Hélène Prévost, artiste sonore et musicienne, est engagée dans la musique de recherche à travers ses contributions en tant que réalisatrice radio¹ et plus récemment ses performances explorant les techniques du (re)mixage et l’approche semi-installative². En 2014, elle a produit sur l’étiquette de disque indépendante Tour de Bras³ un premier disque solo intitulé à la plage. L’artiste introduit sa démarche avec un texte elliptique qui énonce en quelques mots les lignes de force sur lesquelles elle aura forgé cette œuvre de dix «plages» totalisant plus de 56 minutes de musique:

un jeu de mots. rien d’autre. le reste tient au temps.
mouvement découpé qui tombe de la nuit. et le jour.
une cosmogonie. objet perçu. objet perdu.
matériaux des sens. poussière de roche. jeu de pied.
dedans.

Cet incipit particulièrement fertile pour mettre en appétit les oreilles, nous indique des pistes à suivre comme pour une intrigue policière, conviant l’auditeur à «jouer le jeu» et à prendre en filature les objets indices et leur empreinte sonore.

La dramaturgie musicale de à la plage s’élabore dans le contexte d’une esthétique qui met à profit une expérience fondatrice, celle de l’audition en boucle. Ainsi, dès la «plage 01», peut-on reconnaître un attachement à l’approche schaefferienne où des bruits anecdotiques, ici ceux d’un liquide et d’un ululement, sont dès leur énonciation repris en boucle, les faisant basculer illico dans une réalité nouvelle, surnaturelle⁴. Cette mise sous tension du jumelage sons concrets/sons abstraits par l’usage systématique de l’itération tout au long de la proposition musicale en dix temps, met au jour une parenté «forme et matière» et, du coup, la notion d’homogénéité sonore.

La sensation d’une profonde cohérence musicale lors de l’écoute repose à mon avis autant sur un usage extensif de la boucle que sur une matériologie caractéristique qui se décline à travers un univers de sonorités bruitistes. Qu’il s’agisse de machines, de balayages d’ondes radio, de grondements ou de crépitements, une tension est créée dans la rencontre de grands espaces telluriques ou a contrario cosmiques, entre des envolées sonores profondément abstraites et l’apparition soudaine d’une présence humaine, inscrite dans le verbe ou des mouvements furtifs dans un espace difficilement identifiable.

Une engageante ambiguïté colore la construction sonore, nous menant ainsi au cœur du phénomène sonore et du «où sommes-nous?», lorsque nous portons attention à ce qui s’entend, à ce qui arrive. Prévost propose un travail rigoureux qui pointe vers l’exigence d’une écoute à la fois curieuse et abandonnée. Nous ne sommes point dans la berceuse, nous sommes dans une force vitale et sensuelle, dans un souffle, un halètement d’où émerge un geste affirmé, assumé.

La «plage 01» est aussi celle qui nous présente, à travers les fritures d’une incertaine syntonisation et les bribes d’une conversation lointaine, une préoccupation centrale à toute démarche artistique, celle du «problème». Bien que non défini, l’artiste nous donne soudain accès à la démarche en amont, à l’anima duquel rayonne tout le reste; les parasites en ébullition circonscrivant alors les incertitudes sous-jacentes à l’impulsion artistique.

Et pourtant, à cette grande trame que constitue à la plage s’insèrent (et peut-être s’insurgent?) des fins abruptes. Cela étonne et cela fait sens. En effet, on aurait pu écouter sans interruption cette musique-bruit (urbaine/interstellaire), le procédé itératif agissant comme un liant. L’expérience de la fin abrupte nous met justement en contact avec la nature même de la démarche, essentiellement ouverte, inscrite dans la circularité, la rondeur: «À qui s’ouvre à la cosmicité des images […]. [le] cri rond de l’être rond arrondit le ciel en coupole⁵.» Les travaux d’Hélène Prévost semblent tout à la fois prendre racine et leur envol dans une «imagination matérielle⁶» qui s’opère à même l’intention imageante, cette image fugitive incarnée dans le faire, le sonore d’un «paysage arrondi⁷», fluide et expansif.

Notes

1. De 1978 à 2007, Hélène Prévost œuvre à Radio-Canada où elle se consacre, entre autres, à l’enregistrement et à la diffusion de musiques expérimentales et exploratoires (Musique Actuelle, Le Navire «Night», Bande à part). Information tirée de sa biographie mise en ligne sur le site de Sporobole, Centre en art actuel: www.sporobole.org/programmation/vitrine-sonore (consulté le 24 mai 2015).
2. Depuis quelques années, Prévost poursuit ses recherches dans le contexte de la diffusion sur multiples haut-parleurs de diverses qualités et sur écouteurs domestiques.
3. Tour de Bras est un organisme de création, de production et de diffusion qui œuvre à Rimouski dans le domaine des musiques improvisées. Pour plus d’informations: tourdebras.com (consulté le 24 mai 2015).
4. À ce propos, l’ Étude aux chemins de fer (1948) de Pierre Schaeffer demeure une œuvre modèle où l’artiste apprivoise la nature ambivalente des bruits d’un chemin de fer qui peuvent évoquer des objets sonores aux caractères «bruitistes» ou, en détachant ceux-ci de leur contexte et par artifice, les mener dans le champ de la musique.
5. Gaston Bachelard ([1957]1992), «La phénoménologie du rond», La poétique de l’espace, Paris, PUF, p. 213.
6. Concept développé par Gaston Bachelard, entre autres dans le texte L’eau et les rêves: Essai sur l’imagination de la matière (Paris, José Cortie, 1941).
7. Bachelard, [1957]1992, p. 213.

This Montréal drummer/composer is well known to followers of the local experimental/improvv and punk/rock scenes, having played with the Nils, Bionic and Detention — he’s currently a member of La Dauphine and plays solo (with drum machine) as MACHEEN. But The Squiggle Game (released online back in March) is a largely instrumental exercise, featuring MacSween (samples, programming, keys, drums, percussion), Corinne René (percussion), Nicolas Caloia (contrabass, keys) and Sam Shalabi (guitar). It’s esoteric, but not entirely without melody, coherent rhythms, beginnings, middles and ends. MacSween & co. really trigger the imagination as they bob and weave and lock in to intense vamps, and the loose, unsettling moments only add colour to a vivid picture. (7.5 / 10)

Many qualities weigh into the lofty reputation of the annual spring festival in Victoriaville, Quebec, known as FIMAV (Festival International Musique Actuelle de Victoriaville). Founded and run by the soft-spoken but determined Michel Levasseur, it’s one of the premiere and venerable avant-garde festivals in the Americas.

The festival weaves its patchwork tapestry from strands in jazz, free improvisation, non-main- stream rock, world music hybrids, beatless electronica and experimentalism of all sorts for three-and-a-half densely packed days in Quebec’s idyllic farmland region.

FIMAV’s identity involves elements of what it isn’t and doesn’t pretend to be. Now in its 31st year, this expansive jazz festival is not a place one goes to hear musicians blowing over changes.

So it made perfect sense when guitarist Marc Ribot launched into a punk-ish version of Dave Brubeck’s “Take Five” with his power trio Ceramic Dog and opted out of the chord changes in the “B” section, letting the bass line rumble forth instead, despite the contours of the chord pattern. It was a ges- ture of sly reinvention in a trio (Ches Smith on drums, Shahzad Ismaily on bass and keyboards) that is restless and cosmopolitan.

After Ribot ended his set in the stunning hilltop Pavilion Arthabaska venue, he raced downtown to the largest festival venue, the Colisée, to join the expanded ranks of guitarist Nels Cline’s Singers Unlimited project, one of the special occasions at this year’s edition.

Cline — the Wilco member who, like Ribot, has excelled in a rock context while maintaining his more marginal, experimental persona — was obviously excited to have a chance to expand his core trio with four additional members. It was another momentous hour in the history of FIMAV.

After last year’s 30th anniversary edition, this year’s post-milestone was a touch cooler in terms of programming, but also louder, surveying the many variations of rock music to the left of conventional or commercial. But rock wasn’t the only game in town, starting with the fine festival opener, Jason Kao Hwang’s “Burning Bridge,” a proverbial east-meets-west venture for eight musicians.

A recurring theme in keeping with past fests was the presence of two ambitious improvisation-oriented large ensembles led by dynamic conductors/conductionists working around small structured modules and cueing on the fly. Montrealer Jean Derome outdid himself with his texturally sweeping piece “Resistance.” His 20-musician group (including three bass/drum components) was led via hand gestures. By contrast, New Yorker Hans Tammen directed his Third Eye Orchestra—in its first show outside of New York City—with a system of cue cards and stage-roaming action painting.

An intriguing theme this year had to do with the unusual—and unusually sensitive—pairing up of like instruments. We got an initial taste of this concept with the refreshingly soft and low-key festival debut set by the German clarinet duo wryly calling itself The International Nothing. Reedists Michael Thieke and Kai Fagaschinski ended their set with a minimal, melancholic piece reminiscent more of 20th- century composer Morton Feldman than anything in the jazz clarinet cosmos.

From another double-up angle, the rarely heard sound of two trumpets collaborating is at the cen- ter of the group Kaze. Japanese pianist Satoko Fujii and her husband, trumpeter Natsuki Tamura, teamed up with musicians from Lille, France—trumpeter Christian Pruvost and drummer Peter Orins—five years ago to form the bass-less quartet, which has honed a strong distinctive group sound over the course of three albums. At FIMAV, their set list slalomed from structured parts to free-spirited abandon. For the record, they did navigate a few chord changes on the way “out.”

Pristatome vertą dėmesio muzikos naujieną — tai kompozitoriaus Jean Derome kūrinių rinkinys „Musiques de chambre“.

Jean Derome — vienas ryškiausių Monrealio saksofonininkų ir kompozitorių. Jis taip pat ir multiinstrumentininkas — groja altiniu, baritoniniu saksofonais, fleita ir kitais pučiamaisiais instrumentais. Jean Derome yra ne tik viena ryškiausių avangardinio džiazo asmenybių, bet ir talentingas šiuolaikinės akademinės avangardinės, eksperimentinės muzikos kompozitorius. Vadovauja ir garsiems free džiazo kolektyvams. Taigi šis kūrėjas aktyviai reiškiasi džiazo ir akademinės muzikos scenoje. Viename interviu paklaustas, kokio žanro muziką groja, Jean Derome atsakė: „Aš groju muziką. Ne džiazą ar kažkokio kitokio stiliaus muziką. Tiesiog muziką“. Taigi kūrėjas tiksliai neįvardina, kokio konkretaus stiliaus muziką jis komponuoja ir atlieka. Muzikoje susijungia akademinė avangardinė muzika ir free džiazas.

Nors daugiausiai šis kūrėjas reiškiasi free jazz scenoje, kaip puikus improvizatorius, multiinstrumentininlas ir grupių lyderis, naujausias albumas „Musiques de chambre“ atskleidžia Jean Derome plačias komponavimo galimybes ir talentą. „Musiques de chambre“ įrašyti 1992 — 2012 metais sukurti kameriniai kūriniai. Iš viso rinkinyje skamba 6 kūriniai (25 kompozicijos). Tai — „Cinq etudes pour figures“ (1992) sopraniniam saksofonui, fortepijonui, kontrabosui, mušamiesiems, marimbai, perkusijai ir trimitui. Šį kurinį sudaro 5 trumpų pjesių ciklas. Po „Cinq etudes pour figures“ skamba „Les cheminées“ (1997), parašytas 8 fleitų ansambliui. Kūrinys išsiskiria savo neįprastu skambesiu, atskleidžia fleitų virtuozines ir technines galimybes. Kitokia harmonija ir komponavimo technikomis paremtas „Les jumeaux“ (2000). Šis kūrinys parašytas bosinei fleitai, altiniam saksofonui, klarnetui ir bosiniam klarnetui.

Po šių 3 kūrinių skamba originaliu skambesiu pasižymintis „Saint Irascible et le papillon“ altiniam saksofonui ir perkusijai. Abu instrumentai išgauna neįprastus melodinius ir ritminius derinius, vartojamos įvairios muzikos išraiškos priemonės. Po saksofono ir perkusijos dueto seka kitas — bosiniam klarnetui parašytas solinis „Oiseau-lyre (flanqué d’une colonnade“ (2005). Albumą užbaigia „Rouge“, parašytas saksofonų kvartetui.

Kiekviena kompozicija ryškiai skiriasi savo gausia faktūrų įvairove, harmonija, ritmika ir kitais stilistiniais bruožais. Naudojamos įvairios komponavimo technikos, stebina tembrų, garsinių efektų gausa, ritmikos įvairovė. Kūrinių harmonija — moderni, girdima daug disonansinių sąskambių. Ji pagrįsta šiuolaikine muzikos kalba.

„Musiques de chambre“ — tai puikių, profesionaliai parašytų kūrinių rinkinys. Kiekvienas kūrinys atskleidžia vis kitokią prasmę, yra individualus ir savitas. Šis albumas parodo Jean Derome puikias kompozicijos galimybes ir didelį talentą ne tik free jazz scenoje, bet ir šiuolaikinėje akademinėje muzikoje. Albumą 2015 metais išleido „Ambiances Magnétiques“.

I recently had a debate about recipes. Someone presented the idea that following a script with exact precision is how we ensure success. I countered that, sure, this can be true, but think about all the people who break the rules and improve upon the process. “Well you have to know the rules before you can break them.” Touché, but what if there are no existing guidelines for a particular design? That’s how Fünf seem to work, as their electroacoustic / concrète fusion is — so to speak — no cake or lamb shank you’ve ever sampled.

Here are the ingredients:

• Magali Babin: Performer (amplified objects, tape deck, nebulophone, field recordings)
• Andrea-Jane Cornell: Performer (amplified objects, field recordings, accordion, loops and voice)
• Martine H Crispo: Performer (circuit bent toys, iDensity, electronics)
• Anne-Francoise Jacques: Performer (rotation, objects, amplification)
• Émilie Mouchous: Performer (analogue synthesizers, electronic fabric)
• Erin Sexton: Performer (oscillators, electromagnetic fields, microphone)

Mix these thoroughly until each performer is unrecognizable “between two residential basements on Berri Street, and live on a campus-community radio station from 2011 to 2014,” and don’t include everyone at the same time on each piece. The end result is a seamless production of delicate splendor.

Beginning with “Chaleur”, the group introduces an alien communication of reversed spinning plates and ghostly feedback and drones; suddenly, an aural door opens up, and the track is grounded in a lo-fi hiss, snippets of tonal “music” and sputtering circuits. “Aimes-tu ma porte?“ features a rhythm bed of camera flash power-on, a cymbal neutered of its attack and the muddled rumbling of Jacques’ “rotating surfaces”. On “The Name’s Name”, telephone busy signals mix with a chuckling German couple and manipulated airy wisps. Synthetic blips, purrs, pings, flicks and growls push alongside high heel footsteps on “Girl in the Vague”; as those begin to relax and fade, a cat in the distance begins to yowl, capping off the piece with a spooky coda.

The most ambitious work, “Retenue mystique”, settles over a flock of humming ambience that comes and goes, providing a somber backdrop for nervy mechanical squeals, thick swells of vowels (think Ligeti’s Lux Aeterna), sinister rasps, a Dopplering monologue and occasional synthesizer blips. The whole thing together makes your body and mind sway until the booming, electrical charge misfires of the appropriately named “Loud Operetta” break the meditation.

La règle belongs in the same world with sonic sculptors Jason Kahn, Tim Olive, Norbert Möslang, Toshimaru Nakamura, The Lappetites etc., but, as previously mentioned, there is something curiously unique about the music. Perhaps it is the group’s patience, economy of sound, tidy frequency choices (i.e. keeping the highs paired with lows à la Stravinsky orchestration for a clear listening experience) and insistent, unresolved tension. Regardless of secret spices, the members of Fünf create music that warrants a binge.

Jean Derome to jedna z najważniejszych postaci na kanadyjskiej scenie eksperymentalnej. Ten kompozytor oraz muzyk grający na saksofonie i flecie, tworzy już od kilku dekad. Był członkiem wielu eksperymentalnych/jazzowych i rockowych grup. Jest też współzałożycielem oficyny Ambiances Magnétiques. W 1973 roku powołał do życia jedną z pierwszych awangardowo-jazzowych formacji w Quebecu — Nébu. Teraz ukazał się przekrojowy materiał Derome’a z lat 1992 — 2012, gdzie mamy kompozycje rozpisane na różne składy i instrumenty (saksofon sopranowy, trąbka, fortepian, kontrabas, perkusja, marimba, rogi, flet, klarnet etc.). Bogate aranżacje przeplatają się z improwizacją, kameralistyką i minimalizmem, a do tego artysta wprowadza bardzo ciekawe podziały rytmiczne. To wydawnictwo trzeba poznać!