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Le meilleur de LCA

Philippe Desjardins, Le canal auditif, 10 mars 2020
mardi 10 mars 2020 Presse

Siamois Synthesis est le nouveau projet, et l’heureuse rencontre, de quatre artistes de la scène musicale expérimentale, soit Maxime Corbeil-Perron aux claviers et objets électroniques, Sylvain Gagné à la basse électrique, Maya Kuroki au chant trafiqué et Simon Trottier à la guitare électrique. Bien que les quatre membres aient collaboré à plusieurs reprises auparavant, en duo généralement, l’espace-temps était enfin aligné pour aboutir à un quatuor et un premier album nommé Feu Aimant, lancé en février dernier. On constate rapidement la dimension du territoire couvert par l’esthétique sonore, s’inspirant du rock expérimental, du post-rock et des trames de film rétro des années 70 et 80. On apprécie par la suite le contraste entre les éléments structurés et réfléchis, qui mènent intuitivement vers ceux plus déconstruits et improvisés.

Blossoms (redux) ouvre sur une suite d’arpèges au clavier, comme un orgue ondulé qui mène vers une combinaison post rock, dont la guitare, la basse et la trame rétro créent une grande pulsation mélodique. La voix de Kuroki se place dans un coin, chuchotant un monologue à travers un effet de réverbération qui imite les tuiles froides d’une salle de bain. La pièce monte progressivement en intensité, atteignant un plateau durant la deuxième moitié qui combine de manière épique les harmonies musicales avec les effets de saturation. 4AM revient sur terre avec un ronronnement électrique secondé par des notes de guitare en écho, créant un interlude à la limite de l’apesanteur, particulièrement reposant après le décollage précédent. Le kick techno de Soleil nocturne se fixe au sol, au-dessus duquel s’ajoute une guitare dissonante qui scie les fréquences en deux, avec une basse électrique relativement douce qui prend en charge la mélodie. Kuroki apparaît tout en réverbération en chantant des notes soutenues comme des filaments angéliques qui se faufilent à travers les effets, passant du no wave au spoken word tout naturellement. La combinaison change vers une troisième partie entraînante qui reprend le kick et élève ça à un niveau très enthousiaste, passant ensuite à un dernier mouvement développé autour de la guitare électrique.

Random Other plane comme une courte trame de prog-rock dans laquelle les notes de slide guitar s’étirent à travers l’espace, laissant la ligne de basse prendre le relais comme guide mélodique. TriggerWarning_drumsdrumsdrums alourdie le tempo avec son rythme lent à la basse et la guitare, créant une progression dramatique qui devient de plus en plus saturée. Le mélange, à saveur expérimentale, fait penser à du psychobilly ralenti tout près du point de rupture, mais sans laisser tomber le thème musical. Urizen change de direction pour une boucle percussive accompagnée d’une trame ambiante, dissonant légèrement, comme un vieux ruban magnétique. Une fois les harmoniques bien établies, le rythme redouble d’efforts à l’avant dans le mix, pendant que la voix de Kuroki réverbère vers l’arrière. Le monologue devient un peu plus compréhensible rendu au segment flottant, dans l’intention du moins, le temps de reprendre le souffle avant de repartir dans une densité post-rock. Sans Fracas résonne au loin comme un vibraphone saturé placé dans une pièce adjacente. La basse électrique suit mélodiquement, secondée par les effets de larsens de la guitare électrique et concluant en équilibre entre la consonance et la dissonance.

C’est précisément de ça qu’il s’agit sur le premier album du quatuor, l’équilibre entre deux états qui, pour faire un lien avec le titre de l’album, revient à un premier mets bien préparé auquel on met le feu pour obtenir le deuxième, plus chaotique et imprévisible. Il y a une dimension pyromane à cet album qui s’inspire de l’effet hypnotique de regarder un feu de camp, et d’écouter des thèmes musicaux qui se consument à ouïe d’oreille (haha!). Bref, au-delà de l’action de brûler affectueusement, ce premier album révèle une combinaison riche et complexe, dont les saveurs ne se libèrent pas toutes dès la première écoute. Il faut laisser mijoter un peu pour en apprécier toutes les subtilités.

8/10

… ce premier album révèle une combinaison riche et complexe…

Recensione

Ettore Garzia, Percorsi Musicali, 4 mars 2020
jeudi 5 mars 2020 Presse

Nell’esperienza elettroacustica strettamente legata alle commissioni trattate all’INA-GRM o di quelle ricevute da festivals specializzati del settore, eRikm mette in risalto in maniera spettacolare quel sottile filo subliminale che lega l’argomento alla musica, come veicolo perfetto della trasmissione sensoria. In Mistpouffers, cd pubblicato dall’empreintes DIGITALes, si raggruppano tre composizioni dichiaratamente schierate a favore della riflessione umana e civile: è un condensato di storie, natura e problematica sociali infuse che hanno un collegamento nell’esperienza di suoni articolati e variamente intesi, recuperati nel cervello dell’autore; in Draugalimur è la storia di La géante dans la barque de pierre, un racconto tradizionale islandese dedicato alla leggenda di un troll marino, che prende banco sotto forma di suoni estratti dalla natura; gli effetti sonori dei rompighiaccio, dell’acustica potente dei serbatoi di stoccaggio del pesce che sembrano riprodurre temporali, i sottili e perturbati campionamenti di suoni o voci ansiose, sono tutti elementi utilizzati per sostenere un tessuto mitico e drammatico allo stesso tempo, che riflette il carattere della storia raccontata, dove il troll insidia una regina in viaggio di ritorno a casa con la sua famiglia, in una barca che presto diventerà sede del suo incantesimo (vedi qui la storia); questa psicologica qualità dei suoni si ripresenta in Poudre, che effettua una riflessione implicita scandita dai botti di fine anno registrati nella Alexanderplatz: l’architettura sonora è perfettamente calibrata in un ristagno della memoria aurale che da una parte ci invita all’insofferenza verso suoni eccessivi nel loro timbro e nella loro successione (specie se alziamo il volume a decibel sostenuti), dall’altra può essere indicatori di sintesi di un fenomeno biologico presente nella natura umana, stanca di frustrazioni e vessazioni dirette o indirette, un modo di immaginare l’animo sotto una pioggia di spari e di polvere coordinata; in L’aire de la Moure 2 ci si sposta invece sulle rappresentazioni di quell’immagine di roccia rossastra che appare in copertina: la Moure è sostanzialmente una zona montagnosa inaccessibile che è stata presa in considerazione dallo stato francese per le esercitazioni dei vigili del fuoco durante gli incendi e prende quel colore dal fatto che regolarmente vengono lanciati dall’alto sostanze chimiche che favoriscono lo spegnimento dei fuochi; musicalmente è una sequela premonitrice, ancora con duplice narrazione su testo di Paul Eluard, rivelato da eRikm in À la flamme des fouets: la mancanza di amore che attanagliava il poeta francese è la similitudine trovata nel pezzo per esprimere la stessa mancanza nei confronti della Moure e del bisogno, certamente eludibile, di dover istruire campi di esercitazione per eventi che purtroppo vengono spesso originati proprio dalla mano umana; l’artificio sonoro qui consiste in un campo sonoro che tiene dentro plurimi richiami, dall’ambiente che si confronta nei dintorni della montagna (uccelli, amplificazione dell’emissione sonora della natura così come si presenta alla registrazione, organizzate, pesanti granulazioni e suoni campali).

In Mistpouffers c’è una straordinaria sensazione che si avverte allo scadere dell’ultimo suono udito, dell’ultima esortazione vocale, qualcosa che sa di liberazione da un assedio ma che è allo stesso tempo un potente filtro di giudizio dell’attualità. Posso garantire che le orecchie fini saranno molto attratte, poiché senza capir perché, si ritorna spesso sui percorsi di Mistpouffers.

Je peux vous garantir que les fines oreilles seront très attirées…

Best of Bandcamp Contemporary Classical: February 2020

Peter Margasak, Bandcamp Daily, 3 mars 2020
mercredi 4 mars 2020 Presse

As the global reputation, reach, and repertoire of Montréal’s Quatuor Bozzini has grown over the last two decades, one thing that hasn’t changed is the peerless string quartet’s dedication to performing the work of composers from its Canadian homeland. The Serbian-born Ana Sokolović has lived in Québec since 1992, and this collection underlines her unique sensibility, deriving ideas from her engagement with theater, ballet, and folk music.

The centerpiece of the album is her three-part Commedia dell’arte, with each three-movement work named for and inspired by different characters of the Italian theatrical tradition, privileging evocation provided by extended and percussive techniques over traditional structures. Capitano, the first movement from the first part, is wonderfully strident and a bit unreliable, reflecting the titular character’s boastful yet cowardly personality, while Zanni conveys a trickster persona in its jagged, shape-shifting design. Yet the entire work succeeds even without knowing such references. Even two miniatures — Ghost 1 and Ghost 2 — are marked by a quirky, sonically imaginative construction, arranging disparate notions in dynamic, visceral patterns, all performed by with typical brio and sensitivity by the Bozzinis.

[…] all performed with typical brio and sensitivity by the Bozzinis.

Critique

Michel Rondeau, PAN M 360, 1 mars 2020
mercredi 4 mars 2020 Presse

Ils sont quatre, que le hasard a fait se rencontrer. Ah! le pouvoir fédérateur de la musique! Il sont d’abord trois, aux claviers, aux synthés, à la boîte à rythmes et à la programmation, il y a Maxime Corbeil-Perron, à la basse Sylvain Gagné et aux guitares Simon Trottier. Depuis des années, en même temps que chacun suit sa voie (Simon fait notamment partie de Timber Timbre), leurs routes à tous trois se sont croisées à plusieurs reprises, l’un jouant avec l’autre, l’autre jouant avec l’un… Puis arrive à Montréal la vocaliste japonaise Maya Kuro. On l’entend dans le duo Rippleganger avec Rainer Wiens, dans la chorale Joker, puis un jour, fortuitement… De la même façon que leurs chemins se sont croisés, tout ce beau monde tisse ensemble des trames savamment texturées où les nappes sonores se chevauchent et pulsent et gonflent avec juste ce qu’il faut de tension pour les maintenir captivantes. Au-dessus il y a la voix de Maya qui plane. On ne comprend rien à ce qu’elle raconte, mais ça ne fait rien, elle est d’une musicalité, si suggestive par son caractère nippon un chouïa fripon qu’elle réussit à évoquer un ailleurs exotique indéfinissable où l’on est transporté. Et où l’on a envie de retourner.

… tout ce beau monde tisse ensemble des trames savamment texturées où les nappes sonores se chevauchent et pulsent et gonflent avec juste ce qu’il faut de tension pour les maintenir captivantes.

Review

Steven Loewy, The New York City Jazz Record, 1 mars 2020
mardi 3 mars 2020 Presse

Lori Freedman shows she can do it all, expanding the vocabulary of the clarinet family, with a controlled technique that leaves the listener breathless.

Review

Steven Loewy, The New York City Jazz Record, 1 mars 2020
lundi 2 mars 2020 Presse

Freedman, who has collaborated with a who’s who of free improvisation, from trombonist George Lewis to bassist Joëlle Léandre, focuses here on the singular essence of sound, exploring a wide variety of strategies to transform the rawness of being into a glorious tribute to the limits of musical experience while expressing primordial emotions.

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