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Critique

Isaiah Ceccarelli, Circuit, no. 30:2, September 1, 2020
Friday, September 25, 2020 Press

Dès les premières notes de cet album, on entend les signatures de deux musiciens de jazz absolument originaux: celle du saxophoniste, compositeur et improvisateur Steve Lacy, bien sûr (l’album s’intitule Somebody Special: 9 chansons de Steve Lacy), mais aussi celle du saxophoniste, compositeur et improvisateur Jean Derome. Le style de Lacy est immédiatement reconnaissable par les amateurs de jazz: sa voix est rigoureusement originale. Son langage harmonique, près de celui des pianistes Thelonious Monk ou Herbie Nichols, est jumelé à des arrangements minimalistes et appuyé par une inventivité mélodique remarquable. Dans le même ordre d’idées, les mélomanes reconnaîtront immédiatement le travail «jazz» de Jean Derome, accompagné pour l’occasion de ses fidèles compagnons de route Normand Guilbeault à la contrebasse, Pierre Tanguay à la batterie et Karen Young au chant. L’ensemble est agréablement rehaussé par l’addition d’Alexandre Grogg, excellent pianiste dont les chorus et l’accompagnement harmonique sont notables.

L’originalité de cet album repose sur les petits détails des arrangements et du jeu des musiciens. Ce n’est pas qu’un hommage, car les arrangements qu’a faits Jean Derome de ces chansons déjà si particulières sont merveilleux. Signalons, par exemple, celui de la pièce-titre de l’album. Au début de celle-ci, Derome choisit de doubler à la flûte basse la mélodie interprétée par Karen Young — comme ce que faisait Steve Lacy au saxophone soprano — tandis qu’il chante en même temps à la quarte juste inférieure. De cet effet sort un nuage d’harmoniques qui rehausse toute la chanson. C’est un détail assez minime, mais qui apporte une touche d’originalité et de créativité à cette reprise, et cette attention aux arrangements se confirme tout au long de l’album. Notons aussi la superbe Blue Baboon, dans laquelle Derome et Young chantent la mélodie à l’unisson. Un autre moment fort est la pièce Name, chantée par Derome, qui s’accompagne d’un rythme répétitif de cliquetis de clés à la flûte basse. Il faut encore souligner l’excellence des solos instrumentaux (plutôt brefs) qui parsèment l’album. Le son d’ensemble demeure cependant ce qui est le plus remarquable sur cet album, étant entièrement au service des chansons; en outre, il distingue Somebody Special de beaucoup d’albums de jazz (souvent axés sur les chorus des solistes), de la même manière que le langage musical de Steve Lacy le distinguait des autres compositeurs de jazz du XXe siècle.

L’originalité de cet album repose sur les petits détails des arrangements et du jeu des musiciens. Ce n’est pas qu’un hommage, car les arrangements qu’a fait Jean Derome de ces chansons déjà si particulières sont merveilleux.

Review

Adam Scime, Musicworks, no. 137, September 1, 2020
Wednesday, September 9, 2020 Press

The duo creates an environment where voice and electronics blend remarkably well, yet one can’t help but notice the staggering range of vocal alchemy on display.

Critique

Michel Rondeau, PAN M 360, July 1, 2020
Friday, July 10, 2020 Press

Quand il m’arrive de me sentir gavé, saturé de mélodies, d’accords et d’harmonies, pour me rincer les oreilles et me refaire une virginité musicale, j’aime bien, pendant un long moment, simplement prêter attention aux bruits qui m’entourent ou écouter une bonne séance d’improvisation libre. De préférence en salle puisque le partage du «ici maintenant» avec les musiciens qui s’y adonnent constitue une dimension aussi importante que celle de l’espace acoustique, mais comme nous risquons d’être privés de ce privilège encore un moment, nous pouvons heureusement nous rabattre sur des enregistrements, et il en existe d’excellents, comme celui-ci.

Le calibre des improvisateurs a son importance, et ici, nous sommes servis: un clarinettiste depuis lontemps rompu à ce genre d’exercice, le Français Xavier Charles (The Contest of Pleasures, Dans les arbres), deux des improvisateurs québécois les plus actifs sur la scène internationale, le gambiste originaire d’Ottawa Pierre-Yves Martel, qui joue également ici de l’harmonica, le bassiste rimouskois Éric Normand, qui emploie aussi divers objets qui servent de percussions, et le contrebassiste autrichien Matija Schellander. Le lieu d’enregistrement a aussi son importance. Il s’agit en l’occurence d’un lieu de culte parisien dont la résonance particulière est propice à ce genre d’exercice.

Dès les premières notes, nous sommes plongés dans cette ambiance mystérieuse qui distingue souvent les impros libres réussies, avec cette tension, un peu comme dans un suspense, qui est maintenue de bout en bout. Il y a aussi la lenteur parcimonieuse avec laquelle les instrumentistes, sur la corde raide, déroulent leur fil narratif, la variété des timbres et des textures, comme ces trilles caractéristiques du clarinettiste au vocabulaire étendu, avec vrombissements, feulements, craquements, frottements, tintements, sens de la dynamique et de l’organisation spatiale. Jamais rien n’est forcé, bien qu’il y ait parfois certains accents ou éclats sonores ou des moments plus appuyés. Et jusqu’à la résolution finale, il y a toujours cet équilibre des forces en présence qui est maintenu, comme chez les funambules.

… nous sommes plongés dans cette ambiance mystérieuse qui distingue souvent les impros libres réussies…

Focus Québec — Nouveaux satellites

Pierre Durr, Revue & Corrigée, no. 124, June 1, 2020
Monday, July 6, 2020 Press

Parmi les dernières réalisations du label Mikroclimat, celles de Léa Boudreau et du duo Sarah Albu / Vergil Sharkya’ présente quelques similitudes: une sorte de zapping, de pot-pourri de sons divers qui se télescopent, parfois de manière fugace. Un bric-à-brac sonore souvent joyeux (même lorsque les sons pourraient être anxiogènes par leur nature), rehaussé dans le second cas par la voix de Sarah Albu. Un travail étonnant de Léa Boudreau, qui jusqu’à maintenant a plutôt œuvré dans la chanson rock au sein d’une formation, The Bright Road (cf. l’album Océan). Sarah Albu, elle, est vocaliste et voyage entre les polyphonies des XVe et XXe siècles (Stimmung de Stockhausen) et l’approche expérimentale et bruitiste: on note un travail avec Architek Percussion (cf R&C No. 112) et le compositeur acousmatique James O’Callaghan. Son partenaire Vergil Sharkya’, originaire d’Autriche, a travaillé avec Philip Jeck et explore plus particulièrement synthétiseurs, logiciels, effets électroniques et analogiques; on a pu le croiser au sein de l’Ensemble SuperMusique.

Focus Québec — Planètes connues

Pierre Durr, Revue & Corrigée, no. 124, June 1, 2020
Monday, July 6, 2020 Press

L’auditeur peut se plonger ici dans un environnement sonore étonnant. Il s’agit certes de piano (parfois à quatre mains, son créateur, Philippe Lauzier y étant secondé par Belinda Campbell), mais surtout d’un croisement avec des fils suspendus, inspiré du métier à tisser: non pas un piano «inside», mais un piano «outside». En somme, cette installation sonore offre une sorte de condensé entre le piano préparé et les longs strings, instruments chers à Paul Panhuysen ou Ellen Fullman. Sans doute aussi intéressant du point de vue visuel, qu’on peut apprécier ici: https://www.youtube.com/watch?v=b0NkZHH8hJQ

Focus Québec — Planètes connues

Pierre Durr, Revue & Corrigée, no. 124, June 1, 2020
Monday, July 6, 2020 Press

La compositrice Ana Sokolović, native d’une Serbie qu’elle a quittée au début de la guerre civile yougoslave et désormais canadienne, a déjà croisé le Quatuor Bozzini pour l’enregistrement de sa pièce «In Between», dans un album collectif consacré au gamelan, Higgs Ocean. Et l’une de ses œuvres fut aussi jouée par la pianiste Brigitte Poulin, déjà pour le compte de la Collection QB (0805). Le Quatuor, qui offre régulièrement des monographies consacrées aux compositrices et compositeurs canadien.ne.s (Simon Martin, Christopher Butterfield, Michel Gonneville) a donc jeté son dévolu sur elle et quatre de ses pièces, chacune inspirée par les arts visuels, théâtraux ou cinématographiques. «Ghost 1» et «Ghost 2» s’appuient sur des sculptures exposées lors de la biennale 2015-2017 à l’espace Forget par Verina Baxter et Klaus Duschat; «Blanc dominant» s’inspire d’une œuvre picturale de Guido Molinari; «Troisième Page après le soleil» évoque un court-métrage de Théodore Ushev (https://www.youtube.com/watch?v=Iki9rjmCp3U). Et la pièce centrale, déclinée en dix parties, se rapporte à dix personnages de la Commedia dell’arte; des sources d’inspiration propres à diversifier le jeu des musiciens et les climats sonores proposés: l’allant du «Capitaine», la douceur circonspecte de «Colombine», l’assurance du «Docteur», les malices de «Brighella», l’enjouement des Amoureux trouvent vie, tandis que l’interprétation de «Troisième Page…» traduit davantage le caractère méditatif de la compositrice que les œuvres du peintre. Un univers plaisant pour l’auditeur…