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Simon Martin: Hommage à Leduc, Borduas et Riopelle (Téléchargement) Détail des œuvres

L’heure mauve

Simon Martin

  • Année de composition: 2010
  • Durée: 11:07
  • Instrumentation: 3 guitares classiques

Par le biais de l’observation et de la réflexion, Ozias Leduc faisait de son art et de sa vie «une quête de l’unité des choses, une aventure consciente des sens». (Robert Bernier, Un siècle de peinture au Québec, Montréal, Les Éditions de l’Homme, 1999, p. 67.) Pour mon œuvre, je me suis inspiré de ce regard, tant plastique que spirituel, porté par Leduc sur le mont Saint-Hilaire et ses paysages environnants. Entre 1913 et 1921, il peint à ce sujet une série de toiles de caractère symboliste, dont la dernière se nomme L’heure mauve.

J’ai choisi ce titre parce qu’il traite du temps et de la couleur, deux composantes suffisant à résumer une randonnée à la montagne, de l’aube au crépuscule. Dans le cadre de ma pièce musicale, l’idée de couleur fait directement référence à la matière, dont Leduc avait une vision très moderne. Pour lui, «un grand principe doit présider à toute œuvre d’art: “adapter la matière à sa fin propre”. C’est donc traiter une substance selon ses exigences et selon son pouvoir». (Ozias Leduc, une œuvre d’amour et de rêve, catalogue d’exposition (Québec: Musée du Québec; Montréal: Musée des Beaux-arts de Montréal, 1996), p. 25.) Au même titre, Leduc croit que la «fin propre» de chaque individu doit être respectée. Borduas a ainsi pu dire de son maître: «Je lui dois l’une des rares permissions de poursuivre mon destin». (Paul-Émile Borduas, Quelques pensées sur l’œuvre d’amour et de rêve de M. Ozias Leduc, in Écrits I (édition critique par André-G. Bourassa, Jean Fisette et Gilles Lapointe), Montréal, Les Presses de l’Université de Montréal, 1987, p. 513.) La dimension du temps, quant à elle, rend compte de l’évolution de la matière et de sa patiente observation. Ozias Leduc a vécu 90 ans (1864-1955) et on le disait d’une lenteur proverbiale; Riopelle raconte que le bois de chêne dont était faite la table dans son studio provenait d’un arbre qu’il avait lui-même planté jadis… Envisagé de cette façon, le temps se trouve naturellement empreint d’une valeur spirituelle.

Peintre, penseur, poète, épistolier, président de commission scolaire, conseiller municipal et pomiculteur, Leduc sut aussi bien collaborer avec les politiciens, les représentants du clergé et les artistes d’avant-garde que ses concitoyens. Dans sa sagesse et sa diplomatie, il semble toujours avoir perçu les divergences d’opinions de ses contemporains comme autant de facettes d’un tout indissociable. Cette vision se trouve résumée dans un discours prononcé par Leduc en 1930 à la Société d’histoire de Saint-Hyacinthe: «J’ai tâché de rendre mon art vivant, en considérant notre petite patrie, Saint-Hilaire, comme une entité qui serait notre œuvre d’art et que tous ensemble, ses habitants, œuvrant d’accord, nous devons perfectionner et embellir!» (Cité dans le Cahier d’histoire de la Société d’histoire de Beloeil-Mont-Saint-Hilaire, «Hommage à Ozias Leduc», 17e année, No 49, février 1996.) Ayant résidé dans cette région, j’ai, en quelque sorte, écrit mon œuvre en réponse à son appel.

[English translation: Alexis Diamond]


Création

  • 21 avril 2011, La guitare selon Montréal, Studio-théâtre — Place des Arts, Montréal (Québec)

Projections libérantes

Simon Martin

  • Année de composition: 2007
  • Durée: 11:09
  • Instrumentation: quatuor de saxophones
  • Commande: Quasar, avec l’aide du CALQ

Cette composition vise à rendre hommage à Paul-Émile Borduas, un des fondateurs de la modernité — et de la liberté — artistique québécoise. Deux œuvres de Borduas ont orienté mon travail de façon particulière: le texte Projections libérantes, publié en 1949, ainsi que la peinture Composition 69, trouvée sur le chevalet de l’artiste à sa mort en 1960.

Composition 69 est une œuvre qui s’impose au premier regard: la quasi totalité de la toile est recouverte par de massifs empâtements noirs qui s’imbriquent jusqu’à en constituer un «mur de charbon luisant». (Voir le commentaire de Jean-Paul Filion cité par François-Marc Gagnon dans le catalogue accompagnant la rétrospective Paul-Émile Borduas du Musée des beaux-arts de Montréal, 1988, p. 466). Au haut du mur, et à travers quelques fissures, on perçoit encore un peu de blanc, sorte de vide cosmique. Il me semble que ce soit vers cet infini que le peintre s’est projeté, qu’il s’est libéré pour et par l’éternité. Suite à son congédiement de l’École du meuble, Borduas conclut le texte Projections libérantes par cette référence à son enseignement: «Vous y avez mis fin, soit! mais je défie aucun pouvoir d’en effacer le souvenir et l’exemple.» (Paul-Émile Borduas, Projections libérantes, in Écrits I (édition critique par André-G. Bourassa, Jean Fisette et Gilles Lapointe), Montréal, Les Presses de l’Université de Montréal, 1987, p. 479).

Pour ma composition, j’ai travaillé presque exclusivement avec des sons dits «multiphones». Ceux-ci sont obtenus par des doigtés et des pressions d’embouchures inusités. Le son est ainsi fractionné, fendu pourrait-on dire: il devient «distortionné» et «multiple». J’ai considéré ces phénomènes comme des blocs pouvant être superposés et juxtaposés, inspiré en-cela par les empâtements de Composition 69. Aussi, en musique, la sonorité des sons multiphones, au même titre que la couleur noire en peinture, peut apparaître en certains cas comme du «bruit», du brouillage d’information. Pourtant, à l’instar de Borduas, j’ai tenté de traiter cette matière de façon spécifique et je l’ai déployée selon une structure formelle rigoureuse; structure de laquelle se dégage, néanmoins, une certaine expressivité.

Je remercie les musiciens de l’ensemble Quasar pour leur indispensable collaboration.

[xi-07]


Projections libérantes a été composée à l’hiver et à l’été 2007 et a été créée le 6 avril 2008 par Quasar à La Chapelle à Montréal (Québec, Canada). Projections libérantes est une commande de l’ensemble Quasar avec le soutien du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ).


Création

  • 6 avril 2008, QuasarVoyages: Montréal — New York, La Chapelle, Montréal (Québec)

Icebergs et Soleil de minuit — Quatuor en blanc

Simon Martin

  • Année de composition: 2007
  • Durée: 16:51
  • Instrumentation: quatuor à cordes

Voici le commentaire que rédigea Pierre Schneider au sujet de Jean Paul Riopelle et de sa série des Icebergs: Le noir et le blanc: de ces instruments par excellence du dessin, il use en peintre. Sur la surface travaillée au couteau, comme à l’accoutumée, leurs nuances sont infinies, inépuisables. Tantôt l’image littérale, engoncée dans son cerne, cassante, est comme coincée, broyée par un étau de glaces éblouissantes. Tantôt, au contraire, une neige tendre l’enveloppe, la caresse, la dissout insidieusement. Ici, noir et blanc se heurtent; là, ils se compénètrent, se dégradent en gris délicieux.» (Préface du catalogue d’exposition Jean Paul Riopelle, Paris, Musée national d’art moderne, 1981, p. 23, cité dans Riopelle, catalogue d’exposition, Montréal, Musée des beaux-arts de Montréal, 1991, p. 141).

Ce qui m’a inspiré de Riopelle, c’est cette idée d’explorer la matière selon toutes ses possibilités — sans jamais devenir systématique. Riopelle décline ces possibilités de multiples façons: par chaque coup de spatule d’une même toile (Autriche, La Jacob Chatou), par des séries de toiles (Icebergs, Le Roi de Thulé), par des diptyques (La ligne d’eau), triptyques (Cendres), des quadriptyques (Soleil de minuitQuatuor en blanc), un Polyptyque et jusqu’à plusieurs œuvres à l’intérieur d’une seule (Le Bestiaire), par des assemblages de rebuts d’expériences passées (Le grand assemblage), par le traitement d’un même sujet à travers différents médias (le hibou représenté en peinture, en sculpture, en lithographie, en techniques mixtes, etc.), etc.

En ce qui concerne ma composition, chaque section peut ainsi être considérée comme l’une des toiles d’une série, ou encore comme un coup de spatule de Riopelle regardé de près: un monde en soi; une nature, donc, organique, avec des structures contrastes et de variations qui lui sont inhérentes. À l’instar de cette nature, l’œuvre ne vise pas la démonstration de quoi que ce soit (pas de développement littéraire); plutôt, elle se veut une affirmation en-soi de la nécessité du hasard, de la nécessité obtenue par le hasard, par la constante réitération d’équations aux variables toujours changeantes car se modulant les unes les autres. Ainsi, tout est à refaire, constamment (il faut jouer pour être vivant: si on cesse de se confronter au doute et à la découverte, si on arrête de lancer les dés, alors on ne joue plus, et on meurt). En ce sens, par le biais d’un hommage au peintre de la nature que fut Riopelle, mon œuvre célèbre aussi la vie et le rythme de ses phénomènes.

[ii-09]


Icebergs et Soleil de minuit — Quatuor en blanc a été composée au printemps 2007 et a été créée le 28 avril 2007 dans la cadre du Composer’s Kitchen 2007 par le Quatuor Bozzini à la galerie B-312 à Montréal (Québec, Canada). Icebergs et Soleil de minuit — Quatuor en blanc a été finaliste du Prix Jules-Léger de la nouvelle musique de chambre en 2008.


Création

  • 28 avril 2007, Quatuor BozziniComposer’s Kitchen 2007: Concert, B-312 — Édifice Belgo, Montréal (Québec)

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