Magali Babin is active on the Montréal sound art scene. Mr Dontigny of the No Type label lets on that it was almost by chance that this CD became the third (or second; the previous one was a double) issue with the No Type logo. Mr Dontigny happened to hear – just days prior to the label’s birth – that Magali Babin’s audio project at the CBC had been cancelled, and that she was looking for other venues of diffusion. As Mr Dontigny says; “the timing could not have been better,” and No Type signed Babin on.

The booklet – displaying the regular high-quality fold-out magnificence that is has in common with empreintes DIGITALes proper – explains that most of the sounds we hear on this set are derived from metallic instruments and objects (instruments being objects made with the specific purpose of being… instruments, while objects were made for other reasons, but demonstrating instrumental qualities as a by-product of their humble object existences… and the third alternative is the case of found objects which could be just natural findings like rocks and ice, which weren’t designed – I suppose… to act as sounding objects, much less instruments… but sound persistently anyhow and anyway!)

Most of the events herein are improvised by Magali Babin, with the exception of track 7, which was “crafted in joyous collaboration with Alain Chénier and Mario Gauthier”, and track 9, which has been mixed with the piece Rain from Ian Nagoski’s CD Warm Coursing Blood.

That said, on to listening!

The beginning is a start, but there is no actual beginning or end to this piece; Triturations… The sliding of rocks over rocks, granite across gneiss, or boulders over rock bottom expanses keeps on keeping on, and to me this sound world is the murmur of Time itself passing through these lonely worlds. The sounds are subdued but grave, humble but terrible – and these minutes of Babin time rubs off on your own calendar, making it obsolete in this vast void of minerals and millennia…

Track 2 – Petit jardin – is more French, more detailed, more microscopic, tingling, trickling and seeping… as little elves and fairies hover in the shadows over at the garden pond – and it makes me recall some worlds by Finnish guru electroacoustician Kaija Saariaho. There is a fair amount of deep wood enchantment in Finnish culture, you bet, and this property shines and shivers inside Petit jardin. Masterly, how Babin builds this dense atmosphere with sparse means in but a few minutes!

La corde is chordal in its attributes, you would have guessed! This comes close to some latter day guitar improvisations by the likes of Ernesto Diaz-Infante and Chris Forsyth, even though I’m certain Babin did not use any guitar. The chordal elasticity and picking pluck feel is ever present, anyhow, and close mikings enhance the experience. It is indeed very nice, almost pick-pocketing, fingers moving about around those mashed up remains of chewing gum wrappings…

Number 4 – Monsieur et madame Watt – sports a thin, droning current of electricity, making me think of Joni Mitchell’s Electricity from For the Roses: “input, output, electricity…,” maybe for the lines that go: “she don’t know the system, plus she don’t understand, she’s got all the wrong fuses and splices, she’s not gonna fix it up to easy, the masking tape tangles, it’s sticky and black…” and so forth, and simply because of this humming current that could easily start emitting sparks and charges all over the room, and Babin’s very peculiar and amiable picking keeps up, like some old maid of the 19th century nervously picking and picking her apron while she waits for a secret lover or hell from her master. Babin’s piece once again gives rise to many fantasies and visions, which in my world is one of the best things I can say about music! Towards the end the electricity gets dangerous! Suddenly I wake up inside a power plant, the electromagnetic force field overwhelming…

5 – E – talks at me through the jerky and stiff jaws of tinplates or slabs of sheet metal, revealing some of the inner psychology of such materials. The metals are like drugged and just recently awakening ants on the inside of the hard matter. It has got to be the atomic jitter I’m sensing in this piece. On the other hand, sometimes this could appear to me like the slow motion rendition of tin can talk; all those truckloads of tin cans traveling all over the Americas, all over Europe, to reach those super market shelves… Is this their small talk in the road?

Havoc is administered on track 6 – L’entonnoir – in the manner of barrels rolling down endless slopes in some painting that Chagall never got around to do… but his age is the time of these events. It might even be winter, and black craws are flying up and fluttering around as the battalion of barrels roll and tumble on down like friendly but helplessly dangerous metallic speed freaks, in vain hoping – yes, thirsting! – for a valley which never comes, since this is the world of never-ending slopes… and the religion of tumbling barrels aims at the valley at the end of barrel existence…

Track 7 –Jogging dans la maison hantée — opens in a tweeting, tweaking manner, elastically, rubbery, forcefully seeping through cracks, emitting molten or mashed matter like hot rubber through the cracks of wooden horizons… The shrill sounds, which are rare here, sort of escape the tough goings-on behind and beyond those coniferous horizons, and the events that are hinted at and revealed in traces and remnants can’t be anything else but creation per se, or maybe a human mind finally at work with changing his views, trying to understand something else, and if so, it’s that something else that keeps tweeting and seeping through those wooden cracks, and I can already smell something; don’t know exactly what. Babin’s imaginative sound worlds are excellent mind tumblers!

Piece number 8 – Ma tribu – indeed conjures up pictures and archetypical memories of village get-togethers down the millennia of the African continent, rising in volume and presence to an almost painful drum dance across the dry, beaten piece of ground in the center of village and ceremony. A wheezing character of the drumming lets on its shamanistic, dream-like state, far on the inside of any real-time here-and-now occurrence, summing up the force and strength om the good medicine of thousands and thousands of years in one, wild, intense drum-beat, lashing out at you from the true state of Time…

The last entry on Magali Babin’s CD is Pluie de homards. First it appears like some early electroacoustic – or rather electronic – piece of ingenuity, but soon it travels into the realm of timelessness that seems to be the breathing air of the composer. The watery property is clear, but it’s massive, as if a closely miked gush of water at high pressure down a tin bucket! The force is magnificent and the speed immense! Overtones and obscure timbres swirl around the running water like a thick layer of gleaming, gleaning grains of sound and light. You name it, we like it!

This No Type release of the sound artist Magali Babin has is a true sonic adventure, revealing true ingenuity and artistic splendor!

Abbondanza di accostamenti di tal tipo la si trova nella doppia compilation The Freest of Radicals edita dall’etichetta canadese No Type, finora attivissima come label online con eccellenti MP3 scarcabili dalla rete (www.notype.com). In oltre due ore e mezza questa sorta di manifesto della nuova elettroacustica casalinga (con digressioni più o meno prevedibili: i contributi di Idmonster e Kanovanik flirtano, ad esempio, con la ballata rocks) allinea soluzioni di ispirazione quanto meno variegata, passando dal dub soffocato e soffocante del genietto Tomas Jirku alle croccanti textures di chitarra preparata, onde radio e strumenti non ortodossi di James Schidlowsky, passando per la proto-electronica di Camp, le delicate melodie di clicks di Claudia Bonarelli e gli intoppi microsonici di Dick Richards. Per la stesso marchio di Montréal esce anche Chemin de fer dell’autrice elettroacustica Magali Babin. Trascorsi nel gruppo femminile d’improvvisazione Les Nitroglycérins e collaborazioni con nomi del calibro di Tétreault e St-Onge, la Babin edifica pregnanti sculture sonore, pellicole acustiche contrappuntate da dettagli e risonanze timbriche ottenute con l’impiego esclusivo di oggetti metallici riciclati o reinventati.

Une fois n’est pas coutume, Solénoïde s’intéresse au cas de… paroliers! En fait, nous avons affaire ici à d’étranges compteurs québécois dont le nom est à lui seul un roman. Sur cet album au titre tout aussi éloquent ce sont violon, contrebasse, accordéon, piano ou encore guitare qui se partagent harmonieusement les rôles. Evoquant à la fois la blessure et l’espoir, ce fantasmatique Hôtel nous immerge dans des ambiances nostalgiques, ambiances désenchantées aux airs de comédie musicale. Mais l’un des grands mérite de ce disque est surtout de réconcilier des domaines aussi éloignés que ceux des musiques nouvelles et de la chanson. En définitive, Chant des adieux, chant de la solitude est une œuvre impressionniste raffinée, œuvre hors du temps et des modes, œuvre aux contours aussi atypiques qu’humains. Un album tout simplement touchant, bien au delà des clivages musicaux habituels.

Les Poules is a 1990 experiment in improvisation and electronic music by figures that later loom large out of the Montréal electroacoustic scene. The female trio is Joane Hétu (alto saxophone, synth and vocals), Diane Labrosse (synthesizers and voice) with Danielle Palardy Roger on percussion and synthesizers. Long out of print from the original LP issue until this CD, the album features abrasive sonic experiments like Les siamoises, Residents-like minimalist electro-pop (Chanson du pain) and synthesizer-fueled electronic free jazz around Hétu’s sax as on En criant su’l’perron. About half the pieces are instrumental and for those that contain lyrics, those words are provided in the French and translated into English.

Un nom évocateur et imagé pour le premier album du groupe Ipso Facto. En janvier 2002, grâce à une subvention du Conseil des Arts du Canada ainsi qu’une bourse de la Fondation du Maire de Montréal pour la jeunesse, Ipso Facto concrétise un rêve: la production de leur premier enregistrement sonore. Il faut bien avouer que ce projet n’aurait pas vu le jour sans l’engouement et la volonté de ses protagonistes. Et dès la première écoute, l’essence et la complicité qui les animent sont vite palpables.

La spirale de l’escargot, premier opus du groupe, comporte 12 pièces instrumentales qui transporteront l’auditeur dans des univers tous plus étonnants les uns que les autres. Ayant puisé à la lisière de leur imaginaire, les quatre membres d’Ipso Facto offrent un voyage à travers la musique gitane endiablée au klezmer remanié en passant par le tango et le bluegrass ludique. Le guitariste David Bussières qui compose la majorité des pièces, a pu compter sur l’interprétation enthousiaste de la violoniste Chantal Bergeron, du contrebassiste Simon Dolan et du percussionniste Francis Roberge. Un premier album enivrant, rêveur et avec lequel l’auditeur découvrira une musique pure et loyale faite sans compromis.

À l’image de l’escargot qui poursuit son chemin tranquillement mais sûrement, l’écoute de l’album est un voyage agréable ponctué d’escales imagées et inspirées. Subtile et nomade, La spirale de l’escargot a un certain goût d’intemporalité ce qui fait de cet album un petit investissement que l’on appréciera encore dans 5 ou même 10 ans.

En profondeur

La musique d’Ipso Facto se veut avant tout une musique expressive. Inspiré à la fois par la sensibilité des compositeurs classiques, la liberté des jazzmen et la folie émouvante des musiques du monde, le quatuor se distingue par ses métissages uniques de rythmes latins, de mélodies gitanes et juives et d’improvisation jazz. Le groupe exploite au maximum le caractère acoustique qui prédomine dans leur instrumentation: cordes pincées, frottées, frappées, percussions des quatre coins du monde… Là où Ipso Facto se distingue, c’est dans la texture, la sonorité qu’ils ont savamment remaniée donnant ainsi une couleur riche et une saveur de modernité à leurs inspirations souvent classiques. Les quatre musiciens prennent un malin plaisir à naviguer à travers les genres en ayant réussi à se les approprier et à y donner leurs propres couleurs. Bref, en explorant les langages musicaux des différentes cultures, Ipso Facto a créé une nouvelle musique universelle.

Un peu d’histoire

Ipso Facto naît en 1996 du désir du jeune guitariste David Bussières, compte trois membres et se donne pour mission de donner vie à des compositions et des projets musicaux. Une chimie se crée rapidement entre les trois artistes et donne naissance à un désir de se produire en concert et d’aller ainsi jusqu’au bout de leurs ambitions.

Une participation au concours Cegeps en spectacle donne au trio l’opportunité de se produire en public pour la première fois. La formule simple et acoustique ainsi que la sonorité nouvelle du groupe exerce un engouement immédiat auprès des spectateurs. Pendant cette première prestation, on assistera aux premiers balbutiements de ce qui deviendra bientôt le groupe Ipso Facto. Cet engouement ne sera pas sans conséquences. En effet, le groupe se rendra jusqu’à la finale nationale du concours Cegeps en spectacle et sera le récipiendaire du stage de perfectionnement en France offert par l’OFQJ (Office franco-québécois pour la jeunesse). La réponse du public français face à la musique métissée, à l’ambiance intimiste et à l’interaction constante des trois musiciens incite le trio à poursuivre sa voie.

Le rapprochement qu’impose la convergence des idées artistiques au sein du groupe crée certains bouleversements. La rencontre d’un nouveau musicien ouvert aux mêmes passions que le trio intensifie la relation entre Ipso Facto et sa musique. Un choix s’impose: un nouveau contrebassiste prendra la place de l’ancien.

Les réalisations se multiplient, la musique semble avoir trouvé sa propre sonorité et les musiciens n’ont jamais été aussi proches les uns des autres. C’est donc en 1998 qu’Ipso Facto en est à sa version définitive et s’apprête à plonger au cœur du milieu artistique.

En octobre 1998, le nouveau trio fait une performance à l’émission Le plaisir croît avec l’usage, diffusée à Télé-Québec. Cette participation sera un élément clé pour la visibilité du groupe. S’en suivront plusieurs performances autant sous forme de concert que sous forme de divertissement. Ipso Facto a en effet cultivé une polyvalence qui en fait un groupe aux multiples facettes.

En octobre 2000, Ipso Facto croise un percussionniste talentueux, créatif et dynamique. Quelques répétitions et quelques spectacles plus tard, Ipso Facto devient officiellement un quatuor. Une énergie supplémentaire alimente alors la fougue du trio, si bien que tous deviennent de vrais bêtes de scène.

Dans l’avenir

Ipso Facto qui aime le contact immédiat avec son public, espère jouer souvent sur scène et ainsi acquérir une certaine renommée montréalaise.

Effectuer une tournée nationale ou internationale est un projet qu’Ipso Facto envisage et affectionne particulièrement. Le quatuor aime croire que rien n’est impossible.

Récapitulatif

Toujours en évolution, rien n’est acquis ni figé pour Ipso Facto, l’exploration de nouveaux horizons, de nouvelles sonorités est un domaine où ils excellent. La polyvalence dont ces musiciens jouissent, leur permet de s’aventurer toujours un peu plus loin et ce, pour le plus grand bien de leur musique.

Pour goûter aux plaisirs de l’escargot, rien ne sert de courir, présentez-vous chez votre disquaire, il devrait s’y trouver!

Se plonger dans la musique d’Alexandre St-Onge, c’est un peu comme faire l’expérience de l’ombre. Son univers sonore semble dessiner en obscurité les contours du réel le plus ordinaire, d’une part le magnifiant, et d’autre part le faisant glisser dans une belle confusion. Car cette ombre, dont on ne sait exactement l’origine, trouble, déconcerte. Un peu comme si on pouvait rencontrer une ombre détachée de toute origine, une ombre en soi. Imaginons alors que nous pourrions nous y asseoir, nous y fondre: un petit ilot dans lequel le monde se projetterait par l’obscur. Tout y viendrait troublé, étouffé, atténué. Nous pourrions encore y voir (y entendre), mais tout serait étrangement voile et distant. Voilà ce qui se passe dans la musique d’Alexandre St-Onge, qui contrairement au paradième temporel occidental de la composition, ne contient aucun mouvement narratif quelconque, positionnant le present de l’écoute dans un point tangenciel entre passé et avenir. Raison sans doute de notre culture d’écoute impatiente et superficielle, gavée d’attentes qui exigent d’être résolues. Chez Alexandre St-Onge, il s’avère que la musique est suspendue dans un présent immobile. Pas d’avenir, pas d’avant. Tout est immédiatement là, avec cette perception particuliere que l’on a dans ]es moments de stases, ces instants bouche bée où l’on n’attend plus rien. Peut-être estce dans un instant comme celui-la qu’Alexandre St-Onge a décidé de mettre un micro dans sa bouche pour y filtrer l’insaisissable “reel” quotidien, et de l’y faire résonner en frottements avec les mouvements métaboliques. Corps résonnants de la bouche, qui devient aussi oreille, captant les echos des bruits du monde dans les cavités du crâne. Ce qui tend à révéler l’absurdité de ce que nous nommons le récl: ce n’est jamais que l’ombre de la réalité dont nous parlons. De cette facon qu’a le monde de projeter son contour au travers de nos conduits, de nos muqueuses. Rumeurs sereines, et parfois inquiètes d’un univers déboussolé, allegé de toute cardinalité. Ecouter la musique d’Alexandre St-Onge, c’est un peu s’immiscer dans un point d’une extrême etroitesse, mais qui, du fait de son étroitesse même, permettrait de capter avec une infinie acuité l’etrangeté du monde, sa sonore altérité, sans esperer y trouver quelque chose, simplement en partageant ce quelque chose. Profonde expérience de l’immanence, pour qui acceptera ce jeu secret et bouleversant. Kasi Nago est un hommage à Tystnaden (Le silence) d’Ingmar Bergman, on y trouve aussi un hommage parallèle au silence de 4’33” de Cage.

Sur le même label, Alexandre St-Onge a édité le son d’une performance de Vito Acconci, on comprend pourquoi a l’écoute: deux univers se téléscopent. UNDO (Alexandre St-Onge et Christof Migone) y vont de leur “remix”, excellent disque aussi. Saluons à propos de ces deux disques, le soin particulier porté a la pochette, ce qui en fait des objets particulièrement attrayants. Merci.