While his previous conceptual works, like Canot Camping, conjured paddling through streams, Jean Derome considers waves and currents of a different kind on Résistances — a paean to the hum, crackle, and fizz of electricity. After receiving its premiere at the 2015 Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville, this work was recorded at the rehearsals and second concert performance at the Gesù Amphitheatre in Montréal in March 2017.

While the technical world of circuits may seem distant from the experience of communing with nature on a camping trip, both works share Derome’s primary modus operandi: find a topic, research its details and how to represent them through sound, invite a diverse group of top musicians to participate, and alternate composed sections with directed improvisation through the use of over 140 hand signals developed and refined over decades of experience.

A group of twenty veterans and relative newcomers to Montréal’s musique actuelle scene contribute to this sixteen-part hour-long work. The musicians play roughly equal numbers of electric and acoustic instruments, including various synthesizers, turntables, electric guitars, and basses, along with woodwinds, horns, strings, and drums. A group sound dominates throughout, and very little soloing. The instruments fuse well, with more textural similarity than one might expect from such a diverse lineup, the acoustic instruments’ extended techniques merging seamlessly with the electronics. Résistances flows through sections that range from minimalistic drones featuring 60 Hz buzzing to swinging big-band movements that positively surge with energy.

Qu’est-ce que vaut la vie si elle est vécue sans faire face au moindre défi? À mon avis, les zones de confort sont faites pour être transgressées, surtout au niveau artistique. Cette nouvelle chronique sur la scène montréalaise se veut l’un des plus grands travaux d’analyse que j’ai eu à effectuer pour le site jusqu’à présent. L’Ensemble ILÉA (Improvisation Libre Électro-Acoustique) nous présentait en février dernier son plus récent album intitulé Multi.Cosmes, une véritable mine d’or qui n’attend que de se faire exploiter par vos oreilles assoiffées de nouvelles sonorités.

Si le terme électroacoustique ne vous est pas familier, il est important de diriger vos attentes dans la bonne direction. Oubliez vos habituels repères, mettez de côté les structures traditionnelles, vous voilà plutôt dans un riche univers parsemé de surprises et de dérives musicales alléchantes. Il est impossible de prédire ou d’anticiper le résultat avec une telle brochette de musicien·ne·s, cette troupe regroupant une douzaine de membres regorge de talent. Les plus assidus en matière de musique électronique expérimentale reconnaitront peut-être quelques noms comme Alexis Langevin-Tétrault et Pierre-Luc Lecours qui font partie du projet QUADr ou encore Charlotte Layec qui a participé à la dernière édition du festival Mutek Montréal en compagnie de ce dernier sous le nom d’Imaginary Landscape.

Avec un alignement aussi nombreux et impressionnant, il pourrait être facile de s’égarer dans une totale discorde musicale. Heureusement, ce n’est absolument pas le cas puisque la cohésion entre tous les participant·e·s du projet est frappante, chaque artiste parvient à se démarquer à un moment où un autre de cet imposant album. Que ce soit par la finesse déroutante de la harpiste Alexandra Tibbitts dans Eclipse.Extinction, par les percussions stupéfiantes de Simon Aliotti dans Noise.Counterpoint ou encore les diverses fresques électroniques forgeant les balises de Multi.Cosmes, l’ensemble dirigé par Kevin Gironnay demeure toujours très pertinent et déstabilisant. Cette sublime complexité est directement responsable de mes nombreuses tentatives d’écoute échouées avant de réellement saisir ce que ce projet avait à transmettre. Dans cette époque de consommation musicale rapide et non attentive, j’ai vite réalisé que cette création ne pouvait pas s’apprécier à sa juste valeur en effectuant une tâche simultanée.

Ce n’est qu’une fois étendu dans mon lit avec mon casque d’écoute lors de ma quatrième tentative que j’ai véritablement eu le déclic. À trop vouloir décortiquer un album, il est possible de s’égarer de la raison principale de notre démarche, se laisser porter par la musique et par la beauté des sons. J’irais même jusqu’à dire que Multi.Cosmes ne s’analyse tout simplement pas, en réalité, c’est plutôt la situation inverse. J’ai alors laissé les cinq titres me transporter dans mes pensées telle une rencontre chez le psy. La richesse de ces compositions a décidément le potentiel de vous guider très loin dans votre subconscient, il y a quelque chose de libérateur qui colle à ce que fait l’Ensemble ILÉA. Est-ce que c’est le genre d’expérience que nous avons envie de vivre sur une base quotidienne, peut-être pas, mais il est impossible de rester de glace face à une aventure sonore de cette envergure lorsque les conditions d’écoute sont propices. C’est une œuvre à réécouter à maintes reprises lorsque vous avez envie de disparaitre pendant une heure, car la surdose d’informations sonores saura toujours vous diriger dans une direction différente et vous faire le plus grand bien.

An enthralling sonic landscape encompassing mercurial harshness, unexpected contours and cultivated accents, Boule Spiel is an affirmation of the textural cooperation among German pianist Magda Mayas and two Québécois musicians, electric bassist Éric Normand of Rimouski, where the session was recorded, and Montréal viola da gamba player Pierre-Yves Martel. Those instruments, along with “feedback, snare drum, objects and speaker” are the only sound-makers listed. But the minimalist tones which blend to create this two-track journey, including keening whistles, string plucks, bell peals, percussive thumps, feedback flutters and oscillated hums, not only make individual attribution unlikely, but at the same time highlight the constant unexpected shifts within the understated unrolling sequences.

Emphasizing atmosphere over narrative or instrumental virtuosity, the trio’s blended output, especially on the more-than-30-minute introductory Lancer, contains enough processed drones, electric bass stops, keyboard patterning and inner-piano-string plucks to vary the aural scenery enough to create a sense of harmonic and rhythmic progress, but without jarring interludes. By the time the concluding Spiegelbildauflösung or “mirror image resolution” fades away, the three confirm how carefully each can reflect the others’ cerebral improvisations. An enlightened sound journey has been reflected and completed, but the details of what transpired individually are impossible to accurately analyze.

In its first twenty years under founders Danielle Palardy Roger and Joane Hétu, Montréal’s Ensemble SuperMusique has established itself as Canada’s most broadly exploratory midsize ensemble (here numbering thirteen), investigating and combining contemporary composition, graphic notation, and collective improvisation. Les porteuses d’Ô presents interpretations of three recent graphic scores, each of which has strongly programmatic content and challenges the ensemble in different ways.

Roger’s En arrivant par le nuage de Oort (2014—15) is a graphic score that resembles conventional notation, creating an ambiguous ground for the members of the ensemble. The work describes a cosmic journey from the Oort Cloud — the ring of comets orbiting the sun at the outer edges of the solar system — to the sun itself. It’s a journey from darkness to absolute light, marked by rising pitch and volume, accelerating events, and an expansion of orchestral colour that grows in intensity throughout its thirteen-minute duration. It’s a singular, initially gradual movement, but the passage through space is marked by sudden flashes of brilliance.

Hétu’s Préoccupant, c’est préoccupant (2015—17) the CD’s centrepiece, is inspired by “various concerns that can insidiously interfere in our lives.” There are four concerns here, two with multiple forms: falling from high (including effervescence and fainting), states (coup d’états and states of mind), bitter oranges (an inspired list of expired foods, among them putrid steak and rancid nuts: the items are called out throughout the work’s duration), and the “tone of your voice.” The musicians follow a sequence of words, drawings and colours, and the piece teems with high spirits, good humour and explosive invention, highlighted by a duet between Hétu (voice) and Jean Derome (alto saxophone).

B.C. composer Lisa Cay Miller’s Water Carrier (2017), is inspired by issues of water rights in Canada and uses mixed materials, including graphic scoring (a checkerboard), standard rhythmic notation, and free improvisation. No detailed programmatic concordance to the work is supplied, but it abounds in unusual textures, including a full-ensemble passage in which Ensemble SuperMusique’s horns and rhythm section sound like a traditional jazz big band, while the strings play contrasting parts from the vocabulary of European high modernism. Other unlikely textures include the opening passage in which grinding, discordant, bowed strings give way to episodic, liquid intrusions from Bernard Falaise’s guitar amid consonant pizzicato passages.

Each of these highly inventive, heterodox works gains immensely from the Ensemble’s precision and improvisatory skills, making the most of these pieces whatever their specific demands.

Montréal composer and sound artist Maxime Corbeil-Perron — who also works extensively with moving images — delivers two instinctive works on this richly nuanced album, one fully composed, the other improvised (but with a rigor that might suggest he’d written everything). Cubic is an acousmatic piece— a purely electronic work that can only be presented through loudspeakers, rather than actively performed — and it draws upon samples from old vinyl records as raw sound objects, although he lassoed surface noise rather than actual music, and while it embraces techno roots, this work eschews any easy stylistic tag. Corbeil-Perron crafts a dynamic series of events and elements — tiny squiggles, quasi-orchestral swells that conjure deep space, and violent sound flashes — to create an almost filmic journey. The seven movements of Polychrome were improvised during a residency at Signal Culture in Oswego, New York, and it’s tough to determine the provenance of the fast-moving vignettes with a more austere design than the opening piece, but they’re no less exciting and physical.