Tutto inizia a metà dei novanta, nell’eccitazione creativa della francofona Montréal, quando il contrabbassista Alexandre St-Onge e il percussionista Michel F Côté, assistono ad una performance del chitarrista Bernard Falaise. Il conseguente “colpo di fulmine” produce Klaxon Gueule (nome che sa di alchimia dadaista con quella sua bislacca associazione tra “clacson” e “mascella” o, se volete, “rumore” e “potenza”).

Klaxon Gueule Bavards cd1 47:26, cd2 46:22 Ambiances Magnétiques esce nel 1997 lanciando immediatamente segnali luminescenti: riferimenti jazz rock (c’è chi vi sente l’imprinting di Fred Frith e dei This Heat ma anche di certo free jazz di frontiera) e gusto per l’improvvisazione (anche) estrema. Il concetto di “power trio” viene sistematicamente messo in discussione fino giungere, con Friandise cannibale, al suo definitivo sgretolamento. Eppure due anni dopo le cose cambiano. E di molto. In Klaxon Gueule Muets AM 1999 — 49:59 (che qualche critico esalta come uno dei dischi fondamentali dei Novanta) il suono diventa sempre più essenziale tanto che i contorni tra gli strumenti diventano così labili da risultare magicamente con-fusi. C’è la poetica del “sottovoce” che giustifica pienamente il titolo Muets (=“muti”) tanto che qualcuno azzarda l’equazione Michel F Côté-Jamie Muir arrivando a definire Muets il No Pussyfooting degli Anni Novanta…

Con Klaxon Gueule Grain AM 2002 — 43:15 il salto è definitivamente compiuto. Il rock (anche quello sperimentale) è definitivamente alle spalle e con esso ogni tipo di parvenza strutturale. Un “grano” in grado di nutrire nuove ipotesi creative figlie dirette dei grandi autori di fine novecento e una inedita sfida che viene lanciata all’Ascoltatore: dimenticare l’identità della fonte (anche se le note di copertina continuano a riportare i nomi degli strumenti tradizionali) e abbandonarsi al Flusso Indistinto del Suono. Poi la leggenda narra delle “canzoni geneticamente modificate” di Klaxon Gueule Chicken &Records 2004. Chi ha avuto la fortuna di ascoltarlo lo descrive così: “E’ come lasciare per quarant’anni Bob Dylan dentro una stanza di decompressione ad ascoltare Hymnen di Karlheinz Stockausen e Poème électronique di Edgar Varese messe in circolo in eterno loop” (Michele Coralli in Blow Up 82/2005)….

Il silenzio KG viene rotto dal suo percussionista che recentemente pubblica Michel F Côté (juste) Claudette AM 2007 — 38:03. Un disco davvero bello che, se da una parte potrebbe deludere chi ha amato il Culto del Puro Suono praticato dalla band, potrà intrigare parecchio chi si lascia catturare dall’esplorazione di nuovi spazi sonori (sì, è ancora possibile!) all’interno di una persistente struttura “free-rock”. Di fatto il progetto di Côté (qui impegnato non solo alle percussioni ma anche alla pocket trumpet e agli arrangiamenti) propone il trio originario addizionato dallo stralunato organo di Jesse Levine. Tredici tracce di sghembo sapore post-RIO dove la sagace contaminazione elettro-acustica la fa da imperiosa padrona. Ascoltare per credere l’ansimo elettrico di Arms Oil con la chitarra frithiana di Falaise che si fa saggiamente guidare dalle sincopi organistiche (orgasmiche?) di Levine ed anche gros découvert con quella sua ritmica frastagliata dove il contrabbasso di St-Onge e il percussionismo dissociato del leader profondono abbacinanti intuizioni armoniche. Molto bello anche il jazz allucinato di par en avant con quei suoi eccitanti intarsi tra la delicata chitarra dell’immenso Bernard, i tappeti timbrici dell’onnipresente organista e l’aliena sezione fiati architettata dallo stesso Côté. E se (juste) Claudette fosse il My Life in the Bush of Ghosts del decennio?

Tracciare la storia, seppur breve, di una band che in meno di dieci anni e soltanto in quattro dischi ha già dato tanto alla causa ‘musica’ non è la cosa più semplice di questo mondo. Abbiamo però avuto la fortuna di parlarne con uno dei protagonisti, Alexandre St-Onge, cioè 1/3 dei Klaxon Gueule, contrabbassista e sperimentatore d’eccezione della scena canadese, ma meglio sarebbe dire mondiale, che ci ha aiutato a capire meglio come nasce un suono così originale e innovativo (o anche solo a confermare le impressioni che già ci eravamo fatti) e soprattutto come ci si muove all’interno di un’arte su cui sembra sia già stato detto e fatto di tutto. Trascrivere tutta la conversazione avuta con Alexandre è un’impresa titanica e forse alcune cose potrebbero non interessare chi vuol sentire parlare solo di musica. Personalmente ho i miei dubbi: nella musica ritroviamo ogni componente della nostra vita, gli affetti, gli studi, la politica, i film visti, le letture fatte (come vedrete Alexandre si dice influenzato da Bataille); sono tutte cose che arrivano a formare e a guidare la personalità di ognuno nel momento in cui la si esprime, in una band o in qualsiasi altra attività.

I Klaxon Gueule sono Alexandre St-Onge al contrabbasso, Michel F Côté alla batteria e Bernard Falaise alla chitarra. I tre si formano in quel di Montréal, vera a propria fucina di talenti, mai parca di attività, progetti e collaborazioni; merito anche della posizione dominante che esercita sulla città, al pari di una grande madre, un’etichetta rinomata come l’Ambiances Magnétiques che ha fatto scuola e che è ora parte della più grande entità actuellecd.com in cui confluiscono molte delle etichette canadesi come la Alien8, la &records di Fabrizio Gialardino e dello stesso Michel F Côté ed anche la label che Alexandre St-Onge ha messo su con l’amico Christof Migone (un’amicizia solida a cui accennerà più volte, in seguito), ovvero la Squint Fucker Press, di cui proprio nel 2004 abbiamo amato il bellissimo Escape Songs di Migone e Veda Hille. L’unico che ancora non ha messo su un’etichetta è Bernard Falaise il quale, a detta di Alexandre, è più portato a suonare dovunque e con chiunque senza vincoli di alcun tipo.

Queste amicizie e queste collaborazioni vengono instaurate in completa libertà e tendono sempre più a ramificarsi; esemplare da questo punto di vista anche i rapporti col giro Constellation, se vogliamo il circuito più popolare della scena di Montréal: Alexandre è stato ospite infatti nei dischi dei Fly Pan Am ed è frequente collaboratore nonché amico di Roger Tellier-Craig degli stessi Fly Pan Am e Godspeed You! Black Emperor. Le amicizie hanno un grosso peso e ciò lo si evince anche dai riferimenti frequentissimi che Alexandre fa alla sua cerchia di amici nel corso della conversazione: da Migone a Tellier-Craig a Fabrizio Gilardino e Mirko Sabatini. Tantissime, negli anni, le uscite dei dischi solisti e le collaborazioni in cui abbiamo visto agire i tre: quest’anno abbiamo apprezzato molto i dischi della &records, ovvero il ‘solo’ di Michel F Côté (63 Apparitions) e la collaborazione tra Falaise e Martin Tétreault (Des gestes défaits, recensioni entrambe on-line) senza contare, lo scorso anno, il debutto dei Bob che vedeva partecipi tutti e tre i membri dei Klaxon Gueule, insieme ad altri artisti. Impegnandoci di trattare in futuro di queste attività parallele, ci dedichiamo adesso a raccontare dei soli Klaxon Gueule, approfittando del fatto che è appena uscito il nuovo disco, Chicken, bellissimo, licenziato proprio dalla &records, dopo che i primi tre cd erano stati pubblicati dalla Ambiances Magnétiques. Ma andiamo con ordine.

I Klaxon Gueule si formano a metà degli anni ’90 quando io e Michel (che già improvvisavamo per conto nostro) assistemmo ad una performance impro di Bernard in un locale: quando Bernard a sua volta ci vide suonare ci propose di unirci a lui per realizzare insieme qualcosa di interessante. Con queste parole Alexandre St-Onge (incontrato nei primi giorni di dicembre durante un suo passaggio a Napoli, in una delle rarissime sere in cui nella città non è stato ammazzato nessuno) descrive la nascita dei Klaxon Gueule.

Quello di cui scriviamo è un gruppo originalissimo a cominciare dal nome che associa due parole che esprimono forza; Il nome non significa nulla; nasce dall’unione di due sostantivi, klaxon (proprio il clacson delle automobili) e gueule (mascella) che pronunciate insieme confluiscono, dal punto di vista fonetico, una forza maggiore a due parole che già di per se alludono al casino, al rumore, alla potenza e alla durezza. Il nome è stato trovato da Bernard ed è piaciuto subito a tutti noi per via di questo accostamento molto dada. Tutto ciò si traduce in una musica scevra dai compromessi, forse ostica, ma non tale da impedire a chiunque di apprezzarne la qualità, l’originalità e la carica destabilizzante.

Il debutto discografico del trio arriva nel 1997 con Bavards, doppio cd in cui i tre decidono di fare piazza pulita delle loro passate esperienze; il disco infatti segna una rottura con quello che verrà, un punto di non ritorno nella loro carriera, e ciò lo si avverte in modo lampante con l’ascolto dei successivi lavori. Bavards consta di due cd che rappresentano un compendio delle istanze rock di stampo impro tagliente e compatto come certe produzioni di rock-in-opposition e con numerose influenze jazz; nel primo cd l’assetto è quello usuale con Michel F Côté alla batteria, Alexandre St-Onge al contrabbasso e Bernard Falaise alla chitarra; nel secondo cd la line-up si allarga anche al sassofonista Christopher Cauley e il tutto assume un aspetto da free-jazz elettrico con atmosfere oscure e fumose da ghetto metropolitano: sì, Bavards è un punto di rottura con le strutture passate, esso è stato volutamente composto per essere free jazz e suonare potente come un disco di hard-core. In pratica possiamo dividere la storia dei Klaxon Gueule così: c’è Bavards da un lato e poi tutto il resto. Il disco, infatti, pur lasciandosi apprezzare per le indubbie doti tecniche e per la completezza strutturale, risulta datato se confrontato con le vette raggiunte di lì a poco.

Muets, che segue di due anni l’esordio, è ancora suonato in classico assetto rock da power trio (schieramento che verrà mantenuto in tutti i lavori successivi), ma della musica tutto si può dire fuorché sia ‘classica’. Infatti il disco (che, giusto per inciso, è uno dei capolavori degli anni ’90) brilla per originalità delle strutture e limpidezza del suono; arduo riconoscere in questi intrecci sonori il tradizionale suono di chitarra, basso e batteria, piuttosto il tutto sembra essere il risultato di elaborate composizioni elettroacustiche e non invece di spietate improvvisazioni: non so se i miei due compagni la pensino come me ma io mi sento parte integrante di un power trio; noi suoniamo rock anche se è una versione avanzata di esso: c’è una relazione tra il rock e il nostro modo di improvvisare; sono come due piani sovrapposti che si arrivano a tangere. La musica dei Klaxon Gueule è tutta improvvisata; più che altro noi ci lasciamo trasportare da un mood, oppure seguiamo delle coordinate decise in un momento precedente; ad esempio si stabilisce chi sia il primo a suonare e il momento in cui gli altri debbano intervenire oppure viene deciso che uno di noi inizi a suonare nell’istante in cui gli altri abbiano smesso e così via. Alcuni pensano che la nostra musica sia il frutto di composizioni studiate ma in realtà è tutto totalmente improvvisato.

Con Muets i tre fanno esplodere il rock e ne raccolgono i resti, quelli più piccoli e infinitesimali, che vengono poi ricomposti in un puzzle anomalo creando quadretti deformi e tetri ma anche avvincenti. Scompongono cellule sonore per elaborare dna mutanti; aggiungono e sottraggono particolari, utilizzano liberamente frammenti metallici, creano disturbi e disegnano traiettorie errate come macabri scherzi del destino, aprono e chiudono squarci nella pelle come folli scienziati. Ogni tanto una scoria più grande delle altre viene lasciata intatta e possono emergere così reminiscenze di una musica familiare (la chitarra sincopata simil-Starfuckers in th, il tentativo fallito di elettrojazz di ul e eg). Vengono quindi messi da parte i suoni debordanti precedentemente utilizzati a discapito di atmosfere più sottili e insinuanti. Il disco mantiene sì un’impostazione rock ma sfocia in definitiva in intricate trame elettroacustiche che danno vita a piccole sinfonie avanguardiste e minimali. Non vogliamo più suonare jazz, l’abbiamo fatto in passato ma adesso ci va di fare altro; con Bavards volevamo un disco propriamente free jazz e quindi chiamammo Christoper (Cauley, ndr) al sax in modo che suonasse potente come Ornette Coleman o Jimmy Lyons; in seguito abbiamo deciso di essere più sperimentali, alle prese con vere e proprie textures strumentali.

Nell’atto di creazione si combinano fattori contrapposti, l’elettro e l’acustico così come l’analogico e il digitale: Io e Michel siamo soliti trafficare più col digitale e con i computer mentre Bernard è quello più predisposto ad utilizzare apparecchiature analogiche. Ma il suono digitale spesso non è puro perché ci piace anche sperimentare convogliando il digitale in apparecchiature analogiche.

Il successivo Grain, uscito nel 2002 sempre per la Ambiances Magnétiques, mostra dal punto di vista stilistico dei cambiamenti di non poco conto; maggiore è infatti l’uso di elettronica, complice la partecipazione di Christof Migone e Sam Shalabi alle prese con i computer. Il disco è dominato da particelle free di elettronica che proprio non riescono a seguire percorsi lineari (fer (huilé); fonte sur cuivre jaune); ci si perde come in un labirinto senza uscita e così è inevitabile che nel disco si alternino momenti diversi tra di loro: attimi di ironia glitch (fonte sur plomb; fer sur plomb) sono contrapposti a sprazzi di rumore e scorie industrial (fer blanc sur frêne; fer pour bronze): gli ospiti di Grain hanno determinato lo spostamento del nostro suono in una direzione più elettronica; ci è sempre piaciuto suonare con gli amici, soprattutto, per quel che mi riguarda, con Migone e Shalabi che sono i miei migliori amici. Grain suona diverso perché è stato composto in maniera differente da come eravamo abituati: esso è stato prodotto durante una settimana trascorsa in una casa in campagna con gli amici. È più elettronico perché abbiamo voluto trafficare con computer e processing e soprattutto abbiamo lavorato tutti e tre separatamente; uno di noi ha creato un qualcosa che è stato successivamente elaborato da un altro e poi da un altro ancora, al contrario di Muets e Chicken che invece sono suonati totalmente live. Per Muets in particolare abbiamo voluto ottenere un impatto fisico.

E così arriviamo al nuovo disco, Chicken, che segna il distacco dall’Ambiances Magnétiques in favore dell’emergente etichetta che lo stesso Michel F Côté condivide con Fabrizio Gilardino, autore tra l’altro dei bellissimi artwork di tutti i dischi del trio: l’Ambiances Magnétiques sta in giro da parecchio, noi li rispettiamo e siamo sempre grandi amici, ma lavorare per loro significa anche identificarsi con un certo tipo di suono mentre noi cercavamo contesti differenti; non sarebbe stato possibile infatti nemmeno uscire per l’Alien8 che è, se vogliamo, più ‘trendy; ci sentiamo fuori da tutto questo. L’Ambiances Magnétiques avrebbe gradito pubblicare il nuovo disco e per noi non è certo facile privarsi dei servigi di una grossa label ma volevamo provare con una nuova etichetta; ci piacciono le sfide. Non penso che ci saranno degli svantaggi dal punto di vista delle vendite perché anche prima non è che avessimo tutta questa popolarità anzi, non abbiamo mai venduto molto e quindi non ci sono grossi rischi in tal senso; poi, insomma, per farla breve, la &records è la label di Michel e Fabrizio e quindi ci è sembrato naturale pubblicare Chicken per loro. Dopo l’elettronica di Grain, il nuovo disco mostra un ritorno ai suoni di Muets; i due lavori possono infatti considerarsi collegati e non a caso sono anche gli unici lavori dove i tre non si servono di ospiti esterni ma lavorano esclusivamente in proprio. Il metodo di composizione di Chicken è diverso dagli altri anche se ci sono molte similitudini con Muets; Chicken è stato composto con Michel che suonava un piccolo kit di batteria, oggetti e computer, io al canto e al contrabbasso e Bernard con chitarra ed elettronica; il tutto è stato poi processato al computer. Per il futuro abbiamo intenzione di continuare a lavorare in questo modo. Anche questo è un disco suonato live, una dimensione che abbiamo intenzione di esplorare a fondo nel futuro facendo molta attività dal vivo; non è certo facile esibirsi ed avere un buono riscontro di pubblico per chi non è così trendy come gruppi del calibro di Godspeed You! Black Emperor: adesso stiamo organizzando un tour e speriamo che Chicken costituisca un punto di partenza per una intensa attività live.

Chicken è anche il disco in cui fa capolino, per la prima volta, la voce. Prevalentemente è Alexandre St-Onge che si occupa di questo aspetto ma un contributo, seppur in maniera minore, è dato anche da Michel F Côté. Non aspettatevi però una voce e un cantato tradizionale: si tratta piuttosto di aborti di vocalizzi, distorti e filtrati, che si cuciono alla perfezione nelle trame sonore al pari di un vero strumento. Come in Muets anche stavolta ci troviamo di fronte un Frankenstein sonoro con la sola differenza che in questa occasione il suono è leggermente più ‘massimalista’ e ‘rock’del suo predecessore; più nitido il legame con i Starfuckers/Sinistri (a cui li avvicino soprattutto perché considero entrambi i gruppi il top in assoluto) nei momenti dominati dalle chitarre taglienti e dai ritmi singhiozzanti (wawawo). Il disco vive di momenti altissimi come nelle sovrapposizioni tra minimal-batteria, elettronica e riverberi di chitarra (roken dodelijk) o il non-jazz di annie prima o ancora la festa di percussioni in instrumental III.

Chicken è il mio lavoro preferito insieme a Undo (disco in cui Alexandre suona con Christof Migone, uscito nel 2000, per la personale label Squint Fucker press, ndr) e al recente disco di Sam Shalabi, e non lo dico perché è l’ultimo che abbia fatto, come si usa sempre fare, ma perché lo penso realmente. Per quanto riguarda la voce invece: mi piace cantare in un contesto astratto, non come un songwriter classico, ma, ad esempio, come gruppi tipo Wolf Eyes di cui apprezzo moltissimo l’ultimo disco su Sub Pop o i Black Dice; essi suonano come fossero una rock band ma in contesti non usuali per il genere ed anche per questo possono dar vita a pareri contrastanti sulle loro qualità o a creare spaccature nel pubblico. Nel lavorare sulle parti vocali sono stato influenzato anche dai lavori di Pierre Henry e Henri Chopin di cui ho sempre apprezzato la creazione di fragili melodie vocali innestati su contesti di musica astratta. Quella delle influenze è un discorso interessante: difficile rilevarle per chi non sia totalmente dentro la loro musica, e quindi per tutti coloro che sono al di fuori della band. Bataille ha certamente ispirato il mio modo di suonare e credo proprio che il bello dei Klaxon Gueule sia quello di convogliare nei nostri lavori le svariate influenze che ognuno di noi ha nel proprio background; forse è per questo che non si riesce a collegare il nostro suono a qualcosa di preciso; ad esempio, Michel ritiene che nella nostra musica ci sia qualcosa che ricordi i primissimi Residents.

Per finire, il futuro riserva una serie di esibizioni dal vivo, non solo con i Klaxon Gueule ma anche con altri progetti, tra cui uno di questi messo in piedi da Alexandre con Roger Tellier dei Fly Pan Am in cui suonare più rock e con canzoni nel senso tradizionale del termine; poi ancora, c’è da scommettersi, nuove uscite per le loro etichette personali e chissà quant’altro ancora.

From Montréal, Klaxon Gueule are a trio that have roots in free jazz avantgarde and here play improvised ambient noise through sampling unorthodox uses of live instruments and processing those sounds electronically. Textures are minimal but still very interesting, often of the ambient random percussive sound variety. Mood-wise, most tracks are creepy as hell and scare the shit out of me, like I’ve entered an endless field of mutilated dead babies with nothing on the horizon except a sky washed in charcoal. Very fucking cool and very well executed, with no trouble maintaining my attention. Great!!!

Les Fêtes approchent. Vous vous demandez quoi offrir en cadeau cette année? Vous cherchez le truc original, ce qui étonnera et fera plaisir? Pourquoi ne pas élargir les horizons musicaux d’un être cher, d’une collègue de travail ou d’un cousin que vous n’avez pas vu depuis le dernier Noël. Voici une sélection toute personnelle d’idées cadeaux pour initier quelqu’un (ou vous-même, on peut bien se faire plaisir!) à la musique actuelle.

La chanson

Cela peut paraître un peu simpliste, mais tout le monde apprécie une bonne chanson. Cela dit, nous n’avons pas tous la même définition de ce qu’est une bonne chanson. Et les artistes du catalogue de DAME prennent beaucoup de liberté avec cette forme musicale, c’est d’ailleurs ce qui rend la chose si excitante. Frank Martel et Tomás Jensen sont des chansonniers au verbe ludique et à la musique intemporelle, chacun à sa façon (les amateurs de Richard Desjardins ou d’Urbain Desbois y trouveront leur compte). Et les Chansons d’un jour de Geneviève Letarte plairont à quiconque recherche une chanson au texte poétique et à la mélodie intelligente et accessible. Pour les rockeurs dans l’âme, Locomotive d’André Duchesne (des riffs à fond de train) demeure un classique.

Castor et compagnie de Joane Hétu a déjà un côté plus pernicieux avec ses textes sensuels (voire érotiques) et ses moments de douce folie, une folie qui s’accentue dans le rock déconstruit du groupe féminin Justine: leur premier album, (Suite), tient du rock progressiste, alors que le second, Langages fantastiques, fait plutôt dans la chanson à haute teneur en improvisation. Comme va-tout, la compilation Chante! 1985-2000 offre une vaste sélection de chansons tordues et touchantes.

La fête

Moment de célébration, de carnavalesque, de transgression des interdits, la fête est aussi musicale et donne lieu dès lors à une distorsion des règles couramment admises. L’Orkestre des pas perdus insuffle à la musique de fanfare un air de cirque actuel, un R ‘n’ B (rhythm ‘n’ brass, bien sûr) qui rafraîchirait n’importe quelle parade. Son cousin Les Projectionnistes (les deux projets sont pilotés par Claude St-Jean) remplace le cirque par le rock et de fanfare fanfaronne la section de cuivres se transforme en funk frénétique. Pour sa part, la Fanfare Pourpour troque le caractère officiel des costumes de parade pour la spontanéité d’une fanfare de rue, une musique pour Tout le monde qui ne s’abaisse pas au plus petit dénominateur commun.

Dans le même esprit, mais en ajoutant un côté est-européen et une imagination débridée, le groupe Interférence Sardines (qui compte en ses rangs deux membres du groupe néo-trad Les Batinses) brasse fort. Jean Derome et les Dangereux Zhoms adoptent un angle plus jazz avec un côté frivole qui pousse parfois jusqu’à l’exubérance. Les trois albums du groupe sont hautement recommandables, mais Carnets de voyage demeure un excellent point de départ. On trouve le même esprit de démesure et d’émotion pure dans La boulezaille (Pierre Langevin et Pierre Tanguay) et Plinc! Plonc! (Jean Derome et Pierre Tanguay), des disques où s’entremêlent improvisation, musiques du monde, jazz et fantaisie libératrice.

Et pour aller plus loin

Mais peut-être voulez-vous allez plus loin et donner le goût d’une musique actuelle plus audacieuse et abstraite? Voici quelques suggestions de musiques improvisées et électroniques.

Martin Tétreault est l’un des artistes expérimentaux les plus fascinants en ce moment. Son utilisation du tourne-disque projette 45 questions par minute. Son récent disque Parasites avec Diane Labrosse pose la loupe sur de petits bruits inquiétants. Et sa nouvelle collaboration avec le Japonais Yoshihide Otomo, Studio — Analogique — Numérique, offre une musique de recherche étonnante dans une présentation originale: un coffret de trois mini-disques compacts.

Actif sur la scène des musiques d’avant-garde depuis le début des années 70, Fred Frith demeure le favori de plusieurs amateurs du genre. Les deux albums de son Fred Frith Guitar Quartet (avec René Lussier, Nick Didkovsky et Mark Stewart) sont essentiels. DAME offre aussi les titres de son étiquette Fred Records.

L’un des premiers groupes de l’écurie DAME à s’être tourné vers l’improvisation électroacoustique, Klaxon Gueule donne dans les textures bruitistes et le plaisir exigeant. Les albums Muets et Grain ont été acclamés par la critique internationale. Mentionnons aussi la compilation Ohmix, un projet électronique audacieux où une brochette d’artistes (dont Martin Tétreault, David Kristian, John Oswald, Terre Thaemlitz et Ralf Wehowsky) remixent les disques de l’étiquette Avatar.

Enfin, au lieu d’envoyer les habituelles cartes de souhaits, je vous suggère les cartes postales sonores de l’étiquette Ouïe-Dire, des cartes accompagnées de mini-disques compacts. Et bon temps des Fêtes!

Après Bavards (AM 052) et Muets (AM 076), voici Grain. D’un trio instrumental classique (guitare, basse, batterie), Klaxon gueule a glissé vers l’électro expérimentale pure et dure. Muets avait, avec timidité certes, brillamment ouvert la voie. Grain le confirme bel et bien: nos trois canadiens travaillent et pétrissent le son dans le silo métallurgique d’une musique contaminée et déchaînée. S’il nous semble percevoir, ici et là, quelques réminiscences instrumentales (une guitare dans Fer-huilé; un slap de basse électrique dans Fer pour bronze), Michel F Côté, Bernard Falaise et Alexandre St-Onge cultivent cet art du grouillant et du chaos, inhérent à ce genre de musique. Mais avant tout existe le mouvement, qu’il soit large, ample ou resserré jusqu’à l’asphyxie. La lenteur est de mise dans Fonte sur cuivre jaune (un son, un seul, troublé par quelques brisures parasites), les machines folles s’activent dans Fer blanc sur frêne, les dispersions métalliques et autres froissements asymétriques s’imposent dans Fonte sur plomb. Bref une musique mutante, grouillante, parfois imperceptible mais toujours passionnante.

Montréal-based Klaxon Gueule began their radical transformation from free-jazz improvisation troupe to free-form electroacoustic manipulators with 1999’s release of Muets. Grain journeys even deeper into the strange world of Canadian avant-garde, presenting another round of enticing sonic arrangements far removed from conventional music’s standard structures and tempos.

The Klaxon crew chose the unusual surroundings of a Québecan barn in which to record their third release. This organic environment adds a unique element to the music; just as the humble barnyard surroundings seem to contradict Klaxon’s complex music, so too do each member’s particular choices of instruments. Côté, Falaise and St-Onge aren’t huddled around computers and keyboards, creating these strange crackles and eerie hums; rather, the trio employs a traditional ensemble of percussion, guitar and bass to create its electroacoustical pieces. Guests Sam Shalabi and Christof Migone add tastes of true electronics, but they only appear on a few tracks, leaving the ensemble’s core members to create some truly amazing and inspiring sounds with analog instruments we thought we knew.

Gently cascading pieces make up the majority of Grain. Klaxon relies on subtle changes and false security to convey its colorful moods and unique perspectives. In Orme sans enduit’s shimmering opening, a tweaked guitar sets a casual rhythm as ghoulish gasps peek in from behind the high-pitched notes. Close the blinds, turn off the lights and let your mind roam. Orme…’s horror-movie soundtrack sound will leave you at the mercy of your own imagination; try not to freak yourself out too badly.

Fonte sur plomb’s metallic title filters into the music. Sporadic percussion bumps and skronks like a dilapidated subway car crawling down the tracks. Giggling guitar notes are unexpectedly replaced by angry chords, only to rapidly dissipate as the car makes its way into the next tunnel. Like Fonte sur plomb, Fer sur plomb continues the metal motif with a linear progression of rattled percussion, warbling guitar and harrowing crackles. It’s almost impossible to tell what sort of instruments are generating these incredible sounds, which makes the track as much an academic exercise as it is an intriguing manifestation of musical innovation.

Shalabi and Migone make their first appearance on Fer blanc sur frêne, roaring to the forefront with a haywire blast of computer buzzing. Klaxon Gueule is at its most unbalanced and frenetic here, rapidly injecting simultaneous aural stimuli between the bleeping machines. An abrupt stop is met with another round of noisy pollution that spirals the tune toward an explosive ending. The electronic interjections on Fer pour bronze (are you recognizing a pattern to the song titles yet?) are more controlled, suggesting what Current 93 could have become with a more liberal exploration of sound. Migone relies less on abrupt discharges, preferring a more methodical approach that employs some unusual gadgetry to create a post-apocalyptic soundscape. Droning notes slither between snaking guitar lines, eventually coming together into a chaotic climax. Analog and electronic have indeed found a common ground.

Listening to Grain in its entirety is flabbergasting; Klaxon Gueule’s stimulating sounds can be truly inexplicable. The group is adept at gracefully enticing the listener, gently leading the curiosity seeker into the electroacoustic stables. Forget your preconceptions about avant-garde music and shrug off your need for simple rock rhythms; Klaxon Gueule has just the right combination of quirkiness and meticulous song-sculpting chops to create a remarkable aural treat, impressive to musicians and music fans alike.

Alors que nous entamons cette série d’articles sur divers thèmes en rapport avec la musique de notre catalogue, pourquoi ne pas commencer avec le plus difficile à cerner des artistes du collectif Ambiances Magnétiques, le prolifique et éclectique batteur Michel F Côté.

Membre tardif d’Ambiances Magnétiques (il se joignit au groupe en 1988), Côté se plaça lui-même d’emblée en exergue, au sein de groupes à géométrie variable. On put l’entendre pour la première fois dans le premier album de Bruire, Le barman a tort de sourire, une boîte à surprise avec pas moins de 14 musiciens invités. Bruire est le très poétique groupe-projet de Côté, dans le cadre duquel il joue avec les codes de l’avant-garde, de la chanson et de la musique d’ambiance. Cet album inaugura d’ailleurs une trilogie qui se continua de manière toujours plus mature avec Les Fleurs de Léo, pour conclure avec l’inoubliable L’âme de l’objet. Ce voyage en trois étapes nous aura permis d’entendre des collaborateurs tels que Geneviève Letarte, Jerry Snell, René Lussier, Ikue Mori, Claude St-Jean et Jean Derome, tous contribuant à nourrir l’imagination fertile du batteur.

Il fallut plus de six ans pour entendre un nouveau projet de Bruire, celui-là fort différent: Chants rupestres, quatuor d’improvisation avec Jean Derome, Normand Guilbeault et Martin Tétreault. C’est qu’entretemps, Côté s’est adonné à des activités passablement plus… déconstruites. On peut en voir les premières séquelles dans une collaboration avec Diane Labrosse, un CD quelque peu obscur, justement intitulé Duo déconstructiviste. Et si le premier disque (double) de son nouveau projet Klaxon Gueule, Bavards, garde une énergie «rock» très reconnaissable, c’est ce projet qui poussera Côté dans ses retranchements les plus abstraits.

Car le moins que l’on puisse dire, c’est que la sortie de Muets, joli brûlot minimaliste complètement à l’opposé de Bavards, en surprit plus d’un. Il faut dire que ce disque, paru en 1999, était déjà plus en phase avec son époque que le Duo déconstructiviste qui était, en rétrospective, peut-être un peu trop en avance sur son temps. Mais ce changement était également dû à l’évolution esthétique du contrebassiste, Alexandre St-Onge, qui, d’un jeu relativement «classique», se tourna du jour au lendemain à une approche autrement plus conceptuelle de l’instrument. Côté et le guitariste Bernard Falaise le suivirent allègrement dans cette direction. Leur dernier disque en date, Grain (enregistré en compagnie de Sam Shalabi et Christof Migone), confirma cette tendance tout en la poussant plus loin encore dans la sophistication, faisant de cette œuvre l’une des plus abouties du corpus de Côté.

Mais le batteur ne s’arrête pas là et retontit encore là où on ne l’attend pas. Ainsi, avec Éric Bernier et Guy Trifiro, il crée un nouveau groupe, Bob, dont le nouveau disque, Unstable Friends, vient tout juste de paraître. Sous une pochette plutôt déviante et très attrayante se profile une sorte de retour à la «pop» bizarre des débuts de Bruire! On connaît également l’existence, à travers les branches, d’un nouveau projet intitulé Mecca Fixes Clock (on y reconnait en tous cas les initiales du compositeur!) lorgnant davantage vers l’ambient orchestral. Côté reviendrait-il donc à ses premières amours?

S’il est si ardu de dresser un portrait de Michel F Côté musicien, c’est peut-être aussi que son activité s’étend au-delà de la musique comme tel. En effet, il n’est pas rare d’entendre notre protagoniste au théâtre et à l’art performance, notamment en compagnie de Robert Lepage et de Catherine Tardif. Cette face de son travail trouve son écho sur Compil zouave, seul disque édité au nom du compositeur jusqu’à maintenant. Il faut mentionner également que Côté a débuté comme animateur de radio, entre autres à Radio-Canada, et qu’il a également écrit pour la revue Esse.

On peut voir Michel F Côté comme une sorte de baromètre de l’activité du collectif Ambiances Magnétiques à travers les années: aux expérimentations avec la chanson des années 1980 succède l’impro-composition lyrique qui marqua le catalogue AM des années 1990, suivi elle par un type d’improvisation plus extrême, basée sur la présence physique de l’instrument.

It is this reverie induced by Grain from Klaxon Gueule. The album was recorded in a barn and the mostly electronic and homemade percussion sound mosaics offer a barnyard of impressions. In Fonte sur plomb I hear the ducks and roadside traffic of a suburban lake. Fer blanc sur frêne is the fast-paced chatter of an industry of metal-munching machines…

Grain est le troisième album de la formation montréalaise Klaxon Gueule. Enregistré en 2000 (bien qu’il paraisse seulement à la fin de 2002), l’album marque une fois de plus une borne dans l’évolution de la formation. Klaxon Gueule est initialement composé de Michel F Côté à la batterie, Alexandre St-Onge à la basse et Bernard Falaise à la guitare. Au fil des années, la formation est restée la même, mais l’utilisation des instruments s’éloigne progressivement de leur fonction habituelle pour s’intéresser aux textures. Ici, la disparition de l’instrument est presque complète: la batterie est absente, la basse se fait rare et fantomatique, la section rythmique cède le pas à des textures presque uniquement électroniques concoctées par le bassiste et le batteur. Seul Bernard Falaise demeure fidèle à sa guitare. Devenu spécialiste du bruitisme, son jeu se fond à merveille dans ce flot électronique. Au groupe se joignent deux invités: Christof Migone et Sam Shalabi, également à l’électronique (ils sont tous deux complices de St-Onge, respectivement dans les formations Undo et Shalabi Effect, deux formations à forte tendance électronique). Une multitude de sources électroniques donc se rencontrent sur cet album qui est le fruit d’une session d’improvisation remixée par les membres du groupe. Le titre Grain colle à merveille à cette musique toute en textures envoûtante, intrigante, narrative. Les pièces fonctionnent souvent par accumulations: un premier son sert de «drone», de terrain qui rend possible tous les événements, I^es apparitions sur différents plans, différents volumes. Mené par des rythmiciens l’emboîtement des sons est intéressant: les différents échantillons semblent se rencontrer pour briser les pulsations internes de chacun d’eux jusqu’à créer de véritables rythmiques tribales issues de leur confrontation (fer pour bronze). Encore une fois, les KG nous invitent à les suivre dans leur évolution. Ce sont des musiciens qui réfléchissent la musique et qui refusent le «sur place» (leurs albums nous le montrent bien). Cette fois-ci, ils nous emmènent dans des contrées toutes électroniques avec la même habileté qu’ils nous avaient montrée dans leur format instrumental. Un disque intelligent, dosé et brillamment réalisé (enregistré et mixé par les membres du groupe). Reste que certains s’ennuieront de la folie instrumentale de ces trois improvisateurs chevronnés.

Avec Michel F Côté aux percussions, Bernard Falaise à la guitare et Alexandre St-Onge aux contrebasses, Klaxon Gueule est un trio en activité depuis plus de six ans. Grain est le troisième morceau d’une trilogie jamais déclarée, mais commencée avec Bavards et poursuivie avec Muets. On peut imaginer Grain de plusieurs façons: le grain de sable qui vient perturber l’ensemble, ou le grain qui va donner vie. Un album bruitiste réalisé par des musiciens qui ont l’art de faire du bruit délicatement, voire sereinement, peuplé d’étranges fantômes, de sons produits par une guitare préparée aux bourdons. On ajoute à cela quelques pièces totalement dilatées et ouvertes.

The third installment in Klaxon Gueule’s adventures showcases a mature trio that continues to evolve albeit at a slower rate. After the complete transformation that occurred between Bavard and Muets, Grain solidifies the group’s new grounds, expanding its pastures without leaving old ones behind. Michel F Côté, Bernard Falaise and Alexandre St-Onge display some of the highest forms of listening among electroacoustic improvisers. They don’t content themselves with mere textures, however rich and complex they may be. The ten pieces on this short CD (42 minutes) feel like songs. Improvised, they nevertheless sound like they have been structured and polished. To take the music further the trio expands to a quintet on five tracks with the addition of Sam Shalabi and Christof Migone, both on electronics. The two guests have become pillars of the “new” (aka noise-based, electronics-based) improvisation in Montréal and are involved with members of Klaxon Gueule in various other projects. Their integration goes seamless, enriching the music with levels of sound pollution that help mesh individual contributions into a unified group sound without obliterating them. Klaxon Gueule pulls out an impressive balance act between rhythm and texture, forward motion and abstract stillness. Grain is a solid third album, similar but nothing like its older brother.

Beaucoup plus qu’un simple trio d’improvisateurs, Klaxon Gueule est devenu un ensemble électroacoustique à part entière qui cherche constamment à surprendre et à déstabiliser. Sur Grain, Michel F Côté, Bernard Falaise de même qu’Alexandre St-Onge se retrouvent, de nouveau, pour mieux explorer un territoire sonore imprévisible où le microscopique domine. Ces musiciens doués, en compagnie de Christof Migone et Sam Shalabi, concoctent une trame ambiante où le silence ponctue des sursauts très bruitistes. Enregistrées dans une immense grange à Saint-Jacques-le-Majeur, ces pièces s’emboîtent de manière à rendre possible une équation complexe pleine de failles horizontales. Il faut ainsi bien vouloir se perdre un peu dans ces zones organiques afin d’apprécier la recherche aussi intuitive que stimulante de Klaxon Gueule. Une matière dense surgit de cette osmose entre les textures électroniques et l’improvisation plutôt instable. Un concert-lancement aura lieu le 25 septembre à La Sala Rossa, avec des invités tels Martin Tétreault, Frank Martel et Roger Tellier-Craig, lors de cette prestation unique. Surprises garanties!

Le trio Klaxon Gueule lancera mercredi prochain, toujours sur l’étiquette Ambiances Magnétiques, son troisième album. Intitulé Grain, ce plus récent opus poursuit les explorations électroacoustiques entreprises sur le disque précédent, Muets, en les poussant à leur extrême. Si l’on pouvait encore reconnaître des sons d’instruments de percussion et de guitare sur une majorité des pièces de Muets, qui était en complète rupture avec le premier disque du trio, Bavards, la proportion est inversée sur Grain, où le trio de base, composé de Michel F Côté (percussions, MC 505, électronique), Bernard Falaise (guitares) et Alexandre St-Onge (basse, contrebasse et électronique), s’est adjoint les services de deux invités sur cinq des dix pièces de l’album afin d’épaissir les textures électroniques. L’explorateur sonore Christof Migone (Set Fire to Flames) est ici en terrain familier, tandis que Sam Shalabi (Shalabi Effect, Detention) laisse tomber sa guitare pour joindre ses transistors au concert de cliquetis. J’ai rencontré Michel F Côté et Bernard Falaise autour d’un bol de café et de quelques verres de cidre afin de savoir ce que nous réserve le concert du lancement.

«Nos trois disques représentent des étapes précises dans la vie de Klaxon Gueule, explique Côté; il y en a eu d’autres, mais qui n’ont pas été documentées sur disque, c’est pourquoi les transitions d’un disque à l’autre ne sont pas forcément fluides. Sur Grain, il n’y a presque plus de batterie; le seul qui soit resté vraiment fidèle à son instrument, c’est Bernard.» Et Bernard Falaise est depuis longtemps passé maître dans la trituration électronique des sons de sa guitare. Ce dernier ajoute: «Lors de l’enregistrement, on savait pertinemment que l’on faisait des improvisations qui serviraient de base à des remix. On a choisi une douzaine de ces impros et, là-dedans, chacun de nous en a pris quatre ou cinq qu’il a remixées en s’octroyant toute latitude. C’est devenu franchement électronique, mais live, ce sera une autre paire de manches, surtout que le disque a quand même été enregistré en 2000. Les choses ont évolué.»

Qui plus est, le trio aura beaucoup d’invités pour ce concert de lancement. En plus de Migone et Shalabi, qui collaboraient déjà sur le disque, il y aura le joueur de platines Martin Tétreault, vieil acolyte de Côté, le sculpteur de sons Jean-Pierre Gauthier, Frank Martel, qui nous a montré ses talents sur cet étrange instrument qu’est le theremin lors du dernier FIJM, et le guitariste Roger Tellier-Craig (Godspeed You Black Emperor!, Fly Pan Am). Bernard Falaise: «On fera une combinaison de pièces en trio, quintette, etc., et au moins une pièce tous ensemble.» Côté ajoute: «Tous les gens qu’on a invités sont concernés assez clairement par l’esthétique de notre dernier disque. Il y aura beaucoup d’électronique sur scène; tellement, en fait, que moi, je vais apporter ma batterie! On a toujours la volonté d’explorer de nouvelles avenues. Le show sera dans l’esprit du disque, mais on est déjà un peu ailleurs.» Chose certaine, ça risque de faire du bruit.