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Critique

Réjean Beaucage, PAN M 360, September 1, 2021
Friday, September 17, 2021 Press

Le cofondateur de Conventum (années 70) s’était fait relativement discret après la sortie de l’album Arrêter les machines en 2006, mais il est revenu en force en début d’année 2021 avec ses Cantates électriques (suite ferroviaire), un pièce pour deux quatuor à cordes (l’un classique et l’autre composé de quatre guitares) et batterie. L’enregistrement datait de 2015, mais a finalement été rendu public en février 2021. C’était sans doute plus difficile de faire de la musique en groupe en ce début d’année, alors Duchesne s’est constitué un ensemble virtuel (guitares, basse, programmation [sax et batterie] et il s’est amusé à jouer tout seul (enregistrement, montage, mixage, etc.).

Le résultat est étonnant. On ne se refait pas, et on trouve là des couleurs de cette proto musique actuelle des années 70-80, quand Conventum ressemblait à Henry Cow (ou vice versa). On retrouve aussi les ambiances du Duchesne de la période Locomotive / Diesel (années 90) mais avec une dose de DIY qui fait tanguer la musique. Le volume 1 est plus low-fi que le second et la pièce d’ouverture, Bungalow Tango, semble être l’œuvre d’un groupe punk expérimental qui jammerait pour la première fois, avec une guitare qui part dans tous les sens par-dessus une basse qui pourrait être jouée par un émule de Jah Wooble (entendez-moi bien, c’est excellent!).

Quand on écoute l’ensemble d’un coup, le début du volume 2 marque une coupure assez claire, la production prenant soudain une petite coche en mieux, et on comprend qu’entre 2017 et 2021, le musicien a probablement acquis une plus grande maîtrise des «machines». Sur Soleil Soleil, par exemple, on croirait bien entendre un véritable batteur (ce n’est pas Rémi Leclerc, fréquent collaborateur de Duchesne, mais c’est pas mal). Dans son texte de présentation, Duchesne explique que cette nouvelle suite a commencé par être une maquette et que le projet s’est finalement transformé en une véritable production. On voudrait certainement voir cet ensemble en concert, mais il est probable qu’un véritable groupe ne pourrait pas atteindre cette espèce de laisser-aller, de liberté, qui traverse d’un bout à l’autre cet excellent ajout au répertoire du compositeur.

On voudrait certainement voir cet ensemble en concert, mais il est probable qu’un véritable groupe ne pourrait pas atteindre cette espèce de laisser-aller, de liberté, qui traverse d’un bout à l’autre cet excellent ajout au répertoire du compositeur.

Review

Stuart Broomer, Musicworks, no. 139, July 1, 2021
Tuesday, August 3, 2021 Press

Together, the four pieces celebrate divergent voices and a common empathy.

Critique

Claude Colpaert, Revue & Corrigée, no. 128, June 1, 2021
Friday, July 30, 2021 Press

Je vous conseille la lecture… de ce projet…

Critique

Pierre Durr, Revue & Corrigée, no. 128, June 1, 2021
Friday, July 30, 2021 Press

Avec Navigations, le Quatuor Bozzini nous plonge dans deux voire trois approches différentes du travail du compositeur américain.

Critique

Joël Pagier, Revue & Corrigée, June 1, 2021
Monday, July 26, 2021 Press

Nourrie par l’imaginaire et la ferveur iconoclaste d’une vingtaine d’artistes dont le premier instrument n’est sans doute pas la voix, la pièce Les lucioles, interprétée par la Chorale Joker de Joane Hétu, Jean Derome et Danielle Palardy Roger déborde d’une énergie foutraque et diablement communicative. Cette bande d’allumés issue de la scène improvisée de Montréal, parmi lesquels on croise notamment Lori Freedman, Alexandre St-Onge, Michel F Côté, Diane Labrosse, David Cronkite, Géraldine Eguiluz ou Isaiah Ceccarelli, semble même s’en donner à cœur joie, bousculant les conventions du genre avec une bonne humeur réjouissante en ces temps de morosité programmée. Insecte à la luminosité naturelle, la luciole ou mouche à feu, dont l’éclat n’a d’égale que la fugacité, n’en est pas à son coup d’essai poétique. Pasolini lui-même voyait dans sa disparition une métaphore de la culture dévorée par la Société du Spectacle, et dans son Projet Luciole de 2014, le romancier Nicolas Truong comparait sa survivance à une lueur «brillant encore au cœur des nuits surveillées». À bien écouter d’ailleurs, on comprend que le texte martyrisé par les Jokers décline lui aussi la brillance et la fragilité de son sujet en autant de signes d’espoir contre l’obscurité. Mais s’il assume la délicatesse de David face à la force brute de Goliath, le livret ne traite pas la résistance de ces points luttant dans la nuit sous la forme d’une diatribe militante, mais comme un conte dont l’esthétique relèverait plus du cubisme que du naturalisme, un collage surréaliste dont le sens profond se dissimule sous l’apparent effet du hasard. D’un strict point de vue musical, l’ensemble — constitué d’improvisateurs aguerris, d’instrumentistes, de danseurs ou de comédiens — obéit au principe de la conduction et se laisse guider par une série de signes instantanés à travers les divers moments de la pièce, alternant soli et tutti, figures imposées ou laissées à discrétion, déplacements des masses sonores, canons successifs conduisant à la folie bruitiste, voix confinant à l’épuisement, durées ad lib ou arrêts soudains. Il faut tendre l’oreille si l’on veut saisir le contenu et plus encore si l’on veut atteindre au sens, comme dans ces films où le spectateur doit participer activement à la création. Mais après plusieurs écoutes, la langue employée se laisse apprivoiser, au point que l’opacité de certains détails nous offre un sésame singulier vers une compréhension générale et une intelligence réelle, non seulement du discours, mais aussi des enjeux dans toute leur dimension poétique et musicale. Fondée en 2012, la Chorale Joker relève de ces groupes d’artistes dont le projet compte peut-être moins que le rassemblement en un temps et un lieu précis. On peut donc raisonnablement penser que Joane Hétu, dont l’Ensemble SuperMusique réunit également, depuis 1998, une vingtaine d’instrumentistes émargeant bien souvent chez Joker, appartient à cette indispensable lignée d’êtres fédérateurs capables d’illuminer les esprits dans les ténèbres de l’individualisme.

… déborde d’une énergie foutraque et diablement communicative.

Critique

Mathieu Aubre, Le canal auditif, March 4, 2021
Tuesday, July 13, 2021 Press

L’histoire d’amour musicale entre Joni Void et N NAO se poursuit avec ce nouveau volet de leurs collaborations, faisant suite à un premier album particulièrement réussi sur l’étiquette française Laaps et un simple paru dans le cadre de la série Corona Borealis de Constellation Records. On les retrouve aujourd’hui avec leur production la plus étrange et aride à ce jour; L’oiseau chante avec ses doigts, publié par l’écurie locale Mikroclimat.

Les premiers instants mettent la table: nous allons explorer un pays aussi psychédélique et onirique que celui Alice, mais les merveilles en moins. Après 10 minutes de chaos sonore et d’échantillons de Disney qui pourront malheureusement en décourager plusieurs d’entrée de jeu, le calme arrive enfin via la voix vespérale de Naomie. On s’adresse plus clairement à un public d’initiés qu’à monsieur-madame tout le monde, ce qui n’est pas non plus négatif en soit.

Insomnie propose par la suite l’un de mes segments préférés de l’album avec ses échantillonnages d’orgues pour ensuite s’ouvrir sur une proposition vocale particulièrement bruitiste et angoissante. C’est ici que le duo est au sommet de sa forme à mon avis: lorsqu’il se retrouve dans l’improvisation pure et en pleine cohésion. La finale de la chanson suivante puis le début de l’autre nous offrent un moment si sublime qu’ils nous donnent le goût sans cesse de faire rejouer cet enchaînement. Ce sera finalement le calme avant la tempête, puisque l’album redeviendra par la suite de plus en plus électronifié et confus. Le reste de l’offrande se termine un peu comme elle a commencé: planante parfois, mais aussi brutaliste et fort cryptique.

Ce que je me permets de reprocher à cet album, c’est son manque de finalité interne. On a de la difficulté à cerner quand commencent et se terminent les segments de l’album et le duo ne souhaite visiblement pas non plus nous amener d’un point A à un point B. C’est un choix qui peut se défendre; n’oublions tout de même pas qu’il s’agit d’un patchwork, d’un collage musical surréaliste, une technique dont Joni Void et N NAO se revendique tous les deux sur chacune de leurs publications collaboratives à ce jour. Le résultat se veut au final une évocation d’un rêve conscient, parfois doux, parfois plus cauchemardesque et psychotique, mais dans lequel on se perd complètement.

C’est juste qu’ici, ça finit parfois par être pleinement confus. Les idées fusent en tous sens et il manque peut-être un fil conducteur plus facilement intelligible pour tout unir dans la tête de l’auditeur désoeuvré. Du moins, quelque chose de plus que des extraits d’ Alice au pays des merveilles. On sent plus d’improvisations que sur l’excellent Nature morte, où tout était presque mathématique, organisé graphiquement et conçu comme une boucle sans fin. Non, ce nouvel opus veut nous dérouter et c’est réussi, mais aurait beaucoup mieux fonctionné dans le cadre d’une performance live devant public. De voir les deux artistes à l’œuvre aurait permis de mieux comprendre leurs idées, leurs cheminements de pensées dans l’élaboration de ce monument aussi étrange qu’hypnotique. L’écoute seule se révèle malheureusement plus exigeante.

Ceci dit, il ne faut pas ici tirer de ces critiques un constat d’échec. C’est le propre d’un projet d’expérimentation pure et d’improvisation que de nous laisser parfois un document moins au point que les autres. Le duo pourra se permettre de repartir sur des bases toutes aussi désorientantes et captivantes sur leur prochain projet; Jardin, le deuxième volet du diptyque entamé avec L’oiseau chante avec ses doigts que l’on a déjà très hâte d’entendre.

… nous offrent un moment si sublime qu’ils nous donnent le goût sans cesse de faire rejouer cet enchaînement.