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Artistes Serge Truffaut

Serge Truffaut

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Le risque selon Jean Derome

Serge Truffaut, Le Devoir, 22 juin 2019

Le trio que forme depuis une vingtaine d’années le saxophoniste, flûtiste, arrangeur et compositeur Jean Derome avec le contrebassiste Normand Guilbeault et le batteur Pierre Tanguay est sans l’ombre d’un doute l’une des formations les plus passionnantes du continent. Il en est ainsi parce que Derome n’a pas son pareil pour jongler avec le risque avec doigté. À preuve, son nouvel album, intitulé Somebody Special — 9 chansons de Steve Lacy, sur Ambiances magnétiques. Avant de poursuivre, soulignons que les 22 et 29 juin, ce trio se produira au Cheval blanc.

Avec ce Somebody Special, on vous assure que le risque pris par nos amis était au diapason de «l’énorme, pesant, très lourd». Car cet album n’est pas seulement musical, il est également littéraire. Très littéraire même. Il se trouve, comme disait l’autre, qu’en fait de chansons, Lacy avait emprunté des poèmes et des textes à des auteurs variés, mais surtout à Brion Gysin, avec lequel il se produisit d’ailleurs régulièrement et enregistra même un disque.

De citoyenneté canadienne, le peintre et poète Gysin a beaucoup étudié et vécu, pour faire vraiment court, à Paris. Il fut un des surréalistes avant qu’André Breton n’exerce à son endroit sa personnalité de père Fouettard en le renvoyant du groupe comme il l’avait fait avec Raymond Queneau. Qu’importe. Après eux, Gysin fut une des figures de proue des beatniks, admiré notamment par William Burroughs, pour le hier, et John Zorn, pour l’aujourd’hui. Bien.

Dans le volumineux catalogue de chansons confectionnées par Lacy — environ 500, précise Derome —, le trio en a choisi trois dont Gysin a écrit les textes, un de Herman Melville (Yes!), un de Lao-Tseu, un de Thomas Gainsborough, un de Po Kiu-yi et enfin un de Judith Malina. On l’aura compris, cet album propose une façade ONU.

Pour mener à bien son aventure, Derome a «exploité» les talents de la chanteuse Karen Young et du pianiste Alexandre Grogg. La clarté d’expression de la première, le dynamisme et l’attention du second, combinés au brio et à l’intensité de Guilbeault, au savoir-faire en multiples nuances de Tanguay, sans oublier l’ingéniosité de Derome, font de cet album… quelque chose!

C’est ce qu’on se dit, après écoute: «C’est quelque chose, cet album.» Il est à l’image du titre: spécial. Car on a l’impression que Derome et ses camardes sont passés entre les mailles ou les filets, c’est au choix. Parfois, on a le sentiment que le saxophoniste a fait de l’exploration sonore entre Eric Dolphy et Jackie McLean.

Parfois, on a l’impression que l’ensemble au complet évolue dans un territoire voisin d’Alban Berg d’un côté, de jazz de stricte obédience de l’autre. En fait, ce que cet album confirme, ou plutôt ce qu’il a de passionnant, est à mettre sur le compte de la surprise. À l’évidence, chacun des protagonistes cultive une inclination prononcée pour la curiosité.

Depuis le temps que Derome, Guilbeaut et Tanguay nous régalent, ils pourraient fort bien verser dans la mortifère gestion du fonds de commerce. Au lieu de ça, ils s’appliquent à nous étonner dans le sens le plus noble de ce verbe. C’est énorme.

… ils s’appliquent à nous étonner dans le sens le plus noble de ce verbe.

Critique

Serge Truffaut, Le Devoir, 5 décembre 2018

Mine de rien, Jean Félix Mailloux et Normand Guilbeault partagent beaucoup de points communs. Les deux appartiennent à la catégorie gros calibres de la contrebasse. Les deux sont constamment ou presque dans la prise de risques. Ils sont des aventuriers. Par exemple, là où Guilbeault creuse le sillon des musiques autochtones, Mailloux s’applique à retourner les us et coutumes de la musique classique, l’exécution de celle-ci, avec un rare souci pour la… beauté!

Oui, ce que Mailloux et ses complices font se conjugue avec la beauté. C’est bête, n’est-ce pas? Oui, mais c’est comme ça. C’est ainsi: c’est beau, tout simplement. Tellement, qu’on vous propose une garantie à faire sursauter tous les actuaires, ces manitous du risque, de la planète: si, à la suite de l’acquisition de Debussy Impressions publié par l’étonnant label qu’est Malasartes, vous êtes insatisfait, on vous rembourse! Rubis sur l’ongle, comme l’observa Queneau. Bon. Reprenons.

L’architecture instrumentale arrêtée par Mailloux lorsqu’il a fondé Cordâme emprunte davantage à l’orchestre de chambre qu’à la formation de jazz traditionnelle. Ainsi, il y a un violon entre les mains de Marie Neige Lavigne, un violoncelle entre celles de Sheila Hannigan, une harpe entre celles d’ Éveline Grégoire-Rousseau, des percussions entre celles de Mark Nelson et un piano sous celles de Guillaume Martineau. Chacun d’entre eux fait preuve d’une extraordinaire maîtrise, d’une agilité remarquable quand on songe au coefficient de difficulté que suppose ici l’ambition musicale de Mailloux. Pour dire les choses très platement, les membres de Cordâme sont formidables. Bravo!

On sait peu, trop peu d’ailleurs, que bien des musiciens de jazz entretiennent une relation passionnelle avec la musique classique. Mingus était fou de Stravinsky, Coleman Hawkins de Brahms, mais la plupart d’entre eux, bizarrerie parmi d’autres, apprécient avant tout les compositeurs français du XXe siècle: Maurice Ravel, Erik Satie, Gabriel Fauré, Darius Milhaud, Olivier Messiaen et bien évidemment Debussy.

En règle générale, l’alchimie tentée par les jazzmen sur le territoire de la musique classique a tourné au vinaigre la plupart du temps. L’exemple par excellence étant cet enregistrement réalisé par Charlie Parker avec des cordes au début des années 1950. Avec Cordâme, il en va autrement.

Pour mener à bien son aventure par ailleurs singulière, Mailloux n’a pas «repris» du Debussy. Il s’en est inspiré. En d’autres mots, il a composé et arrangé à l’enseigne de la mélodie, de la douceur. Puis, il a greffé un trio à cordes à une formation rythmique classique. Note qu’on osera qualifier d’importante: il n’y a pas d’instruments à vent, à pistons. On dirait que notre homme a tenu à ce que toutes ses musiques se déclinent dans la fluidité.

Noël étant à l’horizon du court terme, la conclusion est d’une grande simplicité, pour ne pas dire incontournable: si vous souhaitez offrir un disque à quelqu’un ou quelqu’une qui aime la musique en général et pas nécessairement le jazz ou le «hip-hop-rap-machin-truc», achetez ce Debussy Impressions. Le plaisir est au début de l’écoute, pendant et à la fin.

Le plaisir est au début de l’écoute, pendant et à la fin.

Damian Nisenson, le polyglotte du jazz

Serge Truffaut, Le Devoir, 11 août 2018

S’il fallait prêter un visage actuel à l’opiniâtreté, voire au courage, alors Damian Nisenson conviendrait à merveille. Quel parcours que celui de ce saxophoniste et compositeur installé à Montréal depuis 2004! Quel destin que celui de cet homme qui propose aujourd’hui un album intitulé Sit sur l’étiquette Malasartes. Qu’on y songe: sa vie a été faite de la poésie juive des ghettos d’Ukraine et de Moldavie à la verdeur fiscale de la Suisse, en passant par le culte des kibboutz en Israël et surtout l’inclination pour l’horreur des généraux argentins. Détaillons. Du moins essayons.

À la fin du XIXe siècle pour certains ou au début du XXe pour les autres, ses grands-parents ont fui, jeunes, les pogroms qui rythmaient la vie des ghettos d’Ukraine et de Moldavie. Destination? L’Argentine. L’un des grands-pères était un poète qui parlait une langue aujourd’hui rare: le yiddish. Il récitait et chantait non seulement ses poèmes, mais aussi ceux écrits ici et là dans l’Empire austro-hongrois ou en Russie. Les autres? Ils aimaient la musique quand ils n’en jouaient pas. Du klezmer, il va sans dire.

De ces personnages dont les vies empruntent aux légendes se démarqua un grand-oncle. «En Argentine, il était un troubadour qui jouait du klezmer, mais aussi du tango et du jazz. Chez nous, la musique était toujours présente. Mes premiers souvenirs sonores, au début des années 1960, c’est Getz avec Gilberto et Mulligan avec Brookmeyer. À l’âge de sept ans, j’ai commencé à suivre des cours de flûte. Puis j’ai étudié pendant des années au conservatoire de Buenos Aires le violoncelle, la guitare classique.»

Au milieu des années 1970, les généraux argentins, si convenables aux yeux de Kissinger et de la cohorte des politiciens ivres de sang, imposent une manière de faire et bien des lois calquées sur le régime qui avait servi de modèle à Juan Perón. Inutile de préciser. Chacun aura deviné lequel. Alors Damian, âgé de 18 ans à ce moment-là, sachant que les étudiants étaient particulièrement visés, prit la route de l’exil à la vitesse grand V. Direction: la Suisse.

«Je me suis installé à Fribourg, où j’ai étudié le saxophone classique. J’ai commencé à jouer un peu partout ici et là, surtout à Genève. Lorsque la dictature des généraux a été renversée, je suis retourné en Argentine. Dans les années 1990, je jouais dans un groupe rock-pop qui avait pas mal de succès. Mais voilà, j’ai détesté ça. En 1997, j’avais quatre filles, j’ai décidé de quitter ce pays.»

«Peu après mon arrivée au Québec, j’ai fait la rencontre de Denis Leblanc, un excellent joueur de bandonéon, qui a écrit deux noms sur une feuille de papier. Celui de Joane Hétu [l’admirable fondatrice d’Ambiances magnétiques] et du batteur Pierre Tanguay. C’est Joane qui m’a conseillé de fonder un label. C’est comme ça qu’est né Malasartes.»

Aujourd’hui, notre saxophoniste propose donc Sit réalisé en compagnie de Jean-Félix Mailloux, qui est l’exemple parfait de ce que solidité à la contrebasse signifie, de Bernard Falaise, aussi tranchant et vif qu’un Marc Ribot, et du batteur Tanguay, qui a ceci de littéralement prodigieux, il n’y a pas d’autre mot, qu’il a fait l’alchimie entre Joey Baron, Shelly Manne et Billy Higgins.

Le résultat fait naturellement penser à John Zorn, celui de Masada, celui des associations avec divers cantors. En un mot, Nisenson a réussi quelque chose de très singulier: remonter le fil d’une vieille et lointaine culture avec un souci pour la finesse, la subtilité, qui fait de Sit un grand disque.

… avec un souci pour la finesse, la subtilité, qui fait de Sit un grand disque.

La constance s’appelle Joane Hétu

Serge Truffaut, Le Devoir, 17 décembre 2016

S’il fallait baptiser la constance, autrement dit lui choisir un nom propre, alors Hétu Joane, avec un n seulement au prénom et sans h, conviendrait à merveille. Oui, à merveille. Car cette femme qui est [saxophoniste], compositrice, animatrice, bruitiste — oui ça existe! — est également productrice déléguée de l’étiquette montréalaise Ambiances magnétiques depuis une bonne trentaine d’années. En d’autres mots, 30 ans, c’est un bail quasi emphytéotique.

Cette longueur de temps permet par ailleurs d’avancer ceci: chez Joane Hétu, la constance se conjugue avec l’opiniâtreté. À l’évidence de ce trait de caractère, il en aura fallu des doses. On exagère? Nenni!

Au fil du temps évoqué et si l’on a bien compté, Hétu a mis la main à la pâte sur environ 250 albums. Quand on sait combien il est très difficile de maintenir le cap lorsqu’on est à la barre d’une maison qui a une conception de la culture qui n’est pas celle des industries culturelles, celle dominée par la conception économique dite de l’achalandage, on se dit que 250 disques égalent autant de luttes. De combats incessants.

Et dans quel but? Afin de donner leurs places aux musiques actuelles, de mettre la lumière sur les artistes qui combinent la musique contemporaine, le free-jazz, les folklores, l’improvisation… En un mot comme en mille, afin d’accorder toute sa place à la liberté. Celle de l’artiste, il va sans dire.

Soyons honnête, voire franc du collier: des musiques actuelles, on ne connaît vraiment pas grand-chose. Mais voilà, comme on est un affreux privilégié — on reçoit leurs productions —, on a constaté, au fil des écoutes, que cette étiquette montréalaise était plus intéressante qu’ECM. On ne dit pas meilleure, mais bel et bien plus intéressante. Chez ECM, il y a toujours eu un «p’tit» côté BCBG qui explique, peut-être, une certaine timidité devant tout ce qui a trait à la prise de risque que commandent les musiques actuelles.

On peut être agacé, interloqué, imperméable à cette esthétique, reste qu’elle est l’écho sonore d’un monde dont ses artisans s’appliquent à démonter la complexité. Au ras des pâquerettes, cela s’est traduit par ceci: la publication toute récente de Joker – Chorale bruitiste, sous la direction de Joane Hétu et de l’Ensemble SuperMusique fondé et animé par Danielle Palardy Roger.

Pour reprendre les mots d’Hétu: «Joker s’intéresse aux sons marginaux, aux défaillances vocales, aux territoires périphériques, aux interstices entre les tons afin d’accéder à un chant choral, non par le biais du répertoire, mais par celui d’une langue à inventer.»

À cela, on ajoutera que certains des textes déclinés par Joker, qui rassemble douze chanteurs plus un narrateur également chargé des ambiances sonores, sont inspirés du Livre des étreintes d’Eduardo Galeano (Lux éditeur) et de La fin des temps d’Haruki Murakami (Points).

Quant à l’Ensemble, il regroupe 20 instrumentistes, plus 4 chanteurs, dirigés par Roger et [Jean] Derome. Ils détaillent quatre compositions excédant chacune les 10 minutes. Que ce soit avec Joker ou avec l’Ensemble, la déstabilisation, l’aventure, l’étonnement sont au rendez-vous. On ferait un film muet aujourd’hui que ces albums seraient les compagnons parfaits aux images. Car c’est peut-être cela, Ambiances magnétiques, la traduction sonore de toutes les images du monde mondial.

… la déstabilisation, l’aventure, l’étonnement sont au rendez-vous.

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