Tour de Bras nennt sich ein kanadisches Label, das sich komplett der improvisierten Musik verschrieben hat, und das darüber hinaus Konzertreihen, Workshops und ein zweijährlich stattfindendes Festival veranstaltet. Gefördert werden soll damit die Impro-Musik in der Region, wobei mit Region hier die Provinz Quebéc gemeint ist, mit 8 Millionen Einwohnern der besiedlungsdichteste Fleck in Kanada. Nicht unbedingt, was wir unter einer»Provinz«verstehen.

Eines der Lieblingsprojekte des Labels ist Le GGRIL (steht für Grand groupe régional d’improvisation libérée), ein Live-Impro Ensemble aus einer Kleinstadt im Osten von Quebéc, das auf eine mittlerweile sechsjährigen Spielpraxis in eher schriller Zusammensetzung (etwa zwei Akkordeons, ein elektrischer und ein Kontrabass, Tuba und Fagott, sowie Violinen, Percussions und diverse Bläser) zurückblicken kann. Eine sehr feine Demonstration dieser Konstellation bietet die CD»Vivaces«von 2012, realisiert in 13-köpfiger Besetzung und offensichtlich doch nicht komplett free umgesetzt. Laut Labeleigendefinition handelt es sich aber ohnehin um»musique neuve et d’occasion«, was eigentlich einen sehr schönen Begriff in die Improvisationsmusik einführt, eben den der Okkasion. Bei uns leider viel zu einschlägig als günstige Gelegenheit oder gutes Geschäft besetzt, doch im Französischen ist die»occasion«viel näher am Begriff des Ereignishaften. Musik als Ereignis, für die Ort und Umstände und natürlich auch der Zeitpunkt des Entstehens essentiell sind. Zu diesen Umständen gehört auf»Vivaces«ein strukturiertes Miteinander einzelner Ensembleteile, was zusätzlich für eine angenehme Abwechslung gegenüber der sonst viel zu häufigen Monotonie im Improgenre sorgt. Auch der regionale Einschlag, der vor allem durch die beiden Akkordeons ins Spiel kommt und immer wieder Assoziationen zu einem außer Rand und Band geratenen Chanson-Abend unter Avantgardisten weckt, machen»Vivaces«zu einer charmanten Angelegenheit.

Phasen und Flughäfen

Zwei Jahre zuvor zeigte ein Teil des Le GGRIL-Ensembles, dass man auch ganz klassisch im Sinne der Improvisationsmusik kann. Auf»Transition de Phase«geben sich die zwei Saxophonisten Jim Denley und Philippe Lauzier gemeinsam mit Pierre-Yves Martel (Violakorpus und Elektronik), Kim Myhr (Akustikgitarre) und Éric Normand (Bass) die Ehre. Die fünf Herren gehen es weitaus introspektiver an und betreiben zugleich das Spiel gegen den instrumentalen Strich, also Überblasen, Schnattern, Kratzen, Bürsten usw. — eben alles was man tun kann, um seinem Instrument unerwartete Noises zu entlocken. Auch diese Übung ist prächtig gelungen, wenn auch nicht ganz so klangfarbenprächtig wie im großen Ensemble.

Auf»Beau comme un aéroport«treffen wir die Herren Philippe Lauzier und Pierre-Yves Martel wieder. Gemeinsam mit fünf weiteren Herren haben sie offenbar beschlossen, unter dem halbwegs bescheuerten Gruppennamen Mecha fixes clock eine fast schon traumwandlerisch sichere Gratwanderung zwischen Impro und Jazz einzuspielen. Hier stimmt fast alles, hier liebt man fast alles, egal aus welchem Lager man kommt. Natürlich schlägt das Pendel in die eine oder andere Richtung aus, mal spielen Saxophon und Trompete herrlich trockene Phrasen, während die Kompagnons fröhlich dagegen bürsten, dann wieder knackst und noiselt es, bis das Piano unverfroren ein süßlich-minimalistisches Thema einstreut, das aber dann ebenso fröhlich wieder zerhäckselt wird. Und mitunter kommt sogar noch ein Beat dazu und man vertschüsst sich zeitweilig ins Sphärische. Sehr fein ist diese CD geworden, ein Leckerbissen für Quereinsteiger ebenso wie Genrefans. Auch toll: die außerordentlich hübsch gestaltete CD-Hülle.

Vinylporno

A propos besonders hübsch. Wir kehren zurück zum aktuellen Release von»Tour de Bras«, der unter dem Titel»Combines!«wieder das komplette Ensemble von Le GGRIL vereint. Nur dieses Mal auf Platte — und zwar auf knallrotem Vinyl, das in einer durchsichtigen Hülle, die natürlich mehr zeigt als versteckt. Ein Vinylporno, wenn man so will — und entsprechend geil anzusehen.»Combines!«wirkt streckenweise wie die Quintessenz aller bisher besprochenen CDs. Das strukturierte Ensemblespiel ist wieder da (ein Stück funktioniert als Improvisationsspiel, ein anderes ist für zwei Dirigenten ausgelegt), die disziplinierte Zurückhaltung, die in fast jazzige Reminiszenz gleitet (irgendwo zwischen spätem Gil Evans und frühem Cecil Taylor, aber wie gesagt nur fast), und natürlich das franko-kanadische Lokalkolorit. Alles zusammen ergibt eine hübsch spannungsgeladene, immer wieder fordernde, aber auch belohnende Ensembleimprovisation, die wirklich wärmstens empfohlen werden kann.

Ach ja,»Tour des Bras«heißt übersetzt»Armumfang«, kann aber auch»Was das Zeug hält«heißen, je nach dem. Wer danach googelt, findet jedenfalls vor allem tätowierte Oberarme von einschlägigen Muskelpaketen.

Denley, Lauzier, Martel, Myhr and Normand participated on the Victo Festival 2010. Tour de Bras invited them for a session just after the festival was closed. Kim Myhr is from Norway, Jim Denley from Australia. The other three artist come from Quebec where it all took place. All five of them participated on the Victo Festival 2010. Jim Denley is the veteran improvisor in this combination known for his extended techniques on wind instruments. But on this recording it is not only Denley who makes use of extended techniques. All of them do. This makes it difficult to detect what comes from what instrument. One may experience this as an disadvantage, but it also has an advantage. It puts the music on its own feet. It is purely the music and sounds one experiences. For sure a very satisfying experience in this case. A fine example of very concentrated and inspired improvisations, full of subtleties.

Si Myhr et Denley ont déjà travaillé ensemble sur plusieurs projets, je n’avais encore jamais entendu Lauzier, Martel et Normand, tous les trois basés au Québec, et rencontrés en 2009 à Montréal par le duo australo-norvégien. Ensemble ils nous proposent trois “phases” d’orientations minimalistes et microtonales publiées par le label d’Éric Normand: Tour de Bras; les “transitions de phase” étant l’étude physique des altérations et des modifications d’une structure donnée par un phénomène extérieur, on imagine bien ce que ça peut donner en musique…

Enlevez l’importance de l’aplat chez Kandinski, obscurcissez les formes géométriques puis transposez ces graphismes dans le domaine sonore, vous pourrez alors obtenir quelque d’assez proche de la première Phase de ce quintet. Chaque interprète construit une ligne de fuite personnelle qui tend à devenir collective lorsqu’elle en entrecroise une autre, la pénètre et s’y imbrique. Pour continuer avec la comparaison plastique, chacun a l’air de sculpter le même granit que tout le reste de la formation, mais tout en gardant son outil-instrument auquel il s’identifie et par qui il conserve son individualité. La matière sonore est d’une tessiture ample qui va de la basse électrique au saxophone soprano en passant par les potentialités infinies de l’électronique; ainsi, chacun travaille, taille, sculpte et traverse cette texture de multiples manières: bourdons, larsens, techniques étendues, interventions sporadiques et distillées ou continues, réponses dialogiques ou autistes, etc…

Quant à la Phase 2, elle peut peut-être sembler plus facile dans la mesure où elle ne travaille qu’à créer une seule texture (pâte) complètement homogène. Cependant, outre le fait pragmatique que ces musiciens n’ont que trop rarement l’occasion de collaborer, ce qui peut poser problème dans ce genre de démarche et qui est dépassé avec brio dans cette pièce, c’est la conservation des couleurs et donc des personnalités. Effectivement, la matière est homogène, presque monolithique parfois, mais ce qui est admirable, c’est que les individualités si présentes et marquées dans la Phase 1 se maintiennent complètement et même s’épanouissent dans cette structure qui aurait pu se révéler contraignante à ce niveau. Mais au contraire, les contraintes propres à la musique improvisée (en est-ce vraiment d’ailleurs?) semblent s’évanouir: alors que des timbres et des influences orientales surgissent et s’ancrent dans la démarche collective, l’atonalité et les techniques étendues ne sont plus utilisées systématiquement. Malgré des contraintes structurelles et intentionnelles, cette pièce paraît fraichement libre et innovatrice, tout en évitant l’écueil du drone monotone, contemplatif et chiant.

Sans modestie, la Phase 3 (deux fois longue que les précédentes) prétend assimiler les premières Phases, en utiliser tous les ressorts sans oublier de les modifier, de les amplifier, des les magnifier et de les explorer dans leur intégralité. Ici, les transitions commencent à vraiment se faire ressentir, chaque intervention modifie les paramètres de la structure en place, et la structure, ainsi, se modifie progressivement au gré de chaque musicien, comme au gré du collectif. Les interventions sont nombreuses et complètement hétérogènes, allant des dialogues harmoniques aux hauteurs indéterminées de la basse et de l’électronique, des réminiscences orientales basées sur un bourdon au quasi-riff des cordes, des assauts corrosifs et saturés de Martel aux attaques rondes et légères de Denley et Lauzier.

Transition de phase possède une palette extrêmement riche de couleurs instrumentales (de la cithare à l’électronique) qui sont déjà très étendues par elles-mêmes. Mais la richesse se situe également dans la variété des intensités, dans leur relief, et dans les formes que peuvent revêtir chaque phase. Les processus d’improvisations ne sont pas forcément clairs, certes, mais ils ne paraissent jamais incohérents, toute intervention se fait en réponse et à l’intérieur d’un certain processus musical précis, et cette intervention est toujours immanente à la structure et à la forme du processus. Trois pièces créatives et innovatrices, intenses et variées, profondes et riches dans la forme (la structure) comme dans le contenu (le timbre).

Trois phases (1 2 3) consignées en Transition de phase, disque que Jim Denley (alto préparé et flûte) et Kim Myhr (guitare, cithare et objets) — partenaires réguliers entendus récemment en Mural — ont improvisé en compagnie de Philippe Lauzier (soprano et clarinette basse), Pierre-Yves Martel (dessus de viole et életronique) et Éric Normand (basse électrique).

Où tout commence par la juxtaposition patiente de longues notes volontairement peu assurées, de souffles découpant en conséquence et de cordes changées en suspensions de métal que le moindre mouvement fait chanter. L’idée naît ensuite dans le changement: les musiciens profitent de zones de perturbations sur lesquelles ils s’accordent, se soutiennent, s’expriment enfin. En intérieur de clarinette, Lauzier se plaît à buter et finit d’engager la rencontre à prendre la forme d’une cohérente conciliation d’expressions individuelles.

Cithare vibrant contre machinerie crépitant, instruments à vent traçant d’autres lignes de fuite, les musiciens sont en phase toujours bien qu’en effet en perpétuelle transition. Les cordes pincées de cithare donnent une dernière couleur à l’improvisation, ressorts contre lesquels viendront se reposer les autres instruments. La dernière phase est la plus fragile, la déroute est encore autre et les propositions sont des trouvailles presque à chaque fois. Qu’on s’y perde est tout ce que l’on pouvait souhaiter avant que revienne l’humeur d’y retourner.

One of the better & stranger sets last year (2010) at the Victo Fest was by a quartet featuring Denley / Lauzier / Martel / Myhr, an international cast of gifted improvisers. Mr. Denley (once a member of Machines for Making Sense from Australia) and Mr. Myhr were also part of the Trondheim Jazz Orkester, who also performed one of the better sets last year. Electric bassist Éric Normand played at Victo last year as well in a different set. This disc was recorded right after the Victo Fest in May of 2010. Since all of these musicians prepare their instruments, the sounds are going to hard to pinpoint, as in who’s doing what. I remember the quartet set at Victo quite well since it was one of the few sets to employ that lower case aesthetic. This disc also sounds like that ultra careful, restrained, spacious improv that some of us have come to enjoy over the last decade. This music breathes and takes its time to unfold. This is a collection of different drones and long tones that shimmer softly. Kim Myhr, who was the leader of the Trondheim Orkester at Victo, had a tableful of small objects that he played while he occasionally plucked or bowed his table-top acoustic guitar. I hear the sound of scientists or craftsmen quietly creating their own new environment or world. The nuance of every sound is carefully placed on the canvas of silence. At times it is hard to tell that there are five musicians involved, yet the outcome is striking and completely focused. This music forces us to stop and listen closely since we might otherwise miss a fragment that is integral to the overall tapestry. Consistently fascinating if you take the time to explore.

Enregistré en mai 2010, juste après le passage du quatuor Denley/Lauzier/Martel/Myhr au FIMAV. Denley et Myhr ont travaillé précédemment ensemble en duo, Lauzier et Martel aussi, et les quatre ont donné leur premier concert au FIMAV. S’ajoute le bassiste/électronicien Éric Normand, pour une séance intense d’improvisation libre de type microsonique. Haute voltige télépathique, trésor d’inventivité (les techniques de flûte de Denley, Martel et ses feedback contrôlés, les interventions de guitare acoustique distillées par Myhr). Très réussi.