Au cœur des mutations entre langues réelles et langages inventés, à travers le parcours géographique ou imaginaire des peuples qu’elle a fréquentés ou rêvés, Géraldine Eguiluz refait son monde, chante et vocalise sa folie, improvise, libère son enfant intérieur et marie sa voix à celle des cordes qui l’accompagnent. Elle vient du Mexique, est passée par la Colombie, la France et le Portugal, puis s’est installée à Québec et à Montréal, où elle vit maintenant. Mais dans sa musique, elle est de partout. Ou plutôt de l’alchimie, de la force mystérieuse, de la puissance tragique et de la composition instantanée, quelque part entre la musique contemporaine écrite ou improvisée, la musique de chambre, les sons afro-américains, la valse déconstruite, l’opéra volontairement croche et le chant autochtone. Elle joue dans le chant, incarne ses personnages intérieurs, connecte avec l’au-delà. En pénétrant le souffle de la terre.

A series of solo investigations into various woodwinds with some ‘motorized bells’ (whatever they are) thrown in for good measure, from the Montreal-based improviser and composer. Lauzier works with bass and half-bass clarinet and alto and soprano saxophones; sometimes he amplifies or multitracks the explorations to fill out the sound, but for the most part it’s just him and the horn.

That said, it’s not as austere as you’d expect. Empoigner’s bass clarinet clicks and squeaks are pretty minimal, true, but the rest of the record is full of life and quirks. Geyser is just under four minutes of bubbling and hissing with an almost inaudible whine underscoring, like a giant kettle (or, in fact, a geyser). Meanwhile, Pigment, is a less liquid, more angular, a whistling, popping piece. Despite its analogue origins, it sounds atonally digital, as if it were generated by the sound card of some primitive computer. Bruine — the final track on the album, and the only one not created with a woodwind instrument (it’s those pesky mechanical bells) — is a gorgeous and glistening sheet of sound.

Lauzier provides a succinct yet comprehensive summary on the back of the CD to explain which instrument was used for each piece, and which, if any treatments were applied. So, for, example, it is interesting to know that En-dessus’s long, uneasy drone was made by four multi-tracked bass clarinets, and surprising to find Gisement’s grind and roar is unadulterated bass clarinet.

Listening to this record, I keep feeling I’m eavesdropping on a roomful of instruments after their players have gone home. The tracks are like exhalations, utterances, cries, conversations, the instruments playing themselves. The seesawing wheeze of Interlignes is like an alto saxophone stretching and relaxing after a long day in the orchestra pit. The Evan-Parker-on-holiday-style trilling of Au-dessus is the soprano saxophone’s joyful, bird-like preening. Silhouette advances slowly, like a panther picking its way through long grass.

Lauzier has put together an intriguing collection of pieces for this record, which open our ears to the possibilities of his chosen instruments. An engrossing listen.

Il materiale di Le Caillou è frutto di un meccanismo improvvisativo ideato dalla percussionista Danielle Palardy Roger, che sul finire degli anni novanta dopo lo scioglimento delle Justine aggregò attorno a sé un gruppo di musicisti affiliati all’Ambiances Magnétiques dando vita all’Ensemble SuperMusique. Oggi il progetto rinasce per la pubblicazione di questo cd, in cui i vari musicisti (fra cui Jean Derome, Bernard Falaise e Joëlle Léandre) sviluppano il proprio tema in base a uno schema predefinito che li pone ciclicamente al centro del processo compositivo, dando vita a sette diversi movimenti ricchi di estro ed inventiva.

La grazia, la leggerezza della musica di Lepage sono frutto di una perfetta sintesi fra vena melodica e ricerca timbrica, ideale rappresentazione di quella scena che a Montreal da oltre trent’anni continua a produrre nuovi talenti e lavori di spessore. Il bestiario da lui narrato in Canard Branchu si sviluppa attraverso una serie di composizioni flessuose e articolate in cui elementi di jazz notturno e sofisticato (Rainettes à la brunante), spirali di organo che volteggiano in balli inebrianti (Fondation: d’où venons-nous?), intermezzi per clarinetto solista (Les pipeurs de sable) e miniature di maestosa bellezza offuscate da un impercettibile trattamento elettronico (Le pelleteur de nuages) compongono un quadro policromatico assimilabile ai lavori pubblicati da Frith per la Ralph Records all’inizio degli anni ‘80.

La stessa straordinaria poliedricità contraddistingue anche Le Lait Maternel, un ideale percorso attraverso tutto ciò che nella tradizione americana ha ispirato la scrittura dell’autore fra folk, gospel, bluegrass, repertorio orchestrale e bandistico, jazz, rock ed elettronica. La sezione iniziale dell’album si compone di cinque brani venati di ironia, ambientazioni lounge da ologramma (Le Robert du bungalow), twist scanzonati e bagliori sixties (Le Rock du bungalow), poi il tono cambia registro passando in rassegna minimalismo (Dépassements de coûts au bureau), l’elettronica di Perrey & Kingsley (Le Mangeur de gazon), blues (L’Avenue Charles Ives), ambientazioni notturne da soundtrack lynchiana (Milles feuilles) e una commovente melanconia che richiama alla mente Rota e Morricone (Un Choral appalachien, prise I). Classe superiore e grandissima inventiva: una meraviglia.

Rielaborare in forma cameristica una pietra miliare come Le Sacre du Printemps non è impresa da poco. E’ una scelta complessa, che da un lato richiede un notevole intuito nell’individuare gli elementi chiave da collocare al centro della propria opera di “aggiornamento” e dall’altro presuppone un grande sforzo nel distaccarsi in modo plausibile dalla partitura originale. Un processo che l’ensemble Quartetski ha perfettamente messo in atto in questa riedizione che brilla per inventiva e soluzioni avventurose, grazie a passaggi improvvisati che rendono giustizia allo spirito originario e ai bagliori elettrici della chitarra di Bernard Falaise che proiettano brillantemente nella dimensione contemporanea la scrittura di Stravinsky. La materia sonora trascende il tempo e si colloca in uno spazio ideale fra febbre fauvista e “rock in opposition”, fra esaltazione del rito pagano e stilizzata ricerca di tanta produzione targata Ambiances Magnétiques. Senza timore di scandalizzare i puristi, proprio come fece il compositore russo nella Parigi del 1913.

Le projet que porte Michel F Côté depuis 2005 — parallèlement à ses autres prestations — à savoir Mecha Fixes Clock, en est à sa 4^e réalisation. Et cela reste l’une des propositions les plus intéressantes du moment dans la production québécoise. Parce que l’auditeur exigeant y trouve la plupart des ingrédients qui nourrissent son paysage sonore. Improvisations judicieuses, délicatesse des interventions instrumentales, création d’une ambiance prenante, à l’intérieur de trames préconstruites, des lignes mélodiques captivantes délicatement perverties. Le tout avec une maitrise de la mise en œuvre d’un album plus ou moins conceptuel, déclinant des approches liées à l’activité aéronautique… D’où l’impression de vivre un curieux voyage en apesanteur dans une sorte de no man’s land aérien, par moment oppressant, à l’image de la pochette et de son armada d’avions, l’étrangeté était symbolisée par la présence d’une dame masquée par un attirail artéro-veineux qui renvoie un peu à l’univers de Valérian (la BD!) à moins que cela ne soit celle de Cosmik Roger.