actuellecd

Blog

Kritiek

Ben Taffijn, Nieuwe Noten, April 2, 2022
Monday, April 11, 2022 Press

De invloed van John Cage op de hedendaags gecomponeerde muziek kan moeilijk worden overschat en in tegenstelling tot veel andere grote namen uit de vorige eeuw wordt zijn muziek nog opvallend vaak uitgevoerd, met als hoogtepunt de vorig jaar verschenen box van Apartment House met daarop alle zogenaamde ‘Number Pieces’, uitgebracht door Another Timbre. Maar er is meer. Ook Quartetski bracht onlangs twee ‘Number Pieces’ uit, bij Ambiances Magnétiques, te weten Four6 en One7 en bij Naxos verscheen vorig jaar de Cd American Percussion Works waarop Percurama onder andere ‘First Construction (in Metal) ’ uitvoert.

Apartement House nam dertien stukken op, ze komen hier morgen aan bod, in een bezetting tussen vijf en dertien leden (het eerste getal van de ‘Number Pieces’ duidt op het aantal uitvoerenden, het tweede op de volgorde binnen de stukken voor die bezetting. ‘Four6’ is dus het zesde stuk in een bezetting voor vier musici), Four6 en One7 vallen daarbuiten. Soms schreef Cage een stuk specifiek voor een instrument, meestal liet hij het echter open, iets dat ook geldt voor de twee stukken die Quartetski hier uitvoert. Four6 dat hij schreef in 1992, het laatste jaar van zijn leven heeft als aanduiding ‘four performers’. Het geeft dit bijzondere kwartet, bestaande uit percussionist Isaiah Ceccarelli, rietblazer Philippe Lauzier, Pierre-Yves Martel actief in de weer met de viola da gamba en diverse objecten en gitarist Bernard Falaise, de mogelijkheid Cage’ materiaal maximaal naar hun hand te zetten. De combinatie van percussie, objecten en rietblazers, viola da gamba werkt perfect, evenals die van akoestische en elektronisch, de elektrische gitaar van Falaise. One7, uit 1990, was dus bedoeld voor één instrument, keuze vrij. Dit kwartet houdt zich er niet aan, al klinkt het hier wel als een onlosmakelijke eenheid, waarbij met name die prachtige wolken van klank opvallen. Niet helemaal conform Cage’ wil, maar wel heel mooi gedaan.

This quartet […] sounds here like an inseparable unit, the beautiful clouds of sound being particularly striking.

Kritik

Frank P Eckert, Groove, March 16, 2022
Monday, April 11, 2022 Press

Die thematischen Cluster, die sich hin und wieder aus dem mal absichtlich gesuchten, mal eher zufällig und glücklich scharfgestellten Fokus auf bestimmte Szenezusammenhänge und Länder ergeben, beschränken sich gerade nicht nur auf Jazz. Im frankophonen Teil Kanadas arbeitet etwa der Komponist Isaiah Ceccarelli an einer hochinteressanten Transformation neutönender Orchestermusik in großer Besetzung zu minimal und intim wirkenden, mitunter sogar Dark-Ambient-nahen elegischen Drones, die ohne jegliche Nostalgie nach der Disruption auskommen, die sich die Neue Musik einmal vorgenommen hatte, und dennoch nicht zu neoklassischer Einfalt drängen. Toute clarté m’est obscure (Ambiances Magnétiques) kommt so bei einer rauen, schartigen Schönheit an, wie sie etwa Pan Daijing vom Noise herkommend vor Kurzem ganz ähnlich für sich definiert hat.

Isaiah Ceccarelli at a highly interesting transformation of neo-tonal orchestral music in large instrumentation to minimal and intimate…

Kritik

Frank P Eckert, Groove, March 16, 2022
Monday, April 11, 2022 Press

Die Kompositionen des US-Amerikaners Tom Johnson haben eine ähnliche Qualität. Vom Montréaler Streichquartett Quatuor Bozzini eingespielt, haben die Tom Johnson: Combinations (Collection QB) durchaus einen modernistisch neutönenden Charakter, finden aber in aller Grenztonalität doch immer wieder zu Songs von melancholischer Schönheit zusammen.

… songs of melancholic beauty.

Review

Stuart Broomer, The WholeNote, no. 27:5, March 4, 2022
Monday, March 21, 2022 Press

It’s free improvisation of a rare, sustained and tranquil beauty.

Review

Robert Steinberger, Vital, no. 1326, March 8, 2022
Thursday, March 17, 2022 Press

Ensemble SuperMusique is a small Canadian orchestra focussing on contemporary and mainly improvised music. Joane Hétu is a member of the ensemble and has composed the first piece that is presented here, Cléo Palacio-Quintin and Viviane Houle being the other two composers. All three pieces were created as an interplay between musical score and moving images. Essentially, if I understood correctly, the score itself was the moving pictures. As Danielle Palardy Roger rightly remarks in the liner notes, the visual part is lost in the audio recording. Supposedly it lives on in the music, but this would not be discernible to the listener. The title of the release, Sonne l’image = ’Sound the image’ (even better in English, due to the ambiguity it introduces), maps out the concept. All compositions were recorded in one set in Nov 2019.

La vie de l’esprit (Hétu) kicks off with a vocal part then moves into a thoughtful piece of interaction between piano and strings or wind instruments and percussion. The music erupts into hectic parts that involve more instruments from time to time (why is not known to us). With nearly 15 minutes in length, the piece builds little tension as it moves between the quiet and intense parts with little musical motivation. Fewer instruments and more tension might have been beneficial to the audio side of this event, though I did like the interplay with the electronic sounds and voices in the last third. Aléas: Révélations des pierres muettes (=revelations of mute stones) (Palacio-Quintin) creates the tension by starting and ending drone-like with a deep, vibrating tone that is then overlayed with sparsely set notes, then whispered voices are added. Instruments drop more notes here and there as the level builds and the whispers become audible voices. And then everything subsides again into the drone. I can, actually, conjure up imagery for this one. First Words (Houle) also uses voices (is this maybe the connecting element?) in a more ’instrumental’ way than the other two compositions. Again, there is more consistency in the piece. It moves from vocal beginnings to wind, wind instrument, percussion, sinewave generator, strings and others playing phrases, not just single notes, with the different instruments participating in creating a continuous backdrop from time to time (well balanced, not too often) interrupted by outbursts. The nicest one is the drum solo in the second half. It ends with a beautifully balanced succession of solo vocal, flutes, a racket of everyone, ebbing off into to flute melody.

It ends with a beautifully balanced succession of solo vocal, flutes, a racket of everyone, ebbing off into to flute melody.

Critique

Philippe Desjardins, Le canal auditif, March 14, 2022
Thursday, March 17, 2022 Press

Ora est le nom que porte la collaboration entre les artistes sonores montréalais / Tiohtià:ke Stéphanie Castonguay et Maxime Corbeil-Perron, les deux actifs sur la scène expérimentale internationale depuis plusieurs années. Castonguay a développé son propre univers en musique DIY, à démonter de petits appareils électroniques pour modifier les circuits de manière à générer de la matière sonore, et des trames musicales technologiques. Corbeil-Perron a commencé par se démarquer en composition électroacoustique, et plus récemment en réalisation de vidéomusiques et animations expérimentales, en explorant les liens entre les technologies obsolètes / vintage et contemporaines.

Dans le cadre de Motile cilia (cils motiles, en biologie cellulaire), Castonguay est aux commandes de générateurs et senseurs de champs électromagnétiques et de synthétiseurs, tandis que Corbeil-Perron performe sur la guitare et le piano préparés, la boîte à rythmes et plus de synthétiseurs. Dans ces conditions, on se doute que le résultat soit expérimental, mais on découvre dès la première écoute un flot, un fil conducteur qui réunit le rock expérimental avec des connectiques trafiquées pour mener à une trame immersive post-industrielle.

La performance se matérialise en forme de filaments de vielle à roue qui s’épaississent, et se regroupent à l’unisson pour ensuite se décupler en chœur de guitares pleureuses modifiées en sirène de train. La masse s’ancre dans le sol avec un bourdonnement dans les basses, comme un avion qui plane au-dessus, mais résonne en dessous. Les percussions marquent une transition vers une séquence un peu plus bruitée, ponctuée par une alarme répétitive et un effet de polissage de fréquences.

Ça se poursuit dans une direction complètement expérimentale et imprévisible centrée sur l’alarme, devenant presque agressive rendu là, jusqu’à un point de rupture qui se résolve à l’orgue. La guitare désaccordée remplace le tout dans un solo épique célébrant l’inharmonie dans toute sa distorsion.

Le mouvement fait place à une pulsation sur deux notes qui résonne en avant des filaments de vielle à roue entendus au tout début. Ça devient étonnement mélodieux à partir du mouvement au piano qui équilibre la pièce entière et résout le thème en finale méditative.

C’est ce que l’on retient en premier lorsque Motile cilia se termine, la conclusion très réussie d’un flot qui passe par différents points de tension, dont un particulièrement déconstruit. On en ressent certainement une satisfaction bien que la qualité de la création donne envie qu’il y ait une suite, tel un Shine on you crazy diamond post-toute. Néanmoins, la performance se tient très bien à elle seule et donne un aperçu captivant de ce que le duo peut créer comme univers sonore.

… la qualité de la création donne envie qu’il y ait une suite, tel un Shine on you crazy diamond post-toute. […] donne un aperçu captivant de ce que le duo peut créer comme univers sonore. 7.5/10