Vous connaissez déjà Ellwood Epps. Vous l’avez probablement déjà vu improviser derrière sa trompette en solo ou en compagnie de musiciens lors d’une soirée au Cagibi ou caché parmi les trente membres du Ratchet Orchestra de Nicolas Caloia ou profondément concentré dans son groupe Pink Saliva ou debout sur la scène de L’envers présentant une formation qu’il a amicalement invitée. Conversation avec l’homme-à-tout-faire de la nouvelle scène locale alors qu’il revenait d’un bref séjour à Harlem question de se remettre à la composition et à la recherche avec la professeure, docteure et trompettiste Laurie Frink.

L’histoire du jazz a démontré à maintes reprises que le métissage des sons et des cultures est primordial à son évolution. Votre récent voyage fut rendu en partie possible grâce à une bourse du Conseil des arts du Canada, situation de plus en plus rare ayant d’ailleurs fait les manchettes à plus d’une reprise depuis l’arrivée au pouvoir du Parti conservateur. Comment le musicien d’aujourd’hui doit-il affronter cette nouvelle réalité où les coupes dans la culture sont monnaie courante?

Ellwood Epps: C’est triste de voir toutes ces coupures dans le financement culturel. Mais ce qui est encore plus triste, selon moi, est le manque d’effort sérieux et engagé vers une remise en question du pouvoir en place et vers une façon de travailler selon nos propres termes et moyens. En tant que personne qui fut à la fois créateur d’un espace de diffusion, présentateur, radiodiffuseur et professeur, je suis conscient du pouvoir que nous possédons lorsque nous travaillons ensemble pour le bien commun en mettant nos différences de côté. Le combat pour maintenir et augmenter le financement est important, mais je ne laisse pas cela déterminer ce que je ferai ou ne ferai pas.

Cependant, il y a un autre côté à tout cela, et certaines personnes me détesteront de le dire, mais la production d’un son n’est pas monnayable. Nous ne devrions jamais nous laisser distraire pas une subvention que l’on croit nous être due et ensuite nous laisser désillusionner par l’idée qu’il est impossible de créer sans elle. En me promenant dans Harlem, où les rues et édifices sont nommés d’après les Lionel Hampton, Duke Ellington, Louis Armstrong, Charlie Parker (même mon appartement fut l’ancien logement de Wadada Leo Smith!), je pense à tous ces maîtres qui ont créé une musique inspirée et transformatrice du plus haut calibre dans un environnement où les préjudices et le manque de respect (notamment lié à la couleur de leur peau) étaient indissociables de leur quotidien. Les conneries racistes se sont effacées un peu, mais le manque de respect à l’égard des musiciens créatifs en Amérique se poursuit, tout comme la musique, tout comme la musique!

Pourrions-nous dire que la sédentarité forcée des musiciens locaux permet de solidifier et créer une meilleure dynamique de jeu, un meilleur communautarisme musical? Comment une programmation comme celle que vous offrez à L’envers ou celle de nos amis du Suoni peut-elle aider? Quel est cet équilibre entre le local et l’international qui gardera la scène musicale en santé?

EE: J’ai eu la chance de travailler brièvement avec des maîtres tels que Steve Lacy, William Parker, Marshall Allen et Xavier Charles, mais c’est la possibilité de jouer avec Josh Zubot (Land of Marigold), Michel F Côté et Alexandre St-Onge (Pink Saliva), Nicolas Caloia, Jonah Fortune et Jean Derome (Ratchet Orchestra) qui m’intéresse réellement. Cela se passe maintenant, c’est vrai, ce n’est pas un rêve du futur ou du passé. Nous travaillons tous sur notre propre œuvre, alors oui, j’adore approfondir mon art avec ces gens… nous partageons nos destins ensemble, ce qui est très spécial.

À L’envers, j’essaie de présenter la meilleure musique qui m’est possible, qu’elle provienne du Mile End, de Chicago ou de la Russie. L’envers est une place où les musiciens peuvent se rencontrer et travailler ensemble, une chose que nous aimons et devons faire en tant qu’improvisateurs. Je veux que les gens aient la chance d’ouvrir leurs horizons. Certains seront surpris d’apprendre qu’il y a de la très bonne musique à Toronto, à Calgary ou au Texas, et d’autres découvriront que de grands musiciens habitent et travaillent à Montréal. J’aime les voir ensemble sur la même scène, en même temps.

Nous sommes vraiment chanceux d’avoir un festival comme le Suoni à Montréal. Sans eux, nous n’aurions pas la chance d’entendre nos musiciens américains et européens préférés œuvrant dans la sphère «free jazz». Côté local, l’OFF festival de jazz fut encore plus généreux, offrant du boulot bien rémunéré pour une multitude d’improvisateurs dans la ville, en plus d’inviter des artistes de choix. C’est à ce type de festival que je crois. Un festival qui, avec son intégrité et en restant fidèle à ses origines, continuera d’évoluer de manière créative. L’OFF a bâti des ponts entre des musiciens locaux de divers milieux. Ça, c’est mon genre de truc.

Comme leur nom l’indique, les musiques improvisées se veulent rarement fondées sur des thèmes préconçus, favorisant de facto l’écoute d’une performance en direct plutôt que la rigidité d’un enregistrement figé. Cela explique probablement le peu de documents disponibles sur le marché vous mettant en vedette. Vous avez tout de même publié quelques rares CD-R reflétant votre musique et celle de notre scène. Quelle importance attribuez-vous à l’enregistrement sonore d’aujourd’hui?

EE: Vous avez raison. Cette musique en est une du présent et elle devient encore plus significative lorsqu’on voit comment elle est produite. J’ai écouté pendant plusieurs années l’œuvre de Bill Dixon sur disque avant de le rencontrer, de le voir jouer et d’étudier avec lui. Lorsqu’on réalise que l’écho et la réverbération de son son provenaient d’une alternance entre 2 à 3 microphones, sans l’utilisation de pédales, on comprend le concept d’un choix. On ne peut pas découvrir cela sur un enregistrement.

J’aime bien exploiter ma petite étiquette (Mr E Records). J’étais un poète et un éditeur pendant presque 12 ans dans le milieu de la presse indépendante et artisanale de Toronto. J’utilise des CD-R que je peins à l’aérosol afin que le tout demeure abordable. L’emballage est fait à la main et numéroté afin que le produit soit différent chaque fois. Le plus récent, mon duo avec Axël Dorner, a requis beaucoup, beaucoup d’heures de confection se résumant à couper et plier du papier, qu’on assemblait ensuite avec de la ficelle. C’est d’ailleurs le nom du disque: Twine (ficelle).

Je crois qu’il demeure important de rester en contact avec l’objet physique. Je déteste le gaspillage et l’idée que nous achetons par milliers des CD manufacturés qui prennent la poussière dans nos placards. Soyons honnêtes, toutes les maisons de musiciens ressemblent à cela! Tellement de plastique mort sur des étagères. Je fais des choses en espérant leur donner une vie, afin que les gens se demandent: «Comment j’ouvre ce maudit objet? Il est scellé sans ouverture!»

J’aime bien faire un tirage de 47 CD-R, mais j’aimerais aussi que ma musique paraisse sur une étiquette comme ECM, car j’aime bien lorsqu’un produit est bien fait. Les maisons de disques sont comme des familles, leurs histoires sont évocatrices.

Le jazz, la musique créative, quelle que soit son niveau d’abstraction, demeure avant tout une musique profondément engagée, motivée par des esprits forts. Comment votre jeu, votre musique et sa création sont-ils affectés par les enjeux sociaux, politiques. De quelle façon l’activisme et la musique peuvent-ils jouer un rôle clé dans le climat houleux planant sur les nations québécoise et canadienne?

EE: Selon moi, les idées et les concepts ne font qu’un, mais le geste physique de la création musicale spontanée devant un public représente la véritable action politique et sociale. Rien n’est plus puissant que la musique en soi. Ayant été directement engagé dans un certain activisme à différentes étapes de ma vie, mon combat présent se resserre sur ce et ceux qui m’entourent. Nous pouvons, en tant que musiciens créatifs montréalais, en faire tellement pour ceux et celles qui aiment la musique et sont curieux envers la musique. Nous travaillons si fort afin de changer la musique, d’inventer de nouvelles techniques sur nos instruments, mais que faisons-nous pour changer nos conditions de travail? Nous pouvons véritablement nous questionner et nous engager quant aux moyens et aux lieux de diffusion de notre musique. Nous pouvons redéfinir ce qu’est un concert, un enregistrement. En menant la bataille sur plusieurs fronts, il n’y a pas de limite à ce que nous pouvons faire.

Que peut-on attendre de Ellwood Epps en 2012?

EE: Je recommence à enseigner au Studio d’improvisation de Montréal en avril et je suis très excité. J’adore enseigner et je considère que c’est nécessaire à mon évolution en tant que musicien. Je ne donne pas des cours traditionnels; le jeu demeure à la base de tout.

Je suis aussi ravi de notre série de concerts d’improvisation, Mardi Spaghetti, qui célébrait son 4^e anniversaire le 27 mars dernier. Quelle chance d’avoir le Cagibi qui nous offre leur espace depuis tant de mardis… j’imagine que cela fait plus de 200 mardis déjà!

L’envers aussi prévoit se lancer dans de nouvelles aventures. Les lundis accueilleront une nouvelle «jam session» où l’expérimentation et les rencontres seront une fois de plus à l’honneur. Nous lancerons aussi une campagne de financement afin d’amener le projet à la prochaine étape. Nous voulons un nouveau mixer, une nouvelle batterie et un piano à queue. Pour moi, cette place est une véritable maison de rêve. Je crois que les gens se rendent compte à quel point elle est fragile et importante, et à quel point elle peut être vitale, quand des gens de différents horizons s’engagent directement.

Il faut continuer de suivre notre curiosité et notre appétit. Éteignons nos petits jouets et plongeons dans l’instant présent.

The first guest, trumpeter Gordon Allen of Montréal, Quebec, set the tone blowing creatively in a restricted register, as part of an offbeat quartet featuring Mitch Ahern on a homemade instrument — a 1950s era washing-machine door attached to a quasi-fret board with electronic controls attached to it. Ahern colored in an understated background for Allen. Josh Baker played a bicycle wheel, with various sticks. Claire Elizabeth Barratt achieved unique equipoise between executing ballet steps and wielding a cello. Both reinterpreted Allen’s steady, airy lyricism with alternating outbreaks of percussion and sonority. The piece had an air of stillness, almost of timelessness, except that that very force of will giving it that feel ultimately pushed it toward an even more satisfying resolution. […]

Of all the great breweries in Montréal, one of my favourite is the Cheval Blanc. Luckily all of us music lovers have an extra incentive to drink from the horn of plenty this month; le Cheval Blanc is hosting live jazz throughout the month of March.

This just after the bar expanded, buying the adjoining property and nearly doubling the space. If it lost some of the intimacy of the old Cheval, it made up for it in décor. The new space has a sort of John Waters vibe, with a big neon clock on the red velvet curtain behind the 50s-era stage, huge photos on the walls, and what seems to be the original diner-like panelling.

The music series, called Jazz sur Mars, brings some of the best avant-jazz bands to play every Tuesday (and occasionally Saturday). Last night featured Stuffy Turkey, a band dedicated to playing the compositions of Thelonious Monk. Monk, the genius pianist who famously molded jazz to mirror his own eccentric personality, deserves the treatment he got last night. Matana Roberts, the inimitable alto saxophonist from NYC, joined Montréalers Gordon Allen (trumpet), David Payant (drums) and Thierry Amar (acoustic bass) in a reckless and joyful ride through the topsy-turvy Monk compositions. At once playful, jagged, and violent, these tunes provide endless fodder for anyone committed to figuring them out. And it’s obvious that Stuffy Turkey has done just that.

Granted, Saint Patrick’s Day might not have been the best night for an acoustic jazz show at the bar. Some subtlety was lost under the din of Irish wannabes. But the mood was festive, as I’m sure Monk would have liked it to be.

Trio Lauzier-Perkin-Kuster plays Saturday March 21st, Nicolas Caloia’s Trephining Quintet plays Tuesday March 24th. Entry is free.

Mardi Spaghetti celebrates a year of twirling improv at Le Cagibi.

The front room of Le Cagibi, the comfortable, funky neighbourhood café at St-Laurent and St-Viateur, is normally populated by students and post-university types huddled over their laptops. But for the last year, the back room has been the scene of Mardi Spaghetti, a Tuesday night improvised music series curated by Josh Zubot, Philippe Lauzier, Pierre-Yves Martel and Gordon Allen. The series brings together musicians, often in whimsical combinations, and each one of the four organizers is responsible for one Tuesday per month. The musicians come from disparate musical worlds — jazz, musique actuelle, rock — but improvisation is the common thread, according to Allen. In the year since the series began, more than 100 musicians have taken part. This coming Tuesday, March 3, Mardi Spaghetti is marking its one-year anniversary with a party and a number of special events, including a reprise of Martel’s “toiletronics,” a performance from inside the washroom that sits beside Le Cagibi’s stage, and an improvisation in the alley by Allen. Allen, the trumpeter with the porkpie hat and crooked grin, has practically been a one-man scene-maker since arriving in Montréal from Guelph a couple of years ago, as he’s also one of the people behind L’Envers, the performance space at 185 Van Horne that’s been running since September. He’s proud of what Mardi Spaghetti has accomplished. “Because Mardi Spaghetti is happening every week, it’s in the back of people’s minds, so it’s now part of the fabric of the neighbourhood and that café,” Allen says. “It’s intimate, with a small stage, and the room has a particular feel to it. It’s like the back room, not the dungeon. Because of the big windows, there’s a view from the street, and people stop by and listen because of that. There was already a good level of activity in Montréal for improvised music, but this series has made the music more visible, quite literally.”

Walking into L’Envers is like entering a scene from the ’70s East Village. If Patti Smith were on the old couch in the corner talking to the motley assortment of Montréal improvisers, artists, gallerists and dancers typical of a L’Envers audience I wouldn’t bat an eye. This is the newest music venue in the Mile-End and everything from the large photos on the wall—by the very talented Marie-Ève Dompierre — to the warehouse-style windows, the turn-of-the-century wooden support beams, and the homemade feel of the space suggests that this is a space run by artists for artists and audiences alike.

The mastermind behind the scenes is Gordon Allen. An incredible trumpet player and improviser, a talented organizer, a quick-witted schmoozer, an hilarious MC and a big-hearted friend of at least half of the musicians in Montréal, Allen is just what Montréal needs to get its improvised music scene off and running. He’ll emerge from the dense crowd, clad in a porkpie hat and cuffed shirt, beaming at how well the evening is going, how well the musicians are playing, and how many great people have showed up.

Along with three other like-minded musicians, he’s responsible for this new hotspot. Together they’ve worked to create a space committed to presenting music, dance, and performance — “anything that involves improvisation” — that would otherwise have trouble being shown. Their mandate is to offer the excellent musicians of Montréal a comfortable place to play, and to build an audience that comes curious, listens carefully, and leaves satisfied.

But Allen is a far busier man than his carefree, joyous demeanor might suggest. He has been organizing the improvised music community since he arrived in Montréal from Guelph in 2005. The monthly series at Casa Del Popolo “Improvising Montréal” came under his control in 2006; and Mardi Spaghetti, a weekly series he curates along with three other improvisers at Cagibi, is going to celebrate its first anniversary in March.

On Saturday, January 17th, L’Envers opened its new year of programming with a celebration of Art’s Birthday. (It took a couple of weeks for the members of their mailing list to realize that they weren’t talking about a guy named Arthur, but rather celebrating the birth of Art, which Robert Filliou famously starting celebrating in 1963. Check this out.) CKUT was there with their live broadcasting gear. Six bands were slated to play. There was a birthday cake competition and West-Coast artist Glenn Lewis re-enacted the birth of Art.

I arrived just as Gordon took the stage with his trio Pink Saliva, with drummer Michel F Côté and bassist Alexandre St-Onge. Their layered, richly textured mix of acoustic improvisation and electronics sent a hush over the hundred or more gathered. Many took a seat on the floor and listened to the flow of expressive sounds, ranging from beautiful trumpet melody to the harsh but effective noise-electronics of Côté and St-Onge.

Even the loud students next to me stopped talking and I saw their facial expressions change to concentrated curiosity as they craned their necks to see how those three musicians were making such otherworldly sounds.

“When audiences are more attentive,” Gordon had told me earlier in the week, “the musicians have to scrutinize their own work more. Consequently we’re pushed harder to create, and the music advances. I’ve seen that here, and it’s an incredible thing to be a part of. Worth all the work we’ve put into it.”