout une idée ou un concept, qui n’est pas nécessairement musical, mais qui m’intéresse. Cette étape peut prendre des mois (voire des années dans certains cas). Ensuite, au moment de la création du projet, je cherche le meilleur chemin pour incarner cette idée en pigeant dans une multitude d’univers musicaux et artistiques qui m’inspirent. Ça donne des œuvres qui sont parfois assez différentes entre elles, mais qui sont traversées par l’idée ou le concept générateur du projet.»

H. «De mon côté, en poursuivant mes recherches de doctorat sur une fusion de la philosophie taoïste avec la gestuelle des arts de la percussion, j’ai découvert que le plus important, selon moi, c’est de jouer de la belle musique de la façon la plus naturelle possible. Suivre son propre flow et mettre de l’humanité (les gestuelles dans le spectacle et la vision sur la musique, mais aussi l’interaction entre le compositeur et les musiciens se reflètent dans cette pensée), et ce, avant la musique, restent des principes qui me sont chers.»

BU: Pourriez-vous nous glisser quelques mots au sujet de l’édition 2022 de Temporel présentée par Codes d’accès, et à laquelle vous prendrez part le 14 mai prochain au Ausgang Plaza?

P-L. «Événement phare de l’organisme Codes d’accès, le public aura l’opportunité de côtoyer des propositions contemporaines assez jeunes et nouvelles. Cette soirée sera l’occasion, pour moi, de présenter pour la première fois le cycle Chroma dans son entièreté, et je serai accompagné par les musiciennes ayant participé à la création des pièces.»

H. «Cette série Chroma, composée par Pierre-Luc, m’a grandement inspiré dans mon cheminement artistique, et j’ai eu énormément de plaisir à interpréter la partie de percussion pour ce concert. Pierre-Luc et moi avons la chance de collaborer depuis de nombreuses années déjà et nous avons toujours eu un lien musical spécial qui nous facilite la compréhension l’un de l’autre.»

«Ses concepts musicaux me conviennent naturellement; sa philosophie et sa vision de la musique m’ont énormément inspiré dans la poursuite de mes recherches, mais aussi dans ma façon d’interpréter d’autres œuvres musicales.»

BU: Lors de cette soirée, la musique contemporaine et la création musicale à saveur locale et novatrice seront mises à l’honneur! Les spectateurs pourront y découvrir une œuvre créée par Pierre-Luc pour trois instruments amplifiés, électronique et vidéo intitulée Chroma, dont l’interprétation (flûtes, percussions, violoncelles et objets amplifiés) sera assurée par Huizi, Julie Delisle et Émilie Girard-Charest. Pourriez-vous nous parler de cette pièce que vous allez présenter ensemble, ainsi que des processus de création et d’exploration interprétative qui vous ont menés à la réalisation de celle-ci?

P-L. «Les pièces du concert Chroma découlent du cycle Éclats, constitué de quatre pièces électroacoustiques où instruments acoustiques, synthèse sonore, enregistrements de paysages sonores et objets du quotidien sont mis en relation. Ces pièces ont fait l’objet d’une parution sur disque avec l’étiquette Empreintes DIGITALes en 2021. Le contenu musical de chaque pièce s’inspire librement de la couleur qui lui est associée (noir, violet, rouge et blanc) et s’est nourri d’échanges créatifs qui ont eu lieu avec les musiciennes lors des sessions d’enregistrement et pendant les répétitions.»

«L’apport des musiciennes dans l’interprétation est très important, puisque les partitions alternent entre des indications précises et d’autres, plus libres. C’est-à-dire qu’il y a certains passages qui sonnent de manière similaire à chaque interprétation et d’autres assez différentes.»

H. «Dans la partie de percussion, le rôle de la caisse claire, de la grosse claire et des timbales est essentiel vis-à-vis de la partie rythmique. Dans un second temps, la partie de vibraphone et du bol tibétain amène un contraste en présentant un aspect de la percussion plus méditatif.»

«J’ai réalisé la partie Éclats | Violet en 2018 en tant que pièce solo de percussion, toujours en collaborant avec Pierre-Luc, dans le cadre de l’Ensemble de musique contemporaine de l’Université de Montréal. Nous avons reçu énormément de compliments suite à ce spectacle. C’est pour cette raison que, lorsque Pierre-Luc m’a proposé de participer à la série Chroma, j’ai tout de suite été très partante à l’idée de collaborer avec deux autres extraordinaires musiciennes: Julie et Émilie!»

«Je suis certaine que nous allons vivre une aventure originale et spéciale tous ensemble à travers l’accomplissement de ce projet.»

BU: Et alors, en quoi consiste la conception vidéo «audioréactive» qui accompagne la musique, et comment son utilisation vient-elle soutenir la mise en scène du spectacle?

P-L. «Pour ce concert, j’ai abordé la création de la vidéo pour qu’elle serve de moteur de lecture à la musique, en accentuant certains aspects musicaux ou en devenant une voix complémentaire. Les projections vidéo sont en partie audioréactives et synchronisées avec le contenu musical. Le terme “audioréactif” fait référence à la connexion entre le son, ce qui est joué par nous, et certains paramètres du contenu vidéo. Le son vient donc contrôler certains aspects de ce que l’on voit. Devenant une métaphore du contenu énergétique et du mouvement de la musique, la vidéo est liée aux couleurs de chaque pièce et elle est esthétiquement inspirée par le travail d’abstraction pictural des peintres expressionnistes abstraits – Jean Paul Riopelle, Jackson Pollock et Paul-Émile Borduas, pour ne nommer que ceux-là.»

H. «La partie vidéo est indispensable quant à la réalisation artistique de ce projet. Selon moi, la musique contemporaine aujourd’hui fait non seulement appel à la production sonore, mais aussi à l’aspect visuel. Une fois mis ensemble, les deux jouent un rôle primordial et facilitent le partage et la présentation de la philosophie du compositeur et de l’interprète au public.»

BU: Quelles émotions et/ou réflexions espérez-vous susciter chez ceux qui assisteront à Temporel? En fait, on aimerait que vous nous décriviez l’expérience que vous souhaitez leur faire vivre, que ce soit du point de vue du compositeur ou de l’interprète!

P-L. «Je crois que chaque personne dans le public vivra une expérience assez unique de Chroma. Je crois que c’est le genre d’œuvre qui offre un contenant dans lequel on y met notre sensibilité, et qui fait vivre un voyage propre à chacun. C’est un projet qui évoque, par l’abstraction visuelle et sonore, beaucoup d’états et d’ambiances émotives différentes.»

H. «En tant qu’interprète, mon objectif principal reste que le public puisse recevoir de la façon la plus transparente possible l’idéologie du compositeur. J’essaie de transmettre sur scène chaque information que Pierre-Luc a écrite sur la partition, et je lui donne mon entière confiance pour une excellente expérience du public.»

«De plus, j’espère que les auditeurs pourront voyager avec nous de façon visuelle, auditive et surtout émotionnelle. Mon but premier reste donc de transporter et de faire voyager le public par mon interprétation authentique de la musique de Pierre-Luc.»

BU: À quelques jours de l’événement, comment vous sentez-vous à l’idée de monter sur scène et de partager ce moment avec le public?

P-L. «J’ai personnellement très hâte! J’ai la chance de travailler avec des musiciennes exceptionnelles, ce qui permet de vraiment bien travailler la musique.»

H. «Je me sens très heureuse de pouvoir partager ma musique avec le public, surtout avec un projet d’une telle ampleur. Je ne peux qu’être impatiente d’avoir bientôt la chance de partager la scène avec mes deux autres collègues et le compositeur.»

«Mon plus grand souhait, c’est que ce projet puisse continuer et perdurer pour de nombreuses années, et que dans le futur nous puissions toucher un public encore plus vaste.»

BU: À court ou moyen terme, quels sont vos prochains projets artistiques? On est bien curieux de découvrir sur quoi vous planchez, ces temps-ci… si ce n’est pas un secret d’État, bien sûr!

P-L. «Quelques jours après l’événement Temporel, j’aurai deux pièces pour instruments solos qui seront jouées dans le cadre du Festival Unisson à la Salle Bourgie par Roxanne Sicard et Bruno Gauthier-Bellerose. Le concept du festival est assez intéressant; chaque interprète ne joue que pour une personne à la fois un programme d’une quinzaine de minutes. Une expérience assez unique.»

«Je serai aussi en création pour un album de musique une bonne partie de l’été avec Ida Toninato pour la suite de notre projet Inner Seas. Aussi, beaucoup de date à venir à l’automne pour ce projet.»

H. «Pour l’instant, ma suite artistique reste encore à déterminer de façon plus précise. Cependant, j’envisage de participer à bon nombre de projets comme celui-ci, qui met en valeur la percussion en lui donnant un rôle plus important. J’aimerais faire découvrir l’art de la percussion à un public encore plus grand, et j’estime qu’en tant que percussionniste, il est de mon devoir de partager mon art et ma philosophie de la musique.»

Préparez-vous à vivre un voyage musical à la fois visuel, auditif et émotionnel!