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Critique

Mathieu Aubre, Le canal auditif, March 4, 2021
Tuesday, July 13, 2021 Press

L’histoire d’amour musicale entre Joni Void et N NAO se poursuit avec ce nouveau volet de leurs collaborations, faisant suite à un premier album particulièrement réussi sur l’étiquette française Laaps et un simple paru dans le cadre de la série Corona Borealis de Constellation Records. On les retrouve aujourd’hui avec leur production la plus étrange et aride à ce jour; L’oiseau chante avec ses doigts, publié par l’écurie locale Mikroclimat.

Les premiers instants mettent la table: nous allons explorer un pays aussi psychédélique et onirique que celui Alice, mais les merveilles en moins. Après 10 minutes de chaos sonore et d’échantillons de Disney qui pourront malheureusement en décourager plusieurs d’entrée de jeu, le calme arrive enfin via la voix vespérale de Naomie. On s’adresse plus clairement à un public d’initiés qu’à monsieur-madame tout le monde, ce qui n’est pas non plus négatif en soit.

Insomnie propose par la suite l’un de mes segments préférés de l’album avec ses échantillonnages d’orgues pour ensuite s’ouvrir sur une proposition vocale particulièrement bruitiste et angoissante. C’est ici que le duo est au sommet de sa forme à mon avis: lorsqu’il se retrouve dans l’improvisation pure et en pleine cohésion. La finale de la chanson suivante puis le début de l’autre nous offrent un moment si sublime qu’ils nous donnent le goût sans cesse de faire rejouer cet enchaînement. Ce sera finalement le calme avant la tempête, puisque l’album redeviendra par la suite de plus en plus électronifié et confus. Le reste de l’offrande se termine un peu comme elle a commencé: planante parfois, mais aussi brutaliste et fort cryptique.

Ce que je me permets de reprocher à cet album, c’est son manque de finalité interne. On a de la difficulté à cerner quand commencent et se terminent les segments de l’album et le duo ne souhaite visiblement pas non plus nous amener d’un point A à un point B. C’est un choix qui peut se défendre; n’oublions tout de même pas qu’il s’agit d’un patchwork, d’un collage musical surréaliste, une technique dont Joni Void et N NAO se revendique tous les deux sur chacune de leurs publications collaboratives à ce jour. Le résultat se veut au final une évocation d’un rêve conscient, parfois doux, parfois plus cauchemardesque et psychotique, mais dans lequel on se perd complètement.

C’est juste qu’ici, ça finit parfois par être pleinement confus. Les idées fusent en tous sens et il manque peut-être un fil conducteur plus facilement intelligible pour tout unir dans la tête de l’auditeur désoeuvré. Du moins, quelque chose de plus que des extraits d’ Alice au pays des merveilles. On sent plus d’improvisations que sur l’excellent Nature morte, où tout était presque mathématique, organisé graphiquement et conçu comme une boucle sans fin. Non, ce nouvel opus veut nous dérouter et c’est réussi, mais aurait beaucoup mieux fonctionné dans le cadre d’une performance live devant public. De voir les deux artistes à l’œuvre aurait permis de mieux comprendre leurs idées, leurs cheminements de pensées dans l’élaboration de ce monument aussi étrange qu’hypnotique. L’écoute seule se révèle malheureusement plus exigeante.

Ceci dit, il ne faut pas ici tirer de ces critiques un constat d’échec. C’est le propre d’un projet d’expérimentation pure et d’improvisation que de nous laisser parfois un document moins au point que les autres. Le duo pourra se permettre de repartir sur des bases toutes aussi désorientantes et captivantes sur leur prochain projet; Jardin, le deuxième volet du diptyque entamé avec L’oiseau chante avec ses doigts que l’on a déjà très hâte d’entendre.

… nous offrent un moment si sublime qu’ils nous donnent le goût sans cesse de faire rejouer cet enchaînement.

Review

Ken Waxman, Jazz Word, June 7, 2021
Thursday, June 10, 2021 Press

Adding to its stellar reputation for commissioning and performing experimental notated works, Montréal’s Quatuor Bozzini (QB) interprets five compositions by American composer Alvin Lucier on Navigations. Barbed, dissonant and compelling at the same time, these variants on works by the 90-year-old sound explorer have as much in common with traditional string quartet repertoire as Cecil Taylor has with Lang Lang. Formed in 1999, QB’s members — violinists Alissa Cheung and Clemens Merkel, violist Stéphanie Bozzini and cellist Isabelle Bozzini — have fused into a single unit of multiple moving parts. There are no soloists per se, and faithful to Lucier’s vision the timbres often resemble those from a percussion ensemble rather than a string quartet.

This is especially true on Group Tapper where the resonations appear to be created from combining smacks from the bows’ frogs, col legno string slaps and raps on the instruments’ wood to create call-and-response. As hammering moves from one to all players, tempos accelerate, first to presto and vivace, then to metallic sounding prestissimo until the soundfield is crammed with percussive ruffs. While other tracks are devoted to more conventional string strategies, the jagged and near impenetrable tones remain, encompassing hints of detuned scordatura. Detours into wispy and near-vocalized expositions are there, although the concluding Navigations for Strings offers the most bellicose challenges. As the players’ parts combine with layered and thickened tones a horizontal, undulating theme is revealed that becomes a near static, almost unbreakable drone. The climax and respite arrives when the unison strained buzz gives way to single string vibrations.

Formerly QB has created exemplified programs of composition by Ana Sokolović and Phill Niblock among others. Navigations is another defining work.

Navigations is another defining work.

Review

Irwin Block, Avant Music News, May 24, 2021
Thursday, May 27, 2021 Press

The final concert was in many ways a testimonial to the growth and continued vigor of experimental and improvised music in Quebec: In parallel with this festival, which began in 1983, the Montréal-based collective Ensemble SuperMusique was established by three women at a time when avant-garde music was male-dominated. It was launched by Joane Hétu (alto sax, voice), Diane Labrosse, (sampler), and Danielle Palardy Roger (percussion, voice).

They were among the 16 musicians on stage to perform four new compositions that are part of Le fleuve, in tribute to the majestic St. Laurent River that flows through Quebec to the Atlantic Ocean. One piece featured prose declaring that empowering women could make the world a better place. Of the four compositions, saxophonist Jean Derome’s was the most musically rich and complex. The final work by Joane Hétu, which she directed and narrated, was her most accomplished in a long career of pushing musical boundaries — operatic in scope with unexpected instrumental flourishes and shifts, and a fitting end to this year’s impressive lineup.

The final work by Joane Hétu, which she directed and narrated, was her most accomplished in a long career of pushing musical boundaries — operatic in scope with unexpected instrumental flourishes and shifts, and a fitting end to this year’s impressive lineup.

Review

Irwin Block, Avant Music News, May 24, 2021
Thursday, May 27, 2021 Press

Electric guitarist Bernard Falaise, a veteran of many avant groups, filled in with a solo. With an array of pedal-activated devices, he sounded like a small ensemble — ringing bells and going from high tones to bass sounds as he plucked his guitar sitting flat over his knees. He plucked and scraped, extracting a cornacopia of sounds from his axe before ending in a flurry of notes.

Falaise then joined up with Jean Martin (drums and electronics) and Pierre-Yves Martel (electric bass, steel lap guitar, electronics) for an engaging and varied improv session, starting minimally, then deepening and broadening, with a dreamscape evolving into a wall of sound, then fading out, and devolving into something less dense, with scattered single notes. Martel added melodic content when he switched to the steel lap guitar, the music propelled at one point by strong rhythm and counter-rhythms, a balanced and well-developed program of sonic explorations.

… a balanced and well-developed program of sonic explorations.

Critique

Luc Marchessault, PAN M 360, May 15, 2021
Wednesday, May 19, 2021 Press

Un jeune compositeur-improvisateur montréalais trace patiemment sa trajectoire électroacoustique, du cégep de Saint-Laurent au Conservatoire de musique de Montréal, du festival des musiques numériques immersives Akousma à la très courue galerie d’art Greenhouse de Berlin, du festival de musiques improvisées Oooh de Londres au festival Impro Währing de Vienne. Il s’appelle Dominic Jasmin. Son champ d’expérimentation est vaste. Son mode opératoire est à la fois simple et complexe: créer des sons ou repérer du déjà-créé, façonner cette matière — s’il y a lieu —, puis la conjuguer à la composition spontanée. Dans son studio-labo, il combine des sons produits par des objets, leur fait subir un traitement logiciel, puis y juxtapose des sons de synthés et d’instruments acoustiques. La musique qui en résulte constitue, selon les mots de Dominic, du «bruit avec une forme» ou de «l’expressionnisme-maximaliste».

Dominic vient de faire paraître Synergie et parasitisme, un album comprenant quatre longues pièces. L’étiquette Mikroclimat, dirigée par les musiciens et compositeurs Joane Hétu et Maxime Corbeil-Perron, lui sert de rampe de lancement. Dominic Jasmin s’est servi, comme canevas, d’enregistrements provenant des collections d’amis-artistes berlinois. Il a remixé et fusionné tout ça, puis y a appliqué une couche d’improvisation synthétique et divers instruments acoustiques. Ainsi, on entend le violon de Jeanne Côté sur Ça va bien, la première pièce. La guitare de Pietro Frigato résonne sur Il sole, la pietra e l’ombra (Le soleil, la pierre et l’ombre). Sur Dieselfahrradparade (Parade de vélos au diesel?) figurent la clarinette et le saxo d’Edith Steyer. Enfin, Psicosis telepática comporte la voix de Lorena Izquierdo Aparicio et la batterie de Samuel Hall (à ne pas confondre avec le protagoniste misanthrope de la chanson de Bashung), ainsi que les ajouts électroniques d’Eric Bauer.

Corneille (le dramaturge, pas le chanteur) a écrit «À vaincre sans péril, on triomphe sans gloire». Les musicophiles gagnent à écouter Synergie et parasitisme.

Les musicophiles gagnent à écouter Synergie et parasitisme.

Review

Ken Waxman, Jazz Word, May 6, 2021
Monday, May 17, 2021 Press

While this session may at first appear to be a traditional guitar (Bernard Falaise), electric bass (Alexandre St-Onge) and drums (Michel F Côté) creation by Montréal’s Klaxon Gueule, the addition of synthesizers and a computer means it relates as much to metaphysics as to music. That’s because programming alters the sound of each instrument, blending timbres into a pointillist creation that brings in palimpsest inferences along with forefront textures.

A track such as Continuum indifférencié for instance, features a programmed continuum with concentrated buzzing that moves the solid exposition forward as singular string slides, piano clicks and drum ruffs are interjected throughout. In contrast, la mort comme victoire malgré nous finds voltage impulses resembling a harmonized string section moving slowly across the sound field as video-game-like noise scraping and ping-ponging electron ratchets gradually force the exposition to more elevated pitches. Although aggregate tremolo reverb frequently makes ascribing (m)any textures to individual instruments futile, enough timbral invention remains to negate any thoughts of musical AI. Singular guitar plucks peer from among near-opaque organ-like washes on Société Perpendiculaire and a faux-C&W guitar twang pushes against hard drum backbeats on toute la glu.

During the CD’s dozen selections, the trio members repeatedly prove that their mixture of voltage oscillations and instrumental techniques can create a unique sonic landscape that is as entrancing as it is expressive.

During the CD’s dozen selections, the trio members repeatedly prove that their mixture of voltage oscillations and instrumental techniques can create a unique sonic landscape that is as entrancing as it is expressive.