The music released through the Ambiances Magnétiques label covers a wide spectrum: extreme noise music by Tétreaul, all kinds of improvised music and jazz, beautiful songs by someone like Letarte, but also modern ‘classical’ music. Both two new cds belong to the last category.

Canadian composer and guitarplayer Brady offers two of his new compositions on his new cd. Playing Guitar: Symphony #1 is a work in 5 movements, two movements being subdivided in two parts. If you aks me what is ‘classical’ about his work then it surely is the symphonic nature of this piece. We hear Tim Brady on electric guitar accompanied by the 15-piece Nouvel Ensemble Moderne. Besides there is an important role for live electronics and sampler played by Brady. Part 1 is a very driven — Louis Andriessen like — piece. The second movement is dense and at a much lower pace. The third movement is more or less completely electronic. Like in movement 1 we hear in the second part of the third movement the complete ensemble playing a very dynamic hammering intersection, that continues in movement 4. The first part of the 5th movement is a beautiful solo piece for Brady on guitar. In the second part the music becomes very complex and culminates in a climax fading out with quiet electronic sounds in the last few seconds. It’s very rich and engaging work. At the core of this recording is the live recording a the piece in june 2003. In the process of mixing and editing guitar and sampler parts were added. The second compositions Frame 1 — Resonance is performed by his ensemble Bradyworks, consisting here only of two players: Pamela Reiner on piano and Tim Brady himself on guitar and treatments. For this composition Brady was inspired by a thought of a friend who imagined a piece for piano and guitar where “the guitar would act like a big, electronic resonator for the piano part, becoming a huge electroacustic sustain pedal”. Again a more than interesting work by Brady.

On Portrait Montréal everything is in four: four compositions from four different composers, played by four musicians, the Quatuor Bozzini. We hear the following works: Pulau Dewata (by Claude Vivier), Quatuor à cordes II (Jean Lesage), Daydream Mechanics V (Michael Oesterle) and A New Song of many faces for in These Times (Malcolm Goldstein). String quartet Quatuor Bozzini plays music from classical and romantic times, but have a great love for modern music. For their debut cd they concentrate on modern music from their hometown Montréal. What strikes me first listening to this cd is the enthousiastic and daring playing by this quartet. Pulau Dewata is played here in an arrangment by Michael Oesterle. It was Vivier’s tribute to balinese music. The post-minimal composition Daydream Mechanics V by Oesterle also is inspired on folk music. Though not asiatic music this time. Now we hear echoes of eastern Europe. Jean Lesage on the other hand stays close to the western classical tradition. He plays with this idiom with great skill and dedication. Malcolm Goldstein is not only a composer but also a well-known improvisor on violin. So it should not wonder that his composition gives room for improvisation. As a result this is the most vivid piece on this cd. First of all this cd introduces us to a great and ‘fresh’ string quartet and secondly it offers a well-balanced portrait of modern composed music from Canada.

Two Montréal improvisers recorded live. A lot more happens here than on most noise-oriented records. For one, the noise is varied a lot, and goes somewhere. It does more than try to shock. And it doesn’t sound like dreck. I like the hyperreggae of média tactique which like a lot of the outing here is noise music you can follow. What’s more, the large majority of the material here enchants and surprises, and makes cacophony pleasurable. Hoodathunkit?

On this CD and DVD combination, Pierre-André Arcand presents an audio disc of his rugged little electroacoustic pieces to which we can imagine a world of images. The video CD that accompanies (playable in DVD players) is a set of wholly different works to which images are attached. These images tend to be basic, blurry, patterned and repetitive. What these sounds need, for the experimental and challenging content is surreal, is unsettling visions like something Brothers Quay would conceive of to match these mechanical rhythms and nonmusical sounds. When someone takes the MTV flash and drama of a 2-minute video film with the jarring, freeing exercise of sonic mutation like this, then we will see into a world of new art.

Les contrebassistes sont des êtres étonnants. Nous les entendons parcourir le monde, avides de rencontres et d’échanges. Souvenez-vous: Peter, Joëlle, William, Barre… toujours là, généreux, rassembleurs (je n’ose écrire maternels). Joëlle Léandre justement. La voici italienne pour quelques jours à l’occasion d’une classe de maître au Conservatoire de Monopoli (province de Bari). Le pianiste Gianni Lenoci y enseigne le jazz et la musique contemporaine. Les deux n’avaient d’autre choix que celui de se rencontrer. On sait que la première rencontre est le plus souvent riche en intensité (la seconde est parfois plus problématique). Ici, Joëlle et Gianni jouent ce qu’ils sont en cet instant précis; libres, généreux, étonnés par leur propre embrasement. Ces deux-là s’amusent, s’offrent, s’abandonnent, nous les voyons explorer chambres et passages secrets. Laissons leur musique nous envahir et remercions-les pour cette magnifique offrande.

Le premier mot qui vient à l’esprit en écoutant ce disque est «profondeur». Profondeur évidente de la relation qui unit les deux musiciens. Profondeur de champ ou recul nécessaire pour que l’improvisation ne tombe pas de trop haut malgré l’altitude imposée dès le départ. Profondeur encore des harmonies tracées par le pianiste autour du centre de gravité de la bassiste… Profondeur, mais pas distance! Car, pour immense que soit la galaxie explorée ici, à aucun moment l’auditeur ne se sent abandonné au vide ni dépassé par son propre vertige. Chez Joëlle Léandre, une fois de plus, c’est donc la solidité qui fascine. Cette femme travaille le bois de sa contrebasse avec des mains d’ébéniste, construisant une sorte de bâtiment orchestral où l’on sent qu’il fera bon vivre quand ce sera terminé… Alors, on va voir le chantier!

Et l’on croise Gianni Lenoci, pianiste de Monopoli, dans la banlieue de Bari, qui a étudié avec Mal Waldrom, Paul Bley et enregistré avec le quartet d’Eugenio Colombo (Tales of love & death). Le corps visiblement investi jusqu’au fond de l’instrument, il pétrit la pâte sonore avec une gourmandise et une énergie qui font plaisir à deviner. Entre envolées romantiques, passion lyrique, citations contemporaines, (Cage et Feldman sont deux références incontournables des deux artistes) et clins d’œil complices à Erik Satie, il allie la puissance du toucher et la finesse mélodique à une invention harmonique constamment en éveil.

Dans les quatorze improvisations libres de ce disque, Léandre et Lenoci prennent les risques les moins calculés afin que demeure la plus spontanée des musiques, celle que nous aimons et que l’on nommera, selon, free jazz ou musique improvisée, mais qui, de toute façon, restera éminemment contemporaine. Cette musique, donc, qui une fois passée, continue d’exister car elle représente l’instant, l’éphémère et, en conséquence, l’éternité. Une forme de poésie, encore, qui du plus lointain de sa «profondeur» continuera longtemps de se balancer dans notre mémoire immédiate.

L’art de ces deux trapézistes, volant ensemble là-haut avec une telle assurance, me fait songer finalement à cette fameuse définition que l’on donna un jour de la confiance: la confiance, c’est le risque moins la peur.

Riche idée que ce double duo de guitares et batteries. Sept improvisations d’où semblent exclues toute notion de chaos et de performance. Amis des chaos soniques, passez votre chemin: ici, on carbure au sensible, on invente un nouvel alphabet au jeu batteriste. Les phalanges courent sur les peaux, les baguettes se croisent, s’entrecroisent, la vibration se libère, des feuillages émergent. Tout aussi sensibles, les guitaristes en appellent au frémissement: ils frottent, fouettent l’acier et incrustent leur étranges grillages magnétiques aux réverbérations cuivrées des deux percutants. Magnifique instant sorcier, intelligence de la main et de l’esprit, mariage du cœur et de l’intellect, The Unexpected One est le genre de disque qui tourne en continu sur nos platines curieuses. Et sans doute, pour très longtemps.

L’Ensemble Super Musique est une formation à géométrie variable évoluant dans le cadre de l’improvisation et de l’écriture pour grand ensemble. On y retrouve quelques pionniers de l’aventure Ambiances Magnétiques (Pierre Cartier, Joane Hétu, Michel F Côté, Jean Derome, Diane Labrosse, Danielle Palardy Roger, Pierre Tanguay, Martin Tétreault), quelques talents récemment remarqués par ce même collectif (Lori Freedman, Jean René, Lee Pui Ming) et quelques nouveaux venus (Nicolas Caloia, Kristin Molnar, Samuel Véro) dont on attend avec impatience les prochaines sorties. Les quatorze extraits de cet enregistrement proviennent de cinq concerts donnés entre 1998 et 2004. Canevas 2002, Canevas 2004, Hommage à La Bolduc, Musiques de Printemps, Rencontres musique écrite / musique improvisée; soit cinq formations qui se voient aujourd’hui compilées dans un étonnant et intriguant disque kaléidoscope. Le montage ici proposé (et discutable: rien ne vous interdit de programmer les plages du disque dans la logique des formations et de la chronologie) joue parfois avec nos nerfs. Telle formation (je pense notamment au très beau trio Lori Freedman, Lee Pui Ming, Danielle Palardy Roger) aurait mérité une plus grande place, telle pièce contemporaine ennuie et assomme. Mais tel est le jeu des compilations. Signalons quelques moments d’humour déglingué avec l’Homnwge à La Bolduc, chanteuse populaire des années 30 dont le surréalisme des textes (Fin Fin ou l’histoire d’un gars qui s’étouffe avec sa soupe aux pois) sont ici, magnifiquement détournés et détroussés. À découvrir.