Altering the paradigm so that each instrument is as important as any other creates a more equitable and satisfying performance — and boosts the trumpet’s role. Toronto’s Jim Lewis, Andrew Downing and Jean Martin demonstrate this On a Short Path from Memory to Forgotten (Barnyard Records BR 0311 www.barnyardrecords.com). Consisting of 10 instant compositions, there is no foreground or background instrument. One tune for example could be a capriccio, as Lewis’ joyful trumpet blasts define the theme; another is dependent on Downing’s thumping bass pulsations; and almost all are illuminated more by the splashes of multiphonic color Martin creates with gamelan-like bell tones and triangle resonation than a steady beat from his regular kit. Showcasing Lewis’ phrasing, which ranges from staccato heraldic blasts to graceful flutters, is Eight, the tune in which his moderated a capella puffs give way to a rubato, double-time version of theme and finally to aviary chirps plus whistling resounds. These intertwine with martial rolls and rebounds from Martin and walking slap bass from Downing.

Although the romantic image of a lone trumpeter has been standard in jazz since the time of Young Man with a Horn, musically it’s actually more difficult for a trumpet to be sole horn in a band — at least until freely improvised music rewrote the rules a few decades ago. The reason is simple: unlike the saxophone’s many keys which the soloist can manipulate for different timbres, the trumpet has only three valves and a length of tubing. Brass players thus most often work with a reed partner or as part of an ensemble. However these CDs, featuring mostly Canadian casts, show that notable sessions can appear no matter the instrumental make up. […]

Ex-Torontonian, now Montréaler, trumpeter Gordon Allen plus saxophonists Jean Derome and Philippe Lauzier take an equally standard role as backing horn section on Montréal band Klaxon Gueule’s Infininiment Ambiances Magnétiques AM 194 CD. Throughout the 13 minimalist tunes the horns extend or amplify improvisations from the band’s core trio — guitarist Bernard Falaise, bassist Alexandre St-Onge and percussionist Michel F Côté. Concerned as much with mood and texture as melody, the scene-setting arrangements frequently find single horn parts providing brief commentary on Falaise’s popping guitar licks, St-Onge’s pulsating rhythms or the knitting-needle-like clatter of Côté’s delicate drumming. The bass line serves as a pedal point drone on Momo pèle, for instance, which fades away following dissociated drum beats, but not before Allen has pumped out bugle-like reveille. In contrast singular note extensions from one saxophone plus chromatic mellow timbres from the trumpeter inflate from distanced peeps to provide a counterweight to dissonant guitar-string snaps and abrasive strums on Brown suinte. […]

An album honouring the great music of the late Steve Lacy, an American who spent his last years in France, is well worth seeking for enjoyable interpretations of eight of his songs by Toronto band The Rent whose Musique de Steve Lacy is a very accessible commentary on a leading avant-garde figure’s legacy. Kyle Brenders renders soprano sax, Lacy’s instrument, alongside suave improviser Scott Thomson (trombone), Wes Neal (bass), Nick Fraser (drums) and Susanna Hood (voice) — the latter a vast improvement on shrieking Lacy vocalist (and wife) Irene Aebi. Brenders’ abrasive tone goes beyond most Lacy, but there’s witty trombone counterpoint and attention-grabbing solos. With voice added the Lacy spirit comes across best. If the title track is merely chirpy, the five-part suite Blues For Aida is beautifully worked, voice fully integrated with horns. Other gems include an austere The Bath and an upbeat A Ring Of Bones.

La fanfare est un concept musical qui remonte à la nuit des temps, associée d’abord et avant tout aux activités officielles, qu’elles soient militaires ou civiles. Il s’est toutefois trouvé, à différentes époques, des musiciens pour en détourner la pratique et en présenter une version populaire, qui peut sembler anarchique aux oreilles non prévenues.

Deux des utilisations dérivées les plus célèbres de l’esthétique de la fanfare demeurent le jazz (les fameuses parades mortuaires de la Nouvelle Orléans) et la musique de cirque. À l’époque moderne, on ne peut passer sous silence le faux groupe Lonely Hearts Club Band des Beatles et toute une esthétique héritée des années psychédéliques. C’est dans cette voie que sont nées des expériences comme le Grand Cirque Ordinaire, qui y jouxtait une activité théâtrale, puis l’Enfant Fort et le Pouet Pouet Band, au cours des années 1970.

On retrouve d’ailleurs des membres de ces deux dernières formations (Benoît Fauteux, Christine Lajeunesse, Claude Vendette) à l’origine de la Fanfare Poupour, qui prenait forme une quinzaine d’années plus tard, en 1995. À ces fanfarons s’ajoutaient aussi des membres de collectifs tels Conventum (René Lussier), Montréal Transport Limité (Lou Babin, Bernard Poirier), Ambiances Magnétiques (Jean Derome) et d’autres musiciens d’horizons divers.

Un premier album Fanfare Pourpour… Tout le monde est produit sur la nouvelle étiquette DAME / Monsieur Fauteux m’entendez-vous? (MFMV 01), en 1999. Ses membres ont toutefois des occupations multiples, en plus de mener divers projets personnels et ce n’est que cinq ans plus tard qu’on retrouve un second album Le bal. Il sera suivi par deux autres projets, plus rapprochés, en 2007 et 2010.

Maintenant composée de vingt musiciens, dont une majorité de compositeurs, la Fanfare Pourpour propose avec Danse des breloques un éventail de leurs différentes écritures, qu’il s’agisse de musiques sautillantes comme la pièce titre ou Le retour de Pelle, de valses expressives telles que Transport Suzanne, voire de flirts avec la musique western, Partir ou bien la pop Croise le pont. L’éclatement de la scène musicale actuelle ferait-il mentir le verdict porté sur Montréal Transport Limité en 1984, prouvant que, oui, en 2010 «Le monde est prêt pour la Fanfare Pourpour»?

Jean Derome, founding figure of Montréal’s musique actuelle scene, took the stage of L’Astral. Playing music from his last album To Continue with his regular group les Dangereux Zhoms, comprised of longtime cohorts Tom Walsh on trombone, Guillaume Dostaler on piano, Pierre Cartier on electric bass and Pierre Tanguay on drums.

Derome, in deadpan delivery, described the tunes as a suite dedicated to the mundane incidents of life on the road, with titles like Nez qui coule and Cogné de genou.

Dostaler is a very deliberate player in every comping phrase and every line. It took a while before Tanguay unleashed his irreverence in the solo of Prières. Cartier sang La grenouille et le boeuf admirably in a trembling baritone and his electric bass allowed for a sustained, almost post-rock undertone to Nez qui coule. Walsh often relied on glissandi and extreme high register, often complemented by a plunger. Derome, on alto and soprano saxophones and flute, played with a fairly clean tone, marked by intentional spurts of overblowing and other extended techniques.

Compositionally, the pieces featured some intriguing structures — the Berg-like stacked tone row of La grenouille, the intervallic unisons of Nez qui coule. The blend between Walsh’s trombone and Derome’s alto was especially notable. The centrepiece of the set was Prières (based on Protestant hymns), with the horns in harmonized chorale, the cued repeated figures for Tanguay’s solo, and splitting the band into two time feels. Throughout the show, it was all very interesting but the spark was lacking — perhaps that was part of the tribute to the mundane as well.

Pour être international, le festival de jazz de Montréal n’en délaisse pas pour autant les musiciens canadiens présentés tout au long de la manifestation sous l’intitulé «Jazz d’ici».

Parmi eux, le saxophoniste, flûtiste et compositeur Jean Derome. Une référence, non seulement au Canada mais aussi aux États-Unis et en Europe depuis le début des années 1970. Parmi toutes ses activités — dont de nombreuses musiques de films, des collaborations régulières pour le théâtre ou la danse — il y a son groupe Les Dangereux Zhoms. Actuellement un quintette avec Tom Walsh au trombone, Guillaume Dostaler au piano, Pierre Cartier à la basse et Pierre Tanguay à la batterie. La formation était programmée, samedi 26 juin, à L’Astral, le club situé au rez-de-chaussée de La Maison du jazz.

Avec Les Dangereux Zhoms, Jean Derome équilibre au mieux une écriture sophistiquée et une forme d’humour musical qui n’avance pas avec de gros sabots. On peut sourire à l’expressivité de sa musique qui colle très bien à certains des titres de ses compositions: Nez qui coule ou La Grenouille et le bœuf, d’après la fable de La Fontaine. La première joue sur des mouvements lents, des sonorités liquides, fait entendre comme une inexorable coulée. La seconde fait passer dans les parties solistes de Derome ou de Walsh, ce gonflement de la grenouille, ses efforts à l’issue fatale. Tout le talent de Derome aura été de ne pas mener la musique vers l’explosion, évidence qui n’a pas besoin d’être surlignée.

Il y a dans la musique de Derome beaucoup d’éléments. Certains viennent du jazz, d’autres du rock, d’autres de la musique contemporaine, d’autres ont été captés lors de voyages dans le monde entier. Sans que cela soit démonstratif ou que l’on ressente un effet de catalogue. Cela sonne fluide, naturel. Beaucoup de musiciens étiquetés “expérimentaux” s’essayent à ces jeux avec les genres, les styles, les références. Derome et ses Dangereux Zhoms maîtrisent en plus l’art de la suggestion, de la discrétion.