If you’ve had enough of the fidget and scrape school of improv, may I suggest you try a large draught of Klaxon Gueule? Klaxon Gueule is not an exotic liqueur, it is in fact a band, a guitar,bass and drums trio to be exact. As such you might fairly expect them to do a lot of muscular interplay and virtuosic soloing but you’d be wrong, in fact they make sounds that are about as far removed from traditional power trio playing as it’s possible to make.

The trio’s first effort, a double entitled Bavards, was an energetic ensemble effort which touched on improv, punk and a variety of other styles. Muets, their second disc, throws out the rulebook and sets about creating an eerie world of dry scrapings and sudden electric interjections.

Stylistically AMM may be the closest reference, however the trio eschews longform investigations in favour of short, measured meditations.

The first few tracks concentrate on a microtonal sound world of string scrapings, rustling noises and gentle electric rumbles then track 4 breaks the gently lulling ambience with shocking electric blasts. A metronomic device ticks away quietly in a bath of fidgeting, buzzing drones (a la Keith Rowe’s desktop guitar excursions). Assorted devices are rattled and strummed whilst dense jolts of power chords threaten to blot out the whole thing.

Track 5 displays a sudden change with a chorus of incomprehensible whispers are ridden over by Michel Côté’s rattling percussion work set against a background of phasing drones.

Track 8 inhabits a world of huge bass drones. A chiming percussion sample keeps time whilst Alexandre St-Onge’s arco bass thrums and bends the bottom end all out of shape. Bernard Falaise’s fractured electric guitar scrapes and keens over the top and the thing eventually mutates into a pulsing, vibrating mass.

The trio are credited with only guitar, bass and drums as instrumentation however I could swear other assorted electronic devices are in use such are the range of looped and manipulated sounds, Bernnard Falaise’s guitar in particular is expertly employed throughout like some kind of finely tuned sand blasting instrument, burnishing and tarnishing the contributions of the others.

If you thought guitar, bass and drums had nothing left to offer, Klaxon Gueule have served up a whole new cocktail that deserves your attention.

Qui a déjà vu Jean Derome sur scène, seul ou accompagné de la perceuse d’oreilles Joane Hétu, sait que l’homme refuse l’ennui. Sur ce 3ème disque en compagnie de ses Dangereux Zhoms il porte l’improvisation musicale à ses limites: jouer live pour l’honorer au maximum (la notion de «risque» dans cette discipline est plus forte en public), et tutoyer la composition (certaines structures complexes sont préétablies et fixent parfois le point de départ des passages free). Ainsi naît un jazz déboité, tellement fourré de polyrythmiques, qui élude volontairement l’aspect sombre et trop sérieux souvent employé en improvisation. Derome s’amuse, prend du plaisir à jouer cette musique pourtant trés précise où l’aléa introduit par les partenaires (ici entre autres: René Lussier, Tom Walsh, Pierre Tanguay, Pierre Cartier… ) peut déstabiliser l’ensemble à tout moment. Derome joue la musique, dans tous les sens du terme.

The second disc is a collaboration between Lussier and Martin Tétrault, with Lussier on “daxophone” and Tétrault on synth, pick up and “boîte à rythme”. 19 tracks inspired by musique concrète traditions, or anti-traditions, depending on your perspective. For some reason, each track title carries the suffix “ure” (Augure, Nature, Mixure, Culture… ) and defines the theme for each composition. Recorded in 1998 — this time in the Radio Canada studios in Montréal — this collaboration is a surprising clash of two radical improvisers working together to create 19 soundworlds of varying moods and themes. Lussier and Tétrault contribute whirrs, whistles and grating sounds corresponding to the particular theme of the composition. For instance, Nature sounds like a virtual forest complete with clusters of birds and the rustling of leaves. Light contrasts with dark on this disc with the threatening sounds in Tellure or the warbling and growling of Aventure. The sounds throughout the disc range from very loud shrieks to quiet rumblings, but mostly things comfortably lie somewhere in between. Lussier and Tétrault work extremely well together, and they have succeeded in creating an inventive and unique record. Recommended for the adventurous.

The solo disc by René Lussier presents fourteen improvisations for electric guitar as they were recorded in 1998, without any sort of montage or overdubbing. Lussier utilised eight microphones for the recording, giving these improvisations the appearance of a more elaborate montage. A diagram shows where the microphones were placed. Most of them are placed at various points in the room, some mono and some stereo, but the eighth microphone was placed outside of the recording room! Improvisations for guitar are by no means a rare commodity in the musique actuelle scene these days, and it has taken me some time to be able to listen to this record and approach it with some degree of objectivity. That being said, at first I didn’t find much that was very intriguing when I first listened to this disc. A certain playfulness in the performance and the interesting use of the 8 channels were all that I could see. But when I approached this disc again, it suddenly opened up (or, perhaps it was I who suddenly opened up) revealing much more than the mere playfulness I had suspected. Only then was I able to perceive a more deliberate method in Lussier’s playing and a certain richness in the wide range of sounds that issue forth from his axe. Lussier is an accomplished innovator in dreaming up new methods and techniques for guitar improvisations, and, though not particularly to my taste, these 14 tracks are certainly food for thought.

Musique, peinture, danse, littérature, théâtre: sans lieu qui permette à l’esprit créateur de s’épanouir, ces mots demeurent des catégories, sans doute commodes pour le classement mais qui attendent d’être habités par les œuvres. Elles ne tardent pas à venir tant le génie du lieu renvoie aussi à ce que deux ou trois Grecs rêveurs ont appelé l’inspiration. Pendant tout l’été, nous vous invitons à entrer dans les coulisses de la création en visitant l’atelier, la chambre, le loft ou le studio de quelques artistes du Québec choisis dans différentes disciplines. Soyons modernes: ces lieux sont éclatés, taut à la fois espaces mentaux et cadres physiques. On les trouvera aussi bien dans la rue, dans tel café où l’on a ses habitudes. Pour la percussionniste Danielle Palardy Roger, c’est un sous-sol minuscule, bas de plalond, rempli de cymbales, et son ordinateur, dans une pièce qui donne sur le chantier des usines Angus.

Une femme batteuse. Pas battue: batteuse, comme dans «qui joue de la batterie». Elle est doublée d’une compositrice qui est aussi productrice dans la boîte Productions Super-Mémés. Une femme à l’excentricité tranquille.

Cela commence d’abord par un cul-de-sac. «À la fin des années 70, alors que j’évoluais dans le monde des arts visuels, j’ai senti que je n’allais plus nulle part. Que tout cela était utile, pas fait pour moi.» La suite, c’est un coup du hasard. «Pour dépanner, littéralement, des amis qui étaient dans une fanfare, on m’a demandé de remplacer un musicien.» Pourtant, Danielle Palardy Roger, même si elle a bien fait un peu de piano toute petite, ne connaît pas vraiment la musique. Par camaraderie — et aussi un peu par défi —, elle accepte et se retrouve avec… une grosse caisse entre les bras. De celles qui font boum boum dans les défilés ou les kiosques le dimanche. Éclair de plaisir, coup de foudre. «J’ai découvert un territoire complètement vierge. La musique, pour moi qui n’étais pas restreinte par, les exigences d’un apprentissage académique de cette discipline, s’est révélée être un lieu où je pouvais exblorer et m’exprimer.»

Nous sommes au tournant aes années 80. Un vent nouveau souffle sur le monde musical contemporain, un peu sulfureux. Le phénomène, baptisé musiques actuelles, se révolte contre l’intellectualisme de la musique contemporaine et la rigidité de la musique écrite. Les créateurs retournent au sous-sol, se souviennent du rock’n’roll et se lancent sans filet dans les trapèzes de l’improvisation. Le décor est maintenant campé, Danielle Palardy Roger entre en scène.

Les débuts l’enthousiasment.«Moi qui étais habituée à la solitude de l’atelier, je me retrouvais avec des femmes qui, comme moi, inventaient le plaisir de travailler en groupe. L’échange oui, ce fut vraiment important, et c’est cette communication combinée a une inouïe possibilité d’ouverture que m’apportait la musique qui m’a accrochée.» Le groupe se trouve un nom: Wonder Brass. Premier clin d’œil revendicateur. C’est une sorte de big band de free jazz où elle s’assoie à la batterie.

Période bénie: «On surprenait le public, on nous écoutait.» Mieux encore: «Ce qui nous a le plus surprises, ce furent les encouragements de musiciens que nous respections infiniment. De sgens tels Fred Frith ou Chris Cutler manifestaient leur appréciation de notre travail. On était vraiment stimulées.»

Une batterie pour dire

Un leitmotiv dans les paroles de Danielle Palardy Roger: «La batterie, c’était un territoire vierge [ce mot là, elle le répète comme si elle avait une soif sans fin de la page blanche]. Elle m’a donné envie d’explorer le son, de le créer, voire de déformer le matériau.» Tout de suite s’impose une ligne directrice. Ce travail ne se compare en rien à l’image du créateur isolé. «Je fais de la musique pour moi, c’est vrai, mais je le fais aussi avec et pour des musiciens, et surtout pour le public.»

Les premières réalisations sont «exaltantes, apportant une sensation de liberté et d’innocence incroyable». Parallèlement, il lui faut se rendre à une cruelle évidence: si la musique ne nourrit pas son homme, elle ne nourrit pas sa femme non plus. Alors, je me suis fait libraire pour gagner ma vie». Une activité qu’elle a depuis abandonnée pour devenir responsable d’une maison de production de concerts, les Productions Super-Mémés.

Wonder Brass fait son temps; le public commence à déserter une fois le choc de la nouveauté passé. C’est le début d’un long cautionnement. Avec des amies, elle fonde les Justines (quel modèle!). «Là aussi, au début, les gens venaient nous entendre, mais on s’est mises à radicaliser le propos, et peu à peu, les salles se sont vidées.» Comme Danielle Palardy Roger a soif de communication autant que de création, elle tente de tendre la main. C’est ainsi qu’elle réussit le tour de force d’offrir une série de quatre concerts sur le thème des saisons l’année dernière au centre culturel Calixa-Lavallée. «On voulait-retrouver l’esprit de la fête, cette joie que procure la musique et la recherche de sons nouveaux, de nouvelles manières de la faire et de la présenter.»

La vie offre parfois de mauvaises surprises. A une époque où Danielle Palardy Roger commence à s’interroger sur les difficultés de toujours travailler «en collectif» son père est victime d’un ACV dont les séquelles qui la touchent le plus sont l’aphasie qui en résulte pour lui. La batterie de Danielle Palardy Roger devient alors un prolongement de son corps, de ses sentiments, de sa langue même. Elle se sent un peu com me son père: enfermée, isolée, sachant quoi dire mais dans l’impossibilité de l’énoncer. De ce problème de communication entre deux individus, causé par la maladie, elle tire un parallèle cinglant entre la difficulté du compositeur à communiquer avec son public.

Sa batterie se fait donc extension de son corps, lieu d’une action qu’elle nomme «lac de générosité où je retrouve l’importance de l’enfance, où la musique, pour moi, devient véritablement organique». Pour accentuer davantage l’urgence de son propos, elle n’hésite même pas à recourir à des textes exploréens de Claude Gauvreau pour monter un spectacle (et il faut comprendre que, chez elle, cela veut dire créer une œuvre) qui traitera de ce sujet.

C’est qu’avec sa batterie et sa voix, elle se cherche un interlocuteur, le «public», ce public qu’elle a choisi par son art comme interloeuteur privilégié. L’expérience est rude: «Quand j’ai vu qu’il y avait si peu de gens dans la salle alors que je donnais le meilleur de moi, je me suis sentie profondément et désespérément isolée.»

Malgré ce découragement, elle ose poursuivre. Danielle Palardy Roger s’engage de plus en plus dans le milieu musical. Pour elle qui fait sait partie de l’organisation de La Symphonie du millénaire, il faut tout tenter pour vaincre cette «incapacité qu’ont créateurs et public[s] à se rencontrer».

Et l’avenir?

On a tous, quelque part, une image stéréotypée du créateur qui souffre. Pas elle. «Je n’ai absolument aucun, mais strictement aucun atome crochu avec le modèle de l’artiste qui souffre. La création me colle à la peau; je ny peux rien, je suis faite comme cela, c’est ma façon d’être. Hier c’était les arts visuels, aujourd’hui, c’est la musique. Demain, je ne sais pas, je verrai. Je n’ai aucune inquiétude en ce sens.»

Arrivée à la cinquantaine, elle se sait philosophe au point où elle ne veut modestement pas le dire. D’un rien, elle cherche le tout. D’abord la paix dans l’existence. Le jardin de sa petite maison peinte en orange est assez éloquent à ce sujet. La couleur, cela influence! Dans son sous-sol, son armada de cymbales qu’elle fait vibrer en est la preuve.

Tout comme ses intérêts actuels. «Je m’amuse beaucoup en ce moment avec ma grosse caisse. En mettant toutes sortes d’objets sur sa peau — cymbales, timbre, main, cailloux… —, on arrive à la faire chanter. C’est tellement beau…» Comme quoi l’imagination a des voix qui offrent plus de détours que de méandres. C’est ainsi que son visage tout à coup s’illumine. «Je cherche plus de légèreté, je veux maintenant plus de légèreté, dans les objets comme dans la musique», dit-elle, presque sereine.

La création de l’avenir, pour Danielle Palardy Roger, est-ce que ce sont ces œuvres et ses concerts? Pas vraiment; c’est, pour l’instant, la musique. Cela reste, pour toujours et à jamais, la vie.

Pierre Tanguay’s first solo album is what he calls “heavy-new age” background music. What this means, precisely, is unclear — but I can tell you that it’s ethnic sounding bells, whistles, gongs and horns used to create a kind of ambient music kind of thing. I fell asleep listening to it (although this was perhaps more due to the fact that I had just had lunch, that I was in a stuffy room and that I was at work!), which points to Tanguay’s ability to write harmless, unimposing stuff. This is good in some settings, as true background music, but isn’t desirable in others, like concerts or active listening. To be fair, Monsieur Tanguay, is good at what he does, it’s just that I’m finding myself more turned off by impenetrable, artsy, French-Canadian stuff lately, and on this count he strikes out.