The Canadian duo known as Mankind [Alexis O’Hara and D Kimm] has produced my favorite CD of 2009. They combine a teen punk insouciance with an electronic sophistication presented in a raw lo-fi fashion that breathes new life into a corpse choked off all signs of life by the introduction of easy tools and electronic editing that has sucked all humanity and error from its soundscape. Trash poetry, scatology, cut-up techniques, Dada, punk noise aesthetics, voice transformation, literary and audio allusions, produce a work on the level of DJ Shadow, which means using a wide variety of techniques and resources readily available but perhaps neglected to create an aural manifesto that gives them their vitality. Its true dynamics comes from an ability to produce hi-fi using lo-fi aesthetics, to create an elegance out of a tapestry of audio detritus and communication strategies that are post-internationalist — they traverse numerous genres, tactics, languages and eras, which all evokes a Burroughsian dystopia that is not wholly without it compensations and rewards because paranoia and vision imply knowing the patterns and hypocrisies behind information and facing all of this head-on with their psych-sexual analyses of power and its media adjuncts. Live they present an evolving ad hoc multimedia performance using backdrops, video, costumes and this cut-up feel bleeds through on their CD.

The music of Charles Mingus is both visceral and intellectually stimulating. Bassist Normand Guilbeault has been investigating the rich legacy of Charles Mingus for almost 15 years now, and in the company of long-time musical running mates Jean Derome, Ivanhoe Jolicœur, Mathieu Bélanger and Claude Lavergne, Guilbeault is able to tease out the panorama of nuances in Mingus’s compositions. This recording is also the debut of pianist Normand Devault with the ensemble, as well as vocalist Karen Young. This is no routine reading of the surface particularities of Mingus, but a journey through the depths of his sound world.

SuperMusique célèbre 30 ans de création, de production et de diffusion de musiques actuelles et présente sa nouvelle saison Musiques topographiques. Premier concert: Jean Derome et les Dangereux Zhoms + 7.

Avec plus de trente ans de carrière et 70 disques à son actif, il est l’un des musiciens et improvisateurs les plus actifs et les plus éclectiques de la scène canadienne des musiques créatives. Il s’entoure ici de ses valeureux et fidèles complices des Dangereux Zhoms et de sept autres instrumentistes, dans les traces de Plates-formes et de Traquenards, ses deux récentes compositions faites d’un subtil alliage de structures écrites et d’aires réservées à l’intelligence de ces 12 improvisateurs virtuoses. Une musique sensible, puissante et empreinte d’humour. Ce concert a été présenté lors de la dernière édition du Festival de musique actuelle de Victoriaville.

This recording of the first-ever performance by René Lussier, Martin Tétreault and Otomo Yoshihide demonstrates the major pitfall in recording improvised music: the lack of visual context. One of the pleasures of a live improvised performance lies in watching the musicians interact, and certainly this was the case when Lussier, Tétreault and Otomo met on stage at the 2008 Victoriaville festival. The three all have extensive histories playing together in duos, but this was the first time the three had played together at once. The performance was a bit patchy, as much of the time one of the three was searching for a way to jump into the musical dialogue of the other two, especially so when Otomo and Tétreault were on turntables and Lussier was on guitar. At its best moments, however, there is some truly satisfying three-way interaction.

Le quatuor de saxophones Quasar clôt la première édition de la série estivale de l’organisme Innovations en concert. Et, en effet, ça va sonner!

La nouvelle série estivale Sonnez ici! de la société Innovations en concert prend la relève, après 10 éditions, de Jusqu’aux oreilles, et en profite pour changer de lieu. Ce n’est plus dans une église que nous pourrons entendre de la musique contemporaine l’été, mais dans un lieu plus approprié, soit le Conservatoire de musique de Montréal, sur le Plateau, et plus particulièrement dans sa toute nouvelle salle de concert, inaugurée en février dernier. Trois concerts débutaient la série la semaine dernière et il en reste trois, soit ceux du trio In Extensio (jeudi 13), de la flûtiste Yuki Isami et du guitariste Jérôme Ducharme (vendredi 14) et, enfin, du quatuor de saxophones Quasar. Après avoir lancé un deuxième disque en avril dernier (Miroir des vents), le quatuor se prépare à sa 16^e saison, dont le clou sera un concert électro présentant quatre créations à ExCentris, et pour laquelle ce concert est en quelque sorte un prélude. «Et c’est toujours les quatre mêmes qu’au tout début!» note l’alto Mathieu Leclair, rencontré autour d’un café; les trois autres sont Marie-Chantal Leclair (soprano), Jean-Marc Bouchard (baryton) et André Leroux (ténor — qui lançait, lui, son premier disque solo, Corpus Callosum, chez Effendi en juin). Pour une rare fois, Quasar n’offre pas de création dans ce concert: «On a encore tous un pied dans les vacances, explique Mathieu, alors on recommence avec quelque chose d’un peu festif. On jouera du Frank Zappa (The Black Page et Zomby Woof, dans les arrangements de quelqu’un qui connaît son Zappa [et son sax!]: Walter Boudreau) et aussi Hoe Down de Will Gregory (du duo Goldfrapp; il a aussi collaboré avec The Cure, Portishead et Michael Nyman), un gros solo de sax baryton en forme de reel irlandais!» Le quatuor en profite pour revisiter trois pièces enregistrées sur son premier disque: Quatre inventions de Denis Gougeon, Une mécanique des rêves de Bernard Falaise et Rasch de Franco Donatoni. Le côté le plus actuel du concert sera offert par la musique du jeune compositeur Simon Martin, dont le quatuor reprend les Projections libérantes (2008, inspirées de Paul-Émile Borduas), et par Kilkul (2008-2009) de Daniel Péter Biró, que Mathieu Leclair joue en solo. Bref, une très belle sélection qui augure bien pour la saison à venir.

Equipped with a “spy microphone” (presumably placed in the crowd), Otomo Yoshihide’s guitar and turntable, René Lussier’s guitar and Martin Tétreault’s turntables, this trio etches out a compelling, unedited tableau, a recording taken from their performance at last year’s 25th Victoriaville Festival of Musique Actuelle — a document that answers one delighted journalist’s plea, “This was a most magical set that will hopefully be released in the future.”

With heads, hands and souls buried deep into their instruments, the trio creates a series of meditative-to-blistering-hot swells, bursts and monitored repose, forging the works with juxtaposed styles, disparate ideals, specialized brilliance and recondite processes; at times, you might greedily lament the lack of visual cue if just to witness how they’re pulling this off, but the aural portion is still enough to enjoy the wildly unique and continually entertaining display from these experimental pioneers.

Beginning with barely perceptible hum, jangling, percussive, pointillistic strums and a meandering jazz progression, the group progresses Boum from slinking, gently fed-back tones to ripping distortion, mulched pseudo-Raga and punctuating crackles, eventually pulling the plug and ending with a stylus drug across wood (?) After the squelching Bam, a nervously fey Bim gives you reason to believe you pressed pause: the trio now focuses on simple mechanical detritus such as vinyl friction, the same sound you made when bumping into the decks at that party (boum, bam, bim, indeed), in-need-of-oil platter revolutions and sub-frequency thumps, all working toward a dark, sonically engrossing, strangely soothing cannonade. On Badaboum, Lussier (positioned center in the mix) earns his keep with frantic, technically-sound Middle-East meets Celtic flavored riffing; Yoshihide supports this din with dense, chordal grandstanding, leaving Tétreault the option of sink or swim (he elects to thoroughly scour his records into pulp).

Concerning “good performers”, Andy Warhol once observed “…they’ve seen the scene before somewhere and they’re shelved it away. So they know what the lines should be and the way the lines should come out of them.” Despite juggling an improvisatory framework, a labyrinthine ensemble, an ongoing perseverance of all parties to avoid imitation (others, themselves) and Yoshihide’s multi-polar “I’m a turntablist, no a guitarist, no a percussionist, no…”, Elektrik Toboggan is a stunning example of this wisdom.