Les années se suivent et ne se ressemblent pas au FIMAV. Après quelques années avec des orientations se démarquant clairement, cette année et l’année dernière ont été davantage variées. Pour cette édition, les festivaliers ont eu droit à un bon nombre de petits ensembles dédiés à musique expérimentale instrumentale et composée mais également à plusieurs électroacousticiens et groupes rock. Retour sur une cette trente-deuxième édition intéressante bien qu’inégale. […]

Après la pause du souper, la soirée s’est résumée avec une performance joignant deux grands ensembles québécois de musique improvisée, Ensemble Supermusique de Montréal et le GGRIL de Rimouski. Mené par le français Olivier Benoit, les deux groupes, qui totalisaient ensemble quatorze musiciens, s’en sont donné à cœur joie avec une longue pièce nuancée mais d’une intensité louable. Si on aurait pris davantage du bruitisme de Vergil Sharkya et de Martin Tétreault, le jeu grandiose d’Isaiah Ceccarelli à la batterie, la rythmique pesante de Luke Dawson et les sons tonitruants d’Ida Toninato au saxophone ont ravi les festivaliers, moi inclus. Si la musique improvisée en grand ensemble avec direction comporte son lot de clichés (grandes montées, moments de folie un peu forcés, etc…), Olivier Benoit a su mené la barque avec brio, poussant les musiciens à leurs limites et en favorisant le développement organique de la pièce plutôt que la formule «spectacle» trop souvent associée à l’exercice. Un succès! […]

The name Pierre-Yves Martel we have encountered before, mostly working with others, such as being part of the duo Sainct Laurens (Vital Weekly 970), the quartet Quartetski (Vital Weekly 929) and various more impromptu improvisations with Carl Ludwig Hübsch and Philip Zoubek (Vital Weekly 890), Martin Tetreault and Philippe Lauzier (Vital Weekly 812). This might very well the first time I review a solo recording of his and I am not sure if this is a live recording or not. I must admit it does sound like one, captured in a place with some natural reverb; perhaps a church or a chapel. This is music with much silence between the notes. Martel plays here viola da gamba soprano and harmonica and plays a few notes on either instrument and then remains quiet for a couple of seconds. Judging by hearing this, these moments of silence are not perfectly timed, nor are the amount of notes fixed in each of the bits that actually is the music (of course, of course, I know, silence is a rhythm too). Sometimes they are a bit longer and sometimes quite short, but they are never under a few seconds anyway. It makes listening to this quite a radical experience, not one that can easily does while engaging in something else. This is something that requires one’s full attention I would think and only then it works quite well. I was distracted by the phone half way through for a short while and then found myself starting all over again, to soak up the true spirit of the piece. Not the easiest music around but one with quite some beauty hidden in both music and the silence that surrounds it; or vice versa of course.

The 32nd edition of the Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville began with a performance of new compositions by Norwegian guitarist / composer Kim Myhr with Montréal’s Quatuor Bozzini in the town’s new cultural space, Carré 150, an impressive $28 million structure that stands on the site of the former Cinema Laurier, one of the performance homes for the festival for many years.

If we’re looking for themes, the first two days’ concerts featured the human voice and by extension, the notion of breathing and the breath mechanism. Both the Bozzini / Myhr ensemble and the Julie Tippetts / Martin Archer Ensemble that followed included vocalists who incorporated poetry and song into the performances. The music of Bozzini and Myhr, who did two pieces, one by Christian Wolff and the other by Myhr, was spare and slow-moving, but insistent and hypnotic, with Angell reciting the poetry of the British poet Caroline Bergvall. The following performance, the Montréal-based vocalist Erika Tippetts / Archer group was performing live for the first time ever, despite the fact that they have been making music in the studio for a decade and a half. Their music is very much in the prog- rock sphere, with elements of the blues, a big bass sound and electric keyboards underpinning the group sound and providing a strong foundation for Tippetts’ soaring voice. […]

The three performances on Friday evening all featured Quebec and Canadian musicians. Electric bassist / composer / educator Éric Normand lives in the small town of Rimouski, Quebec, where he leads a group called GGRIL, comprised mainly of amateur musicians from the Rimouski area. In starting GGRIL a few years ago, Normand has created an enormously important community music project that is reinvigorating the improvised music scene in Quebec. GGRIL were joined at Victo by veteran Montréalers Jean Derome and Joane Hetu and Ensemble SuperMusique, for an improvisation conducted by French guitarist / composer / improviser Olivier Benoit. There was no vocalist; it was the music itself that breathed and vibrated to the rhythm of the breath and beating of the heart. Benoit’s choice of moves for the musicians was impeccable, as the hour-long piece built up slowly to two climaxes, the tension palpable throughout. This was easily the best improvisation by a large Quebec ensemble heard here in many years. […]

Les accords intuitifs is the fifth CD by Ensemble SuperMusique, a large Montréal-based group that performs compositions that are conceptual explorations. The core group consists of reed-players Jean Derome and Joane Hétu, guitarist Bernard Falaise, and percussionist Danielle Palardy Roger. On its latest recording, it expands to twelve members, in two different complements of musicians, for five pieces composed between 1976 and 2015. Methodologies vary from piece to piece, but the ensemble’s close listening and concentrated attention create consistently engaging music.

For Malcolm Goldstein’s constantly shifting Jeu de cartes (2014), each musician randomly selects four cards including graphic notation, a rhythmic pattern, a word in French, and a place in the performance’s time sequence. Ensemble SuperMusique uses the chance methodology to create both drama and surprise. Similarly, Raymond Gervais’s Accords intuitifs (debuted by Derome in 1976) assumes power and mystery in the long and short ensemble clusters and brief solo improvisations.

While the momentary bursts of Yves Bouliane’s Champ (10 interventions), from 1977, take on fresh dimension with Martin Tétreault’s turntables, Bernard Falaise’s La trotteuse (the second hand) from 2015 uses tightly coordinated passages for 12 musicians and 12 metronomes, initially playfully fracturing time before assuming churning power.

Joane Hétu’s Pour ne pas désespérer seul (2011) is a work in eight movements with the order spontaneously determined. It’s inspired by oppositional social sets (stationary / nomadic, etc.), but that hardly prepares one for the work; its materials including chanting (oddly suggesting the Mothers of Invention) and a manic and compound effusion that wittily updates the swinging big band, with brassy outbursts from trumpeter Craig Pedersen and trombonist Scott Thomson.

Like all of SuperMusique’s realizations, Les accords intuitifs is a genuine adventure.

«Verser du sang»…

c’est le «fait de souffrir pour une cause que l’on croit juste.» «Verser du SON» est le penchant musical de cet acte engagé. Quand on parle d’un verseur de son, il ne s’agit pas d’un interprète qui joue fort en brutalisant bêtement son instrument, mais bien d’un musicien qui en tire des sons comme s’ils provenaient de sa propre âme. Tout comme le comédien doit incarner son personnage pour toucher son auditoire, le verseur de son se livre à la musique dans l’espoir de ne pas laisser le public indemne, et il faut parfois que le musicien laisse quelques morceaux de lui-même sur scène pour rejoindre les gens dans leurs tripes et leur cœur.

Il y a donc de cette sensation d’offrande dans le travail d’Émilie Girard-Charest. Pour l’album Émilie préfère le chant, la violoncelliste a interprété les œuvres de quatre compositeurs et une de ses propres compositions, nous donnant à écouter un «parcours des extrêmes». Reconnue pour son ardeur et sa fureur de vivre, la jeune femme se revendique d’une musique entre délicatesse et joie sauvage, entre tendresse et violence, entre exubérance et fragilité.

S’offrir — Émilie Girard-Charest

On retrouve de cette fragilité dans S’offrir, une composition de Girard-Charest. Dès les premières minutes de l’album, nous sommes saisis par un sifflement pianississimo au sommet du registre du violoncelle. En désaccordant de façon extrêmement sensible les cordes de l’instrument, la compositrice crée des modulations imperceptibles, donnant à la fois l’illusion d’une immobilité du son, et une impression d’entendre plusieurs violoncelles en même temps! Le résultat est une sorte de «portait musical», de nature morte où se mêlent le souffle de l’archet et le grain du bois. Hormis ces passages tout en texture, l’œuvre contient quelques segments mélodiques et articulés. La pièce, déjà très concise, aurait-elle eu encore plus de poids en épurant même ces contrastes? Une question que je lance…

Altered Grey — Fredrik Gran

Altered Grey du suédois Fredrik Gran commence en force. La première moitié de cette pièce mixte est prometteuse. Le violoncelle prend peu à peu sa place. Les vides sont comblés par une bande, assez épurée, et la combinaison noise-instrument à corde marche très bien. La partition de violoncelle croît en intensité, et l’on pourrait croire que les quatre premières minutes seront suivies d’un grand boom. Curieusement, la bande ne suit pas. La musique ne lève pas assez pour permettre à l’auditeur de décoller de son siège, d’autant plus qu’il y a un déséquilibre entre la bande et instrument qui nous paraît assez «loin dans le mix».

Detrás de la montaña — Sergio Castrillón

Avec Detrás de la montaña de Sergio Castrillón, on a affaire à une belle pièce, très convaincante. Dès le commencement, on croirait que le violoncelle est possédé! La forme, sorte de A-B-A’, se résume à des articulations très dynamiques, des mélodies lyriques, et des trémolos en crescendo vers fff. Tout ceci englobe le noyau dur de la pièce, un drone magnifique sur la note de do. Minimaliste à souhait, rappelant distinctement les premières minutes de S’offrir, la pièce nous subjugue pendant les 6 minutes que dure ce passage. À ce sujet, on remarque peut-être un certain débalancement formel, le mouvement central, occupant près du 2/3 du morceau.

Espoir squelettique — Maxime Corbeil-Perron

Au contraire, Espoir squelettique de Corbeil-Perron, avec sa forme simple, semble tout à fait équilibrée. Quoiqu’un tantinet longue, l’introduction est réussie, et l’on est tenu en haleine jusqu’au moment où la musique s’emporte en une masse de trémolos de violoncelle. Celle-ci se transforme en une trame reposante, lumineuse, et, on peut bien le dire, pleine d’espoir. Pas de doute, on est bien dans le style cathartique du compositeur. Même si elles sont séparées en trois parties, les neuf minutes, très fluides, peuvent être perçues comme un seul geste. En ce sens, Corbeil-Perron aurait pu se permettre de rajouter quelques minutes à son œuvre pour nous en offrir un second.

Émilie préfère le chant — Joane Hétu

L’album se conclut avec la pièce Émilie préfère le chant, une composition de Joane Hétu dédiée à la violoncelliste. L’œuvre est un mélange comique d’exubérance, de mélodies simples et d’arco grain féroces. Pour son interprétation en concert, Girard-Charest s’élance sans aucune hésitation. Les veines de son cou se tendent pendant qu’elle rudoie son instrument à coups d’archet, à tel point qu’elle est forcée de replacer ses lunettes qui ne cessent de glisser. La musique ressemble aux errements en zigzag d’une pensée, en particulier lorsque la violoncelliste se met à fredonner des airs. Certains auditeurs seront peut-être même déconcertés quand ils entendront l’interprète pousser des rires et des cris. Il y a de la sorcellerie dans cette pièce, de l’inquiétante étrangeté…

En somme…

Girard-Charest offre, à nous comme à elle-même, un trip musical généreux qui confirme son talent d’interprète. Les questionnements ou réserves que l’on peut avoir seront par rapport aux compositions, dont les petites imperfections (quelle pièce n’en a pas?) seront très certainement réglées par leurs compositeurs, la plupart encore très jeunes, au fil du temps et de l’expérience. C’est ainsi qu’il sera possible de trouver l’équilibre juste au milieu des contrastes et des extrêmes.