The first time I heard the music of Magali Babin was in an evening that included, among other rather distinctive ploys for my attention, two men shoving a few dozen sticks of butter into their mouths and letting it dribble down their chins and onto an amplified table, beneath which John Berndt was crouched on four limbs stark naked uttering animal sounds. It was the touring Québécois performance trio of Babin, Éric Létourneau, and Alexandre St-Onge. In total contrast to the perplexing conceptual extremes of their two pieces and the utterly disgusting, abominable, shameful attempt at music-making by the trio of Donald Miller, Jack Rose, and Ian Nagoski that began the non-festivities that evening, Babin performed a solo set that gave me an unequivocally sublime experience I still fondly recall some five years later. Instead of indulging a sado-masochistic obsession with loud volume like Miller, et al, she presented an impeccably focused improvisation on a sound vocabulary of her own creation at a medium volume that was ideal to draw the listener into careful and comfortable attention to the nuances of each passing moment without the slightest hint of pretension or bombast.

Babin used a modest array of small metallic objects with pickups and guitar pedals, gently amplifying the hidden world of complex sound as metallic objects touch each other in sundry ways. Her methods are simple, but her music is exquisitely rich in detail and variation. A year or two after that memorable performance I saw in Philadelphia, her solo masterpiece Chemin de fer was released by the Canadian label No Type, and if you listen to the very first track, Triturations, you’ll have a pretty good idea of the delicate electroacoustic sound sculpture I heard that evening. As the album artwork suggests, however, Babin’s array of equipment is quite a bit more extensive than what she’d brought on that tour. In her native recording environment she explores the microscopic idiosyncracies of a much wider array of metallic objects, especially pots, pans, and kitchen utensils. The notes accompanying the disc report that Babin created this music by improvising, a simple fact that becomes meaningful when I recall the live performances I’ve enjoyed from her.

Triturations is nine minutes of electroacoustic micro-timbral heaven. Some layers of the piece sound like heavy breathing muted and compressed into a detached, nonreferential, yet still vaguely biological texture. With its evenness of texture and density amidst the cornucopia of crackling, rustling, and rubbing details, it feels like a warm cloud of gentle, unpatronising sound that envelops and comforts me.

When Steve Roden coined the phrase “lowercase sound” in the mid-90s he was expressing an incredibly elegant and timeless concept that both echos and splits away from the Cage/Oliveros paradigm. The sounds sought were simply the ones usually hidden or masked, the details that don’t call attention to themselves. The phrase went on to be widely misunderstood as having specific implications about volume, velocity, and density, but all of this is extrinsic to that jewel of aesthetic crystillization Roden proffered. Triturations and so much other work by Magali Babin stands as an eminent prototype for lowercase music in my mind. It’s worth noting that there’s nothing especially quiet, nor loud, about it. In fact, it’s rather medium-volume, medium-velocity, and medium-density music as a whole. It’s at just the right volume so you can hear everything clearly, which seems like the point to me. It’s simply the sonic microscopy of moving metal, sounds heretofore unknown and otherwise inaudible. I happen to find most of them sublime and intoxicating.

The second track, Petit jardin, is methodologically continuous with Triturations but the soundworld is fresh. Two sounds complement each other: a beautiful, softly resonant gong-like sound (probably obtained via a pot or pan) and the tinkling of small metal objects (perhaps something like paperclips?) being dropped against a metallic surface. It’s the hidden world of an ad hoc metallic idiophone. Monsieur et madame Watt is another track based on lucid juxtaposition, this time between some faint Erstwhilian amplifier hum and some indistinct rubbing (suggesting to me the sound of a microphone’s metal grating moving against another metallic object). I found something ecstatic in these humble sounds, though my feeling dissipated later in the piece as the hum began modulating and assuming greater prominence in the mix; it became mundane.

For more years than I can recall I’ve had this perversely cherished Kevin Drumm CD listing neither a title nor release date, but it has a solid green cover and says it was recorded to tape in 1996; the label is Perdition Plastics and it’s catalog number per007. I don’t know much about Drumm’s discography and have only lightly sampled his other work because I really hated this CD. In fact, I probably never made it all the way through. But it’s always persisted in my thoughts because it’s so rare I have a such a strongly negative reaction to any music. It symbolizes something for me, the very extremes of harsh and difficult music. I have no problem with conventional harsh noise; heck, it’s just a twist on new-age music in a way, but this Drumm disc is mostly silence sporadically and irregularly interrupted by loud, screeching, painful sounds made by fucking with an electric guitar and amplifier. It was just too much for me and the thought of playing it still scares me. The reason I mention it is that some of Babin’s music sounds like the precise opposite—gentle and smooth—yet draws from the same dangerous sound vocabulary of conductive surfaces and amplifiers operating at the threshhold of functionality. It’s a fascinating contrast.

This disc is studded with jewels, but it’s time to report on the rarest, Jogging dans la maison hantée, which was “crafted in joyous collaboration with Alain Chénier and Mario Gauthier”. Its seven minutes are filled with some fairly generic electronic interjections, but they comprise fairly neutral background to one of life’s greatest pleasures: extremely clipped squeaks. A major piece of background information is required here. If there’s one piece of music I’ve played most often in my life, probably upwards of 2000 times by a rough estimate, including a six-month stretch where I played it at least once per day and typically a good handful of times, it’s Bluebird by Judy Dunaway and Yasunao Tone, from Dunaway’s seminal Balloon Music. A piece that should stand in the public consciousness of the current era as an analog to Duke’s Take the A train or the like, it is in fact unknown to virtually every person I’ve broached it to among the relevant demographic. Without attempting to account for its unyielding grip on my aesthetic relationship to sound, I’ll describe it here for you. It’s a seven-minute excerpt of a recording made by Tone applying his standard technique to a CD of solo tenor balloon improvisations by Dunaway. In other words, it’s glitching balloon sounds. So to account for my experience of Babin’s Jogging dans la maison hantée I need to make it clear that there is a thrilling resemblance in these clipped and irregular squeaky sounds that flit across the piece’s uncluttered canvas (mingling marveously with the many birds outside my open windows this lovely hot summer afternoon I might add). Further, I don’t want to mince any words here: Bluebird is by far my single favorite musical composition among all I’ve heard in my 28 years so far. It’s the pinnacle.

A non-squeaky moment in this piece demands special mention. Among self-contained musical events I’ve heard of roughly one to two moments in duration, [6:22-6:27] is exceptionally exciting, a kind of split-second burst of somewhat ordinary electronic sound that merges with a sine-wavish tone that evenly decays across four seconds. It’s not that there’s anything special about these two sounds, just like the greatest moments of violin music are made with essentially the same notes that appear in countless other contexts, but the timing and the dynamic contours combine these two gestures into a single unified event that functions as a higher order version of the note, where I’m referring to the familiar category of sound events prototypically represented by a short episode of relatively constant pitch and timbre. It’s as if an impossible decay pattern suddenly occurred for an unruly burst of noise. This is a kind of sound event I often fantasize about, but rarely encounter in the external world. It is part of my objection (with respect to individual aesthetic desiderata, aka taste) to the typical high levels of density found in so-called noise music that these kinds of momentary shapes are masked. In the brave new sound world of the technologically-facilitated explosion in timbral possibilities for music in recent decades, I perceive a bifurcation in the way new aesthetics are derived from the new sounds. In one direction, exemplified by the sound event being discussed presently, the new shapes and internal structures of the sounds justify a topology of gesture. In the other direction, the sounds are maximally and continuously generated to create texture and immersion in their brute timbres. I’d argue that because the latter aesthetic can often be achieved with such a lack of technical refinement or effort that it has become undeservedly ubiquitous, regrettably displacing the former aesthetic.

Three of the pieces on the disc — La corde, L’entonnoir, and Pluie de homards — don’t go much beyond pleasant for me. L’entonnoir is instructive in its contrast with the main thrust of Babin’s work. It feels a bit ugly and overbearing, with a sound palette and approach close to conventional textural electronic noise music. The key word here is “electronic”. The distinction between electroacoustic sounds and electronic sounds is fascinating and truly central to contemporary music, a topic I find myself returning to again and again, always winding up in a theoretical quandary. Concretely experienced distinctions like that provided by L’entonnoir are surely the key to sorting this out. In the pieces I’ve praised from Chemin de fer there is a resonance and spatiality I associate with acoustically derived sounds. There’s also a wealth of odd non-repeating details. These are qualities that I’d cite to account for enjoying Mikrophonie vastly more than any other work by Karlheinz Stockhausen, most of which suits me well. Thinking about the metal objects Babin patiently manipulates, I’m driven to speculate that perhaps the true musicological antonym of “electronic” is not “acoustic”, but rather “mechanical”. In fact, it’s the similarities I feel between Babin’s work and Howard Stelzer’s (arguably prototypically electroacoustic) abstract hissing and crackling cassette vocabulary that inspired me to revisit this disc recently after being immersed in Stelzer’s art. Surely it’s not trivial that the monumental Stelzer-curated Intransitive Twenty-three features Thermidor, a work by Babin that I would cite among her best.

The placement of Pluie de homards as the final track here was wise. An album of moderation concludes with some annihilatory extremes. Babin created the piece with Mario Gauthier’s assistance by mixing some of her characteristic sounds with Rain by Ian Nagoski, a track from Ian’s drone classic Warm Coursing Blood, a 1998 recording released by Colorful Clouds for Acoustics. As Ian recounted to me recently in a chance encounter that allowed me to broach my recent revisitation of Chemin de fer (recorded in 2000 and released in 2001), he created the piece by recording the water from a shower striking a huge metal pot designed for cooking lobsters and subsequently layering the recording on top of itself more than a few times. When Babin learned of this kindred metallophonic endeavor, she enthusiastically sought to adapt it to her world. Rain was already an extremely thick and static slab of sound; with Babin’s additions it’s that and a lot more sound. I took this review as an opportunity to revisit Warm Coursing Blood, a truly brilliant album in a style of music I have only a nominal attraction towards. One of my listening sessions was a breakthrough for me. One day I somehow found myself in the mood to lay down for a bit and see if I could enjoy being enveloped by Ian’s music played at room-filling (but not biologically irresponsible) volume, something I’d not actually tried before. Ian’s textures opened up for me and I was mesmerized for two long pieces, Feather and Rain. It was a smashing success. Comparing this to my experiences of Pluie de homards, I’ve concluded that Babin’s augmented version of Rain is a pleasant and novel whole, but her distinct vocabulary actually subtracts from the eminently cohesive power of the original, which relies on the shading revealed by an extremely narrow and focused range of sound.

Autodidacte, Magali Babin est tout le contraire d’une musicienne de formation académique. D’abord guitariste au sein du collectif Lunatik Azytum, des amis avec lesquels elle improvise librement, elle évolue ensuite avec un band punk (féminin), les Nytroglycérines. Depuis une quinzaine d’années, elle s’intéresse vivement aux bruits, une certaine musique «noise», à l’improvisation et à la performance multidisciptinaire.

Inscrite en arts visuels à l’UQAM, elle étudie d’abord la photographie, puis la sculpture et la peinture. Elle chemine aussi avec d’autres «bands de garage» expérimentaux dont elle préfère taire les noms (par modestie de ses premiers efforts?). Aujourd’hui encore, cette exploration collective se poursuit avec le trio Mineminemine, qui pousse au paroxysme l’absurde, et pour qui te produit sonore devient à la limite pratiquement accessoire à ta performance. S’inspirant du surréalisme et des dadaistes, il faut comprendre qu’avec ce groupe d’improvisateurs, la présence et l’action priment sur le résultat final, c’est la démarche, la conception et l’expérimentation sur lesquels on met l’accent.

Des casseroles à la tuyauterie

Poussée par une «recherche sur les textures, les couleurs, les densités sonores», l’artiste plastique se plaît à découvrir de nouveaux instruments de musique. Magali Babin est attirée par les sons des métaux (d’une impressionnante variété). Elle fouine et fouille du côté des objets quotidiens, sans dédaigner récupérer certains déchets: poêle à paella, fouets à sauce, écumoires, ressorts, clochettes, bijoux, cornet de gramophone, gongs… Parfois, elle va même jusqu’à utiliser certains aliments pour leurs qualités sonores et d’évocation. «Un autre instrument qui m’est maintenant indispensable, c’est mon mini-disque, avec lequel je me constitue une banque de sons, les sons de l’extérieur (des land sounds, des atmosphères particulières comme certaines cérémonies religieuses dans mon quartier, des cours de danse sociale, etc.), ceux de mes électroménagers, de la télé… Se rajoutent aussi tous mes effets électroniques et analogues. Par exemple une vieille pédale big muff, avec ses effets de distorsion typiques de l’époque de par Jimi Hendrix, que je viens de redécouvrir. Ces effets me permettent de trafiquer les sons bruts et de les interpréter à ma façon, mais ça c’est ma petite touche disons… plus secrète…»

Depuis quelque temps, elle prête son oreille vers la salle de bain. Attirée par les multiples échos et réverbérations des sons d’un voisin contrebassiste de jazz dans un puits de lumière (qu’elle capte d’abord à son insu et puis en le prévenant, afin d’expérimenter de façon moins hasardeuse), elle se passionne pour les qualités sonores des différents tuyaux et conduits, de leur circulation d’air et d’eau, de leurs fuites et craquements. Ces sources sonores confirment un retour sur l’intimité, le fil qui reliera les mouvements de son nouvel opus, qui risque de paraitre en 2004 ou 2005.

Gammes dynamiques et géographiques

Avec les objets usuels, elle développe un univers singulier, qui s’étend comme un vaste paysage. On y est invité sur son premier album, Chemin de fer, entièrement produit et réalisé en 2002 par Radio-Canada, avec Mario Gauthier à la technique, de l’émission «L’Espace du son». Endisqué par l’étiquette No Type (qui offre d’ailleurs sur son site web http://www.notype.com/ la possibilité d’écouter 3 extraits en format MP3), l’album récemment écoulé connaît depuis peu un second souffle, avec une seconde parution. Cette deuxième vie serait apparemment due à un certain engouement américain pour les musiques dites «noise».

Son recyclage nous amène à voyager geographiquement dans différents quartiers, différentes cultures, au hasard de ses trouvailles d’objets métalliques. Elle avoue aujourd’hui modérer ses cueillettes, une activité à laquelle elle s’adonnait sans retenue, un peu comme une dépendance et qui allait jusqu’à entendre, dès qu’elle les apercevait, le son des objets… Avec chaque instrument/objet, elle dit qu’on se transporte aussi dans une sorte de microcosme. Comme les diverses notes d’un instrument, la «géographie d’une casserole» par exemple, le son d’un frottement sur ses rebords ou de son milieu, l’effet sur ses creux ou ses parties rouillées, ne se ressemblent pas… Elle explore toute une panoplie de manières de produire des sons avec ses «instruments». On parle ici de qualités concrètes (dans le sens «sous-entendu» par la musique concrète, élaborée par Pierre Henry et Pierre Schaeffer vers la fin des années 40 et le début des années 50). Voilà le champ d’étude inusité où s’exerce cette surprenante collectionneuse de sons.

Magali Babin présentait en février dernier à Bertin au Festival Club Transmedial la performance Peak, une lente progression, où elle amplifiait d’abord des sons de frottements sur les poils et la peau. Son improvisation avec la distorsion, plutôt organique et crue, minimaliste et low-fi, était mise en contraste avec les couches sonores informatisées de France Jobin (alias i8u) qui, elle, travaille uniquement depuis son ordinateur portatif à un niveau radicalement hi-fi. «La rencontre des extrêmes, des sons low-fi et hi-fi avec i8u, donne d’heureux résultats, commente Magali Babin. On se complète formidablement, sur scène on a une synergie incroyable. Nos sons se marient à merveille.» À la fin de cette performance, on entend un «orchestre de cris d’orgasmes de femmes» dans une apothéose provocatrice, d’où le titre Peak. On comprend l’intensité (alarmante pour les enfants) captivante qui fait sa renommée dans le milieu de la musique électroacoustique.

Bien qu’elle intellectualise ses interventions son background dans des groupes punk et rock, de même que ses études en arts visuels l’empeche de se prendre la tête ou trop au sérieux. «Je dessine beaucoup mes spectacles et la production d’une pièce. Je trace des liens entre des instruments et des objets, des éclairages possibles, des idées et leur matérialisation sonore, et je produis comme ça pas mal de croquis, plus ou moins élaborés, ça dépend, et je les garde tous. Ces cahiers de notes (en dessins), ce sont en fait mes cahiers de musique.»

À son premier lancement de disque il y a deux ans à la Casa del Popolo, Magali Babin avait invité plusieurs amis et parents, et les enfants ont animé la première partie du spectacle; «Avec une vingtaine de jouets à pile ou électroniques, ils ont pris le lieu d’assaut, se sont lancés spontanément let’s go, pour produire une demi-heure débile de méga-noise et de bon gros bruit (sale)… Généralement les enfants ne comprennent pas trop mon genre de musique. ils ont tendance à avoir peur ou à décrocher, mais comme mon fils de 9 ans, avec l’âge, ils finissent par saisir l’aspect artistique de mes recherches.»

Multidiciplinarité

Le travail de Magali Babin l’amène à collaborer avec des artistes d’autres milieux. À l’événement Lucky Bastard par exemple, lors du 11^e festival de nouvelle danse (FIND) à la Société des arts technologiques (SAT) l’automne passé, elle improvise avec des dariseurs et la chorégraphe Linda Gaudreau en particulier. On l’a aussi approchée pour un film américain mi-horreur, mi-science-fiction, un projet qui ne verra cependant pas le jour. Avec le metteur en scene et comédien Jean-Claude Gauthier, du théâtre de la Récidive, elle explore en atelier le son et ses rapports avec le corps, ses mouvements et la voix.

Fraîchement arrivée du festival son et vidéo Phantom Power à North Bay en Ontario fin mai, elle se présente à Mutek avec i8u le 5 juin, dans le cadre d’un «programme survolté d’anticonformistes», avec la ferme intention de laisser sa marque.

En attendant le prochain album de Magali Babin, deux nouvelles pièces paraissent aux États-Unis: sur le label Intransitive, le CD Twenty Three propose Thermidor, sur l’étiquette and/OAR, sur une compilation en hommage au cinéaste russe Andrei Tarkovsky, elle présente At The End Of The Rope, enfin, un troisième et nouveau morceau intitulé 1/4, en duo avec i8u, paraît sur la compilation Mutek 2004.

La mystérieuse Magali Babin, ancienne guitariste du quintette féminin punk/improvisatoire Les Nitroglycérines, travaille le son et le métal depuis fort longtemps. En réalité, sa fascination pour les instruments et objets métalliques remonte au tout début des années 90, immédiatement après la phase fuzzée des Nitros. Son premier album Chemin de fer, paru sur l’étiquette No Type il y a deux ans précisément, présentait une musique définitivement non-conventionnelle, différente, aventureuse, ingénieuse et parfois même vaguement sensuelle. Une musique de silences et de bruits, d’espace et d’écho. La quincaillerie métallique de Magali se veut large et variée: casseroles, ressorts, écumoires, batteurs à mains, archets, cordes de guitares, table-tournante, roches… Tout y passe. Une démarche singulière et étonnante qui aurait certainement plu aux Berlinois d’Einstürzende Neubauten. Active sur la scène locale de musique actuelle depuis une dizaine d’années, la jeune femme aux longs cheveux noirs, coupe Louise Brooks, a partagé la scène avec, entre autres, Martin Tétreault, Éric Létourneau, Lori Freedman, Alexandre St-Onge et James Schidlowsky et offert des performances à Philadelphie, Baltimore et New York. De quoi rendre jaloux bien des musiciens. Rencontre avec la pétillante bricoleuse de sons.

Depuis quand travailles-tu avec les objets métalliques?

Depuis que je joue de la musique. Même en 86, quand j’étais guitariste dans un groupe punk, mon instrument était avant tout un objet qui servait à amplifier six cordes métalliques.

On a déjà qualifié ta musique de «sculpture sonore» et de «cinéma pour l’oreille». Éventuellement, serais-tu intéressée à créer de la musique pour un projet filmique ou pour la télévision?

On m’a déjà approchée pour le cinéma. C’était pour un film mi-science-fiction, mi-horreur, parfait pour moi! Malheureusement, le projet ne s’est pas concrétisé; un rêve parti en fumée. J’aime créer des ambiances sonores inquiétantes, hypnotiques et mystérieuses. Ce qui provoque chez les gens des images en écoutant ma musique vient en grande partie du fait qu’on ne reconnaît pas l’instrumentation, on imagine d’où proviennent les sons. Pour certains, ce sera un bruit d’eau, pour d’autres un bruit de feuille, etc. Mais pour revenir à ta question, les propositions pour le cinéma reviendront peut-être, je l’espère. Mais pour ce qui est de la télévision, ça me semble un domaine difficile à atteindre.

Comment procèdes-tu pour la «composition» de tes pièces? Dans quel environnement travailles-tu?

Avant, le geste improvisé était pour moi un bon canevas mais de plus en plus ma musique commence par une idée. J’intellectualise beaucoup ce que je recherche comme son, comme geste. J’écris, je dessine, je cherche des références. Quand l’idée devient trop vivante dans ma tête, je la concrétise en son.

Parle-moi de la collaboration studio de Jogging dans la maison hantée avec Mario Gauthier et Alain Chénier. Comment s’est-elle produite?

Cette pièce a été créée tout simplement grâce à un heureux hasard. En fait, nous nous sommes amusés avec une des pistes déjà enregistrées. Nous l’avons jouée à l’envers et manipulions la vitesse manuellement grâce à un logiciel de son. Chacun à notre tour, nous avons fait un tour de piste.

Certains ont comparé ton travail avec celui de Seth Nehil, Alexandre St-Onge, Jupitter-Larsen. Des comparaisons dérangeantes ou flatteuses?

Les comparaisons, comme les étiquettes, je n’y fais pas très attention. Je travaille avec Alexandre depuis plusieurs années. Je pense que nous avons la même qualité d’écoute pour jouer de la musique improvisée. Nous avons également travaillé avec Éric Létourneau sur des œuvres plus complexes au sein de notre trio de performance sonore, Mineminemine. La relation que nous établissons entre le son et la performance est sûrement un élément commun entre le travail de Larsen et le mien.

Tu travailles déjà sur un prochain projet d’album? Tu as une idée à quoi cela ressemblera?

Oui j’y travaille, mais j’aime dire paresseusement. Ce prochain album aura comme thématique l’intimité.

Sur Pluie de homards, on retrouve la pièce Rain de Ian Nagoski en fond sonore. Pourquoi ce choix?

Je dirais que c’est le concept de la complémentarité des contraires qui m’a une fois de plus inspirée. Lorsqu’on écoute Pluie de homards, on entend deux univers sonores qui ne sont pas vraiment fondus l’un dans l’autre. Il s’agit de deux sources indépendantes et jouées parallèlement l’une à l’autre. L’une est loin, l’autre est proche. L’une est claire et répétitive, l’autre et saccadée et énigmatique. L’une a été produite à partir d’un objet en acier inoxydable, très lisse, l’autre est le son cru de la rouille que je gratte. La rencontre des extrêmes est un leitmotiv important dans ma démarche.

Quel genre de musique as-tu l’habitude d’écouter chez toi?

J’ai la chance de vivre avec un collectionneur de musique. Nous écoutons (et faisons connaître à nos enfants) vraiment plusieurs genres de musique. Mais, étrangement lorsque je suis seule, je n’en écoute pas. J’aime les bruits de fond. Les sons organisés de mes appareils électroménagers. Les bourdonnements confus provenant de chez mes voisins. Les sons de ma vieille maison qui craque de partout. Les sons anecdotiques provenant de l’extérieur. Je suis une auditrice contemplative, parfois je pense même que j’aime écouter l’herbe qui pousse (rires).

Quelle expérience auditive particulière désirais-tu faire vivre à celui qui tend l’oreille à Chemin de fer?

Si expérience il y a, disons peut-être celle des possibilités.

Comment envisages-tu l’avenir de la musique dite «bruitiste», «abstraite» ou «avant-gardiste»?

Je pense que la création sonore sera toujours en marge de «l’industrie» de la musique. Par contre, elle est et restera une partenaire indispensable aux autres formes de création. En ce qui me concerne, j’aimerais travailler davantage avec les dimensions qu’apportent par exemple la danse, le théâtre, le cinéma et pourquoi pas l’art web, les nouveaux médias. Ce que j’ai à offrir, ce sont des ambiances, des textures, des lieux, des personnages sonores. Comme je le disais auparavant, depuis trois ans je travaille au sein d’un collectif de performance sonore. Avec Mineminemine, le son est un accessoire, tout comme l’espace, l’éclairage, la présence. Ces éléments composent une action performative qui peut être narrative ou non. Je pense que la création sonore, qu’elle soit «bruitiste», «abstraite» ou «avant-gardiste», a tout intérêt à se produire autrement que sur les supports conventionnels et dans les circuits de la scène dite musicale…

Did you ever stop in your tracks while cooking dinner to listen to the sonic possibilities of this pot or that pan? Well, you should. Magali Babin acted on this impulse and has since developed an art form out of kitchen utensils and discarded metal objects. Chemin de fer is her first album. The title means “railroad” but is more accurate when translated literally: “road of iron.” This is not bang-on-a-can noise. Babin studies metallic sounds up close, using close miking to capture all the subtleties of her tappings and scrapings. Her approach bears similarities with lowercase and microsound esthetics — indeed, she puts her “instruments” under the microscope. Looping, filtering, but most of all exploring all the sonorities contained in them, she improvises strange, captivating pieces. However odd they sound, they remain vaguely familiar. Triturations and Petit jardin stand out, simply because they take a form more constant and eventful than the other pieces. Jogging dans la maison hantée was created with producer Mario Gauthier and sound engineer Alain Chénier taking part (although their roles are not specified). Pluie de homards is an improvisation over the noise piece Rain by Ian Nagoski. Ma tribu begins with a simple sound (what?) and builds up to an abrupt end, Francisco López-style. L’entonnoir is the noisiest track, recalling some of GX Jupitter-Larsen’s experiments, but without the macho “subliming violence” vibe. Even in her harsher moments, Babin keeps her art under a feminine touch. Impressive.

Magali Babin is active on the Montréal sound art scene. Mr Dontigny of the No Type label lets on that it was almost by chance that this CD became the third (or second; the previous one was a double) issue with the No Type logo. Mr Dontigny happened to hear – just days prior to the label’s birth – that Magali Babin’s audio project at the CBC had been cancelled, and that she was looking for other venues of diffusion. As Mr Dontigny says; “the timing could not have been better,” and No Type signed Babin on.

The booklet – displaying the regular high-quality fold-out magnificence that is has in common with empreintes DIGITALes proper – explains that most of the sounds we hear on this set are derived from metallic instruments and objects (instruments being objects made with the specific purpose of being… instruments, while objects were made for other reasons, but demonstrating instrumental qualities as a by-product of their humble object existences… and the third alternative is the case of found objects which could be just natural findings like rocks and ice, which weren’t designed – I suppose… to act as sounding objects, much less instruments… but sound persistently anyhow and anyway!)

Most of the events herein are improvised by Magali Babin, with the exception of track 7, which was “crafted in joyous collaboration with Alain Chénier and Mario Gauthier”, and track 9, which has been mixed with the piece Rain from Ian Nagoski’s CD Warm Coursing Blood.

That said, on to listening!

The beginning is a start, but there is no actual beginning or end to this piece; Triturations… The sliding of rocks over rocks, granite across gneiss, or boulders over rock bottom expanses keeps on keeping on, and to me this sound world is the murmur of Time itself passing through these lonely worlds. The sounds are subdued but grave, humble but terrible – and these minutes of Babin time rubs off on your own calendar, making it obsolete in this vast void of minerals and millennia…

Track 2 – Petit jardin – is more French, more detailed, more microscopic, tingling, trickling and seeping… as little elves and fairies hover in the shadows over at the garden pond – and it makes me recall some worlds by Finnish guru electroacoustician Kaija Saariaho. There is a fair amount of deep wood enchantment in Finnish culture, you bet, and this property shines and shivers inside Petit jardin. Masterly, how Babin builds this dense atmosphere with sparse means in but a few minutes!

La corde is chordal in its attributes, you would have guessed! This comes close to some latter day guitar improvisations by the likes of Ernesto Diaz-Infante and Chris Forsyth, even though I’m certain Babin did not use any guitar. The chordal elasticity and picking pluck feel is ever present, anyhow, and close mikings enhance the experience. It is indeed very nice, almost pick-pocketing, fingers moving about around those mashed up remains of chewing gum wrappings…

Number 4 – Monsieur et madame Watt – sports a thin, droning current of electricity, making me think of Joni Mitchell’s Electricity from For the Roses: “input, output, electricity…,” maybe for the lines that go: “she don’t know the system, plus she don’t understand, she’s got all the wrong fuses and splices, she’s not gonna fix it up to easy, the masking tape tangles, it’s sticky and black…” and so forth, and simply because of this humming current that could easily start emitting sparks and charges all over the room, and Babin’s very peculiar and amiable picking keeps up, like some old maid of the 19th century nervously picking and picking her apron while she waits for a secret lover or hell from her master. Babin’s piece once again gives rise to many fantasies and visions, which in my world is one of the best things I can say about music! Towards the end the electricity gets dangerous! Suddenly I wake up inside a power plant, the electromagnetic force field overwhelming…

5 – E – talks at me through the jerky and stiff jaws of tinplates or slabs of sheet metal, revealing some of the inner psychology of such materials. The metals are like drugged and just recently awakening ants on the inside of the hard matter. It has got to be the atomic jitter I’m sensing in this piece. On the other hand, sometimes this could appear to me like the slow motion rendition of tin can talk; all those truckloads of tin cans traveling all over the Americas, all over Europe, to reach those super market shelves… Is this their small talk in the road?

Havoc is administered on track 6 – L’entonnoir – in the manner of barrels rolling down endless slopes in some painting that Chagall never got around to do… but his age is the time of these events. It might even be winter, and black craws are flying up and fluttering around as the battalion of barrels roll and tumble on down like friendly but helplessly dangerous metallic speed freaks, in vain hoping – yes, thirsting! – for a valley which never comes, since this is the world of never-ending slopes… and the religion of tumbling barrels aims at the valley at the end of barrel existence…

Track 7 –Jogging dans la maison hantée — opens in a tweeting, tweaking manner, elastically, rubbery, forcefully seeping through cracks, emitting molten or mashed matter like hot rubber through the cracks of wooden horizons… The shrill sounds, which are rare here, sort of escape the tough goings-on behind and beyond those coniferous horizons, and the events that are hinted at and revealed in traces and remnants can’t be anything else but creation per se, or maybe a human mind finally at work with changing his views, trying to understand something else, and if so, it’s that something else that keeps tweeting and seeping through those wooden cracks, and I can already smell something; don’t know exactly what. Babin’s imaginative sound worlds are excellent mind tumblers!

Piece number 8 – Ma tribu – indeed conjures up pictures and archetypical memories of village get-togethers down the millennia of the African continent, rising in volume and presence to an almost painful drum dance across the dry, beaten piece of ground in the center of village and ceremony. A wheezing character of the drumming lets on its shamanistic, dream-like state, far on the inside of any real-time here-and-now occurrence, summing up the force and strength om the good medicine of thousands and thousands of years in one, wild, intense drum-beat, lashing out at you from the true state of Time…

The last entry on Magali Babin’s CD is Pluie de homards. First it appears like some early electroacoustic – or rather electronic – piece of ingenuity, but soon it travels into the realm of timelessness that seems to be the breathing air of the composer. The watery property is clear, but it’s massive, as if a closely miked gush of water at high pressure down a tin bucket! The force is magnificent and the speed immense! Overtones and obscure timbres swirl around the running water like a thick layer of gleaming, gleaning grains of sound and light. You name it, we like it!

This No Type release of the sound artist Magali Babin has is a true sonic adventure, revealing true ingenuity and artistic splendor!

Following the No Type compilation, three new disks from the real world collaboration between David Turgeon and DIFFUSION i MéDIA arrived at Ampersand Etc.

Magali Babin improvises her sounds on “metallic instruments and objects, which [she has] made, recycled or reinvented,” which go beyond the tin things pictured on the cover, as the notes also mention “a rather small electrical object… guitar pick up,” the mike placement has also had an important impact, as has “the studio work.” However, created originally for a radio show, the pieces here demonstrate the range of her constructions.

It opens with a more tentative, less structured piece that like many improv albums, tests the listener straight off. Triturations is an amalgam of shimmers pops scrapes twangs voicey-noises shakes subtleties and crackles that twists and changes adding thuds and winds in a complex electroacoustic weave of sounds of unusual colour and timbre. Petit jardin is more straightforward, alternating periods of a strumming with the sound of pebbles dropped in a bowl, with an overall chime, adding a scooping sound near the end. With my french, La corde is appropriately named – scraping and some plucking of a stretched wire accompanied by a percussive thud that sometimes sounds like a ruler being twanged. Monsieur et madame Watt has two components: an electronic buzz with becomes a wave and then a pulse over which there is a light percussive rumbling and scrabble. A tapping rolling scrape in E sounds like the microphone was inside a pipe being played, gradually speeding up, and into the big rolling percussion of L’entonnoir that forms a full-on assault over droning base and light playful tappings over. Jogging dans la maison hantée – was composed with Alain Chenier and Mario Gauthier (from the radio station): sighs and clicks run through as little noises explode over – scrapey rumble, high wail, rubbing noises – that ebb and flow returning wit stretched decay for a little big finale.

Dramatic flourishes of tapping and a fast rubbing increase in volume and speed in Ma tribu, eventually pulsating. And then the finale, Pluie de homards (which has been mixed with an Ian Nagoski piece apparently) a fabulous conclusion, verging on electro-noise as big hollow resonances whoosh over a light crackling clatter. And nicely completes the trajectory the album has created from its more finely grained opening.

An unusual and engrossing album. As you read the reviews of the others that make up this first batch from IMNT, it will be obvious that David Turgeon has maintained the unique eclecticism that made/makes the on-line label so fascinating. I hope that there is enough interest in the real world to allow the label to continue this musical exploration. For those in the know, the IMNT releases are packaged in the same card sleeves that are a little like upmarket cigarette packets. This allows for some interesting artwork and extensive liner notes, and maintains the tradition.