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In the press

  • Éric Normand, JazzoSphère, March 11, 2004
    Épatant.
  • Éric Normand, Mouton Noir, December 1, 2003
    On pourrait parler de chansons-boutades tellement les textes fonctionnent en emboîtements et évitent tout verbiage.
  • Éric Normand, Mouton Noir, October 1, 2003
    Étonnamment inventive et accessible, la musique de Pierre Labbé saura plaire aux amateurs de musiques rock et jazz éclatées.
  • Éric Normand, JazzoSphère, no. 19, August 1, 2003
    Ce coffret, portrait d’une scène active, risque de passer à l’histoire.
  • Eric Normand, JazzoSphère, March 1, 2003
    … son boîtier lui va si bien à ce petit bijou…
  • Eric Normand, JazzoSphère, March 1, 2003
    Les guitares heureuses n’ont pas peur des gros sons de bois, ni de l’électricité: ça tape du pied, ça gratouille et ça crépite.

Critique

Éric Normand, JazzoSphère, March 11, 2004

Tom Walsh est un tromboniste très actif et très respecté au Canada. Il joue dans une foule de formations (tous styles confondus) en plus de faire de la musique pour la danse. Il s’agit ici d’un deuxième album pour la formation Noma - le premier remontant à 1996. Groupe double, à l’exemple d’Ornette Coleman, mais un propos tout autre; côté cour funky: guitare électrique à effets (Guy Kaye), basse électrique (Alan Basculis) et «funk drum» (François Chauvette); côté jardin jazz: guitare préparée bruitiste de Rainer Wiens, la contrebasse de Normand Guilbeault et le «jazz drumset» de Thom Gossage. Au centre, Tom Walsh au trombone, mais aussi à l’échantillonneur et aux commandes de ce groupe à deux faces. Le résultat est fascinant. On trouve en Walsh un soliste sobre et surtout un arrangeur très fin. Empruntant à la fois à toutes les tendances «funky» de la musique américaine (trip hop, funk, fusion), au jazz et aux univers plus abstraits, Walsh montre une connaissance des musiques de son temps et une sérieuse aptitude à les mélanger. Ouvertures grattouillantes et fondus enchaînés viennent bouleverser une musique sophistiquée remplie de réminiscences (dont In Walked Bud), d’arrêts et de reprises. La plupart des pièces sont d’ailleurs divisées en plusieurs plages (à la manière de la musique classique?) qui continuent, sans coupures évidentes, le développement d’un thème.

Du plus racoleur au plus difficile, Walsh se permet tout, simplement parce qu’il sait rendre fertiles les rencontres inusitées. Loin des parodies de genres, Walsh mélange les styles sans les diluer. En prime, la prise de son live est plus que convaincante. Épatant.

Épatant.

Le Noir compact

Éric Normand, Mouton Noir, December 1, 2003

Avec à leur tête (le poète) Frank Martel, ménestrel verbulateur, les hors-la-loi de L’Ouest Céleste sont de retour. Au programme: «chansons-comptines, rock poignard et pastiches country». La première formule est sans doute la plus heureuse pour décrire les quatorze (dont 12 ont moins de 3 minutes) courtes pièces qui composent Sautons ce repas de midi. On pourrait parler de chansons-boutades tellement les textes fonctionnent en emboîtements et évitent tout verbiage. M. Martel connaît bien l’art de la phrase, du jeu de mot et du non sens. En fait preuve le choix du nom de son groupe: L’Ouest céleste, référence ironique à la dynastie Martel? Les airs de Martel s’inspirent néanmoins des musiques américaines: folk, guitare surf, country, rock et blues autant que de la chanson. Afin de concocter ces petits univers pastichés, Martel s’adjoint les services de musiciens hors-pairs: Bernard Falaise (guitare, direction musicale), Michel F Côté (batterie) - que l’on retrouve aux côtés de Marie-Jo Thério et dans divers projets d’improvisation (Klaxon Gueule, Buire…) - et Éloi Déit (Urbain Desbois) à la basse. Malgré une voix au registre limité, Martel sait nous entraîner dans ses fantaisies ludiques avec des intonations qui, au passage, rappellent Claude Dubois, André Duchesne ou Faulkner. Musicalement difficile à étiqueter, Martel propose une chanson rock poético-absurde, une sorte de mélange risqué entre Thomas Jensen, Urbain Desbois, Sttella et Bobby Lapointe: plus maîtrisé et moins international que le premier, plus absurde que le second et moins barbu que le dernier.

On pourrait parler de chansons-boutades tellement les textes fonctionnent en emboîtements et évitent tout verbiage.

Le Noir compact

Éric Normand, Mouton Noir, October 1, 2003

Encore peu connu de l’amateur de disques, Pierre Labbé (saxophone) présente ici un premier opus surprenant en tant que «leader». Membre du groupe (prog-rock-fanfare) de Claude St-Jean Les Projectionnistes et collaborateur du sculpteur sonore Jean-Pierre Gauthier, Labbé nous présente maintenant son propre ensemble: Bernard Falaise (guitare électrique), Frédéric Alarie (contrebasse), Claude Lavergne (batterie) ainsi que Nathalie Bonin (violon) et Julie Trudeau (violoncelle). Le saxophoniste signe ici une musique hybride où rock, jazz (clin d’œil à Ornette Coleman), musique contemporaine alternent et se mélangent dans un dialogue soutenu entre composition et improvisation. De beaux thèmes - tantôt vaguement, mélos (Le blanc des yeux), tantôt franchement ludiques (Bloops) - servent de point de départ à ces agiles constructions: véritables jeux de blocs qui font s’emboîter agilement les styles autant que la variété de l’instrumentation. Étonnamment inventive et accessible, la musique de Pierre Labbé saura plaire aux amateurs de musiques rock et jazz éclatées. À ceux qui sont tombés sous le charme des musiques de chambre de John Zorn (Masada, etc.), je recommande fortement ce disque qui vous entraînera plus avant dans l’éclectisme tout en vous faisant découvrir un créateur original de chez nous qui se fait définitivement une place unique dans le monde des musiques actuelles.

Étonnamment inventive et accessible, la musique de Pierre Labbé saura plaire aux amateurs de musiques rock et jazz éclatées.

Critique

Éric Normand, JazzoSphère, no. 19, August 1, 2003

Pour l’arrivée du beau temps, le jeune label Montréalais No Type tape fort avec la parution d’un coffret de quatre CDs (au prix de deux) documentant la scène d’improvisation libre qui gravite autour de la Casa del Popolo, nouvelle plaque tournante de la musique fraîche à Montréal. Si le coffret, magnifiquement illustré par l’artiste-percussionniste John Heward, regroupe principalement des musiciens appartenant à une nouvelle génération d’improvisateurs, on y retrouve aussi quelques vétérans: le spécialiste de la guitare préparée, Rainer Wiens, et, bien sûr. John Heward, qui fait preuve ici d’une incroyable sensibilité aux textures. Une des grandes qualité du coffret est qu’on y retrouve une liberté synonyme de personnalité et que les quatre disques ont chacun leur identité. L’ensemble d’ailleurs offre une grande diversité de registres et de tons. D’abord deux disques de guitares; celles de Wiens, toujours aussi intrigante, et du terrible Sam Shalabi qui, avec Alexandre St-Onge à la contrebasse et John Heward à la batterie, jouent en frottements et en textures au sein de l’ensemble PO; et puis le jeu risqué, jazzy et «fêlé du cerveau» de Chris Burns en trio avec Nicolas Caloia (cb) et Heward toujours à la batterie. L’égarement prend ici une valeur positive.

Sur les deux autres disques arrivent les instruments à vent dans un déferlement de solistes multiples et de polyphonie. D’abord le dangereux et aventureux dno ‘Gypt Gore, où Philémon (sax alto) et Sam Shalabi (guitare) - deux membres trés actifs de la nouvelle scène improvisée - mettent en commun leur frénésie et leur exubérance pour une aventure des plus enlevantes. Le duo plaira aux agités. Pour le quatrième et dernier disque nous retrouvons les deux ‘Gypt Gore accompagnés de leur bataillon de «mauvais chats» Balai Mécanique (Thierry Amar, cb; Jesse Levine, p; Jacques Gravel, trb et Will Glass, perc.) pour une improvisation collective qui rappelle d’avantage une certaine tradition du free jazz, mais qui garde une grande fraîcheur et qui réjouira les mordus du genre. Beaucoup de fougue. de risques, quelques accrochages font du coffret un véritable manifeste de la liberté. Au total 228 minutes de déroutes, de défonce et de plaisir pour les oreilles assoiffées. Ce coffret, portrait d’une scène active, risque de passer à l’histoire.

Ce coffret, portrait d’une scène active, risque de passer à l’histoire.

Critique

Eric Normand, JazzoSphère, March 1, 2003

Deuxième rencontre (après 21 situations) sur l’étiquette AM de ce duo de tripatouilleurs de phonogrammes, cette boite à bijoux (admirablement bricolée) se présente comme un véritable cadeau, bilan d’un travail sur l’instrument de capture du son élargi sur plusieurs niveaux. Si le premier des trois disques (studio) présente une improvisation (2000) où le phono prend sa valeur instrumentale, les deux autres s’inscrivent sous le signe de la relecture (2003), de la manipulation a posteriori du matériel sonore selon des méthodes distinctes: analogique, pour Tétreault, numérique pour Yoshihide. Le premier CD est le fruit d’une rencontre tandis que les deux autres sont marqués de l’individualité, de la réappropriation originale par chacun des musiciens du résultat de cette rencontre. L’album studio fait entendre à la fois le plaisir de jouer et de laisser jouer la machine; de la manipulation à l’automatisation, le jeu s’emballe jusqu’à la stabilité de la saturation ou de bourdonnement presque silencieux. Les différents disques nous entraînent sur la piste de trois façons de faire et surtout de trois résultats bien distincts dans un format d’écoute (3 x 20 minutes) qui oblige aussi l’auditeur à une certaine manipulation. Effectués sans concertation, les travaux de remontage font ressortir des facettes différentes de cette matière incandescente: un travail plus paisible sur le parasite et le crépitement rythmique chez Tétreault fait contrepoids au focus sur les feedbacks sur-aigus et sur les sons percussifs que privilégie Yoshihide. Travail de traitement et de bilan de la part de deux vétérans de la table, studio - analogique - numérique nous présente un phonogramme prit à son propre jeu de capture, récupéré par d’autres technologies du son; I’enregistreur enregistré. Après écoute, on constate que son boîtier lui va si bien à ce petit bijou qui ne saurait manquer d’intéresser tous les amateurs de phono, d’électro et autres arts audios - sans oublier les amateurs de disques-objets originaux. Une des belles surprises de l’année.

… son boîtier lui va si bien à ce petit bijou…

Critique

Eric Normand, JazzoSphère, March 1, 2003

Les amateurs de guitares peu conventionnelles ne pourront passer à côté de cette rencontre étonnante entre deux maîtres des cordes, spécialistes à la fois de l’improvisation libre et des musiques traditionnelles de l’Amérique: folk, country swing, bluegrass… Enregistré dans deux contextes bien différents: un concert «free» à Paris en 1998 et un second «avec quelques jours de préparation chez René» à Victoriaville en 2002 (Festival International Musique Actuelle Victoriaville), L’oasis tire avantage de ces deux facettes. À Paris, ils sont en liberté totale: bruitisme, textures et brisures viennent donner une réplique rugueuse et spontanée à la partie de plaisir du FIMAV. Les pièces tirées du concert de Victoriaville sont des reprises de thèmes country, blues, et folk que les deux guitaristes (Chadbourne joue aussi du banjo) prennent un plaisir fou à laisser déraper, rendant ces pièces simples tout à fait vertigineuses, les traitant avec un humour (et une certaine rudesse) qui transpire du plaisir qu’ils ont à jouer, en plus de se faire le témoin d’une connaissance profonde des musiques traditionnelles et de la culture américaine. Les guitares heureuses n’ont pas peur des gros sons de bois, ni de l’électricité: ça tape du pied, ça gratouille et ça crépite. L’humour et la maîtrise permettent aux deux virtuoses excentriques d’interpréter des musiques qui, tout en étant harmoniquement simples, peuvent être le tremplin d’une improvisation créative et originale. Ce disque en est la preuve.

Les guitares heureuses n’ont pas peur des gros sons de bois, ni de l’électricité: ça tape du pied, ça gratouille et ça crépite.

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