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Modern and Contemporary

Stuart Broomer, The WholeNote, no 23:8, 1 mai 2018
mardi 1 mai 2018 Presse

Founded in 1999, Quatuor Bozzini are distinguished interpreters of contemporary repertoire, including fine recordings of John Cage, James Tenney and Steve Reich. Here they present a particularly challenging work, a three-part, 73-minute piece composed between 2011 and 2016 by Gyula Csapó, a Hungarian composer currently teaching at the University of Saskatchewan. His music suggests the influences (including scale and depth) of Morton Feldman and Arvo Pärt. Csapó’s brief note about this work is dauntingly abstract (“event-fossils,” “fractals”), but the core is in the title, Déjà? Kojâ? part French, part Persian: “Already?” is easy. “Kojâ?” comes with a poem that suggests “Threshold” as the crucial sense, and that this world is a threshold, the beginning of another experience or existence, a step both inevitable yet deferred. The work is monumental, developing thick, often dissonant textures. Its long first section is anchored to a repeating oscillation, brief but slow, between low-register cello and viola and high, reedy violins. Seconda Parte is more varied, adding other sonic devices, including moving the contrast of registers to pizzicato lows and whistling harmonic glissandi from the violins. Terza Parte eventually expands the oscillating figures into a still minimalist, but gradually evolving melodic shape. It’s a demanding work, a dark reverie that suggests anticipation while dramatizing its delay, a sombre meditation shot through with bright highs that are themselves dissonant. At once static and tumultuous, this is depth experience, rewarding all the attention one can give it.

At once static and tumultuous, this is depth experience, rewarding all the attention one can give it.

Les sons qui cachent la forêt

Philippe Renaud, Le Devoir, 1 mai 2018
mardi 1 mai 2018 Presse

«Moi, de la mousse verte qui pousse sur une roche, je trouve ça franchement beau!» s’exclame Louis Dufort. La mousse sur le sol forestier est comme de la musique aux oreilles de ce musicien au printemps chargé, lui qui partage son temps entre ses fonctions de professeur, de directeur artistique auprès du festival Akousma — un mandat qui lui a valu un prix lors du dernier gala Opus, en février dernier — et de compositeur. L’excursion en forêt, faut-il en déduire, est son échappatoire. Et sa source d’inspiration, ainsi qu’on le découvrira le 9 mai prochain au Gesù.

 

La nature servirait d’analogie à sa musique, estime Dufort, figure de proue de la musique électronique et électroacoustique québécoise. Il lancera bientôt un nouvel album inspiré par ses excursions en forêt et présentera en grande première la semaine prochaine au Gesù une composition inédite lors d’un concert inscrit à la série VivierMix créatif, soirée mettant aussi en vedette la compositrice et clarinettiste Lori Freedman et le Quatuor Bozzini.

 

Cette nouvelle composition «terminera un cycle assez intense explorant le côté dynamique de la forêt, son mouvement», un contexte qu’il avait approfondi dans sa thèse de doctorat. Être en forêt, être attentif à l’environnement immédiat, à ses sons, «me plonge dans un état presque pastoral, et c’est ce que j’essaie de recréer dans ma musique», à l’aide de sons cueillis à même la forêt et de sons de synthèse «qui prennent vie dans de brefs instants, des sons petits et courts; ma musique devient très active, nerveuse, minérale, presque chimique».

 

«Et au-dessus de tout ça, enchaîne le compositeur, l’idée d’une grande structure, les branches comme les racines, qui organisent la vie en forêt. J’essaie de rendre ça poétique, mais ça demeure une musique très abstraite et dénuée d’affect, je ne cherche pas à susciter des émotions directes. Comme lorsqu’on va dans la forêt: elle n’est pas heureuse ou triste, elle est simplement là, et belle, parce que je sens que sa beauté est dans sa structure. Suffit simplement d’être sensible à ça.»

Le son sous toutes ses facettes

Depuis plus d’une vingtaine d’années, Dufort explore le son sous toutes ses facettes, développant une expertise dans la musique électroacoustique, musique électronique d’avant-garde et musique acousmatique. Les amateurs de danse contemporaine connaissent aussi son travail auprès de la chorégraphe Marie Chouinard, dont il est le compositeur attitré. Ajoutons maintenant à son curriculum la musique de La chute de l’empire américain, coécrite avec son ami Mathieu Lussier, qui signe les thèmes plus «classiques».

 

«Denys [Arcand] voulait de la musique électroacoustique dans son film, mais c’est vaste, comme monde. On a dû s’entendre sur ce qu’il recherchait, exactement, raconte Dufort. Après qu’on se soit parlé, je me suis mis à regarder ses oeuvres pour l’ONF; dans l’une d’elles, Les Montréalistes [1965], on entend la musique de Pierre Henry et de Pierre Schaeffer, deux légendes de la musique électroacoustique. Ça m’a rassuré!»

 

C’est la somme de toutes les facettes de sa vie professionnelle qui lui permet de porter ce regard, large et inclusif, sur les musiques de composition électroacoustiques et synthétiques. Un regard, une vision, salués par ses pairs en février dernier lors du gala des prix Opus, où il remportait celui du Directeur artistique de l’année pour son travail au festival Akousma — Dufort a également concocté le programme, très éclectique, de la soirée Substrat de vendredi prochain: dans le grand dôme de la Société des arts technologiques, un orchestre de 157 haut-parleurs pour une soirée «entre spatialisation sonore, musique expérimentale, électroacoustique et acousmatique», annonce-t-on.

 

On y entendra le jeune compositeur Simon Chioini, qui, indique Dufort, «intègre les tendances actuelles, autant dans l’électroacoustique que dans la musique électronique expérimentale, faisant une belle synthèse de ce qui branche les jeunes aujourd’hui». Il sera suivi de la compositrice minimaliste France Jobin, entendue à Mutek l’an dernier, du plus abrasif Dominic Thibault et du pionnier Robert Normandeau, «un de nos plus grands représentants [de la musique acousmatique] sur la scène internationale».

 

Le genre d’affiche qui excite Louis Dufort: variée, audacieuse, décloisonnée. «Je ne veux pas intéresser seulement un public de mélomanes», insiste le directeur artistique, qui remarque un intérêt prononcé du public pour les musiques d’avant-garde depuis trois ou quatre ans. «Je cherche à attirer un public de curieux, ceux qui vont autant au Festival TransAmériques qu’à des spectacles de danse contemporaine, ceux qui sont intrigués par les nouvelles technologies et les arts numériques. Ce sont ces gens-là qui permettent au festival Akousma, et à la scène en général, de poursuivre son évolution.»

 

«Il faut en finir avec les tours d’ivoire, car ce n’est plus vrai que la musique électroacoustique est académique. Ça intéresse plein de gens, d’autant plus que cette musique bénéficie d’un coup de pouce des artistes issus de la musique underground moderne tels que Oneohtrix Point Never, ceux qui jouent avec les textures. J’adore construire des ponts entre ces musiques et le public.»

… variée, audacieuse, décloisonnée.

Review

Stef, Free Jazz, 23 avril 2018
lundi 23 avril 2018 Presse

Even if the trio is Magda Mayas on prepared piano, Pierre-Yves Martel on viola da gamba, feedback, objects, and Eric Normand on electric bass, speakers and snare drum, the instruments don’t really matter. The trio’s focus is on improvised sounds, little sounds, little noises, creating sonic universes that shift between the calm and the eery, the contemplative and the outright frightening. It is sound lifted beyond music, as a wonderful texture of things falling, scraping, hitting and plucking or just resonating, marbles rolling over strings? an endless bow on one string? metal gliding over all piano strings? piercing feedback through the speakers? raindrops hitting wood? wind rushing through leaves? animals crying in the distance? rhythmic industrial activity? a far unoiled metal door opening?

The sonic universe evolves at its own pace, slowly, slowly building, and growing within its own logic, or even lack thereof, within its own organic nature. Every sound has its own space, carefully positioned, cautiously placed, audaciously created, resulting in a exquisite and intense listening experience. There is an incredible beauty in it, defined by its own aesthetic. There are emotions too: shifting, and sometimes superimposed, like sadness and fear and resignation all at the same time, like joy and distress and surprise as one feeling. You can’t put your finger on it. And that makes it so wonderfully enjoyable.

There is an incredible beauty in it, defined by its own aesthetic.

Critique

Réjean Beaucage, Voir, 18 avril 2018
mercredi 18 avril 2018 Presse

Le musicien Bernard Falaise a joué depuis un quart de siècle avec tout ce que notre scène de musiques nouvelles compte de mieux et c’est un collaborateur tellement recherché que l’on se demande un peu comment il fait pour s’y retrouver. Le voici fin seul, une nouvelle (rare) fois, avec l’envie de faire des musiques vaguement méditatives et la possibilité, grâce à la magie du studio, de se multiplier pour colorer le son de ses guitares d’un brin de mélodica, d’un chouïa de glockenspiel et d’une touche d’électronique. L’homme est un grand guitariste (il ne joue pas avec tout le monde pour rien), mais ici, pas d’explosions de virtuosité, on est plutôt dans l’atmosphérique et le plaisir du son. Et de ce côté-là, c’est une grande réussite.

… c’est une grande réussite.

Kritiek

Ben Taffijn, Nieuwe Noten, 16 avril 2018
lundi 16 avril 2018 Presse

Twee albums bracht het Canadese saxofoonkwartet Quasar Quatuor de Saxophones uit in 2016 bij Actuelcd: ‘Du souffle’ en De souffles et de machines. Maar bespreken kwam er maar niet van. Eeuwig zonde natuurlijk want twee schijven boordevol schitterende hedendaagse muziek. Maar ja, zo gaat dat soms. Dus nemen we nu revanche en duiken alsnog in het werk van dit boeiende kwartet dat werk van bekende en minder bekende componisten brengt.

Verschil zit er ook tussen de beide albums. ‘De machines’ in de titel van het tweede album slaat op het gebruik van elektronica ter aanvulling van het kwartet. Beginnen doen we dus maar met ‘Du Souffle’ en dan met het titelstuk van Philippe Leroux, een Franse componist. Het is een speels stuk dat Leroux baseerde op gedichten van Rainer Maria Rilke, waarin de vier saxofoons op wonderlijke wijze om elkaar heen cirkelen, alsof het vier deelnemers zijn aan een gesprek. ‘Levées’ van de vorig jaar op 85 jarige leeftijd overleden en ook hier bekende Canadese componist Gilles Tremblay is geschreven in opdracht van het kwartet. Het is een zeer expressief stuk in drie delen met een belangrijke rol voor de lage grommende tonen van de baritonsax, die in het eerste deel uit druk gekwetter bijna gekweld omhoog rijzen. Een imposant stuk vol verrassende wendingen. Van Jimmie LeBlanc, een jonge componist, eveneens afkomstig uit Canada, heeft het kwartet ‘Fil Rouge’ opgenomen, oftewel ‘rode draad’. De zeven delen hebben stuk voor stuk het woord ‘Rouge’ in de titel met een toevoeging als ‘vergetelheid rood’ en ‘onschuld rood’. Het zijn miniatuurtjes waarin het kwartet steeds een ander gedaante aanneemt, terwijl de stukken tegelijkertijd met elkaar in verbinding staan, de rode draad.

Pulau Dewata van de eveneens van oorsprong Canadese componist Claude Vivier stamt uit 1977 en is daarmee het oudste stuk op dit album. We kennen het in de uitvoering voor slagwerk, het werd in opdracht geschreven voor het McGill Percussion Ensemble maar Vivier heeft nooit het instrumentarium voor dit stuk dwingend voorgeschreven zodat het nu dus klinkt in een versie voor saxofoonkwartet. Het stuk ontstond na een reis door Bali die op Vivier diepe indruk maakte en is gebaseerd op het toonstelsel van de Balinese gamelan. Het is een aparte ervaring dit stuk ineens met dit instrumentarium te horen, saxofoons klinkend als slagwerk, werkelijk waar. Het is weer eens wat anders. Het laatste stuk van dit album is van onze eigen Louis Andriessen. ‘Facing Death’ heet het stuk dat hij schreef voor het Kronos Quartet en dat hier dus eveneens klinkt in een bewerking. De vroege bebop en dan met name de muziek van Charlie Parker inspireerde Andriessen bij het schrijven van dit stuk en dat hoor je meteen bij de eerste noten. Dit is geen jazz, maar is er wel heel duidelijk door geïnspireerd. De perfecte afsluiter.

Op het tweede album, De souffles et de machines horen we, zoals hierboven reeds opgemerkt, naast het saxofoonkwartet ook live elektronica, wat vanzelfsprekend een extra dimensie toevoegt. Bijvoorbeeld in Les pâleurs de la lune van Pierre Alexandre Tremblay, waarin we minutenlang een elektronisch voortgebrachte sinusgolf horen, naast mysterieus kleppenspel, tot die elektronica aanzwelt tot vervaarlijke proporties. Tremblay liet zich voor dit opdrachtwerk inspireren door de gedichtencyclus ‘Les Fantaisies de Gaspard de la Nuit’ van Aloysius Bertrand en verklankt deze bijzondere cyclus met glans. Pedro Rebelo is schrijver, componist, geluidskunstenaar en uitvoerder en schreef in opdracht van het kwartet Exposure 4.1 waarin de klanken van de saxofoons en de elektronica een bijzondere, ietwat vervreemdende relatie aangaan.

De eveneens uit Canada afkomstige André Hamel voegde bij Brumes matinales et textures urbaines een boeiend bijschrift: “After a night of pleasures and sensual delights, they were forced from their morning languor, showered, dressed, had a cup of coffee, ate and, without saying a word, rushed into the daily whirlwind of human activity.” Beluister het zeer beeldende stuk hieronder en je vindt het er allemaal in terug, inclusief de hectiek aan het eind. Tot slot vinden we het intrigerende tweeluik Outer Planes — Predator Drone MQ-1 van Wolf Edwards. Met het tweede deel geeft Edwards een politiek statement af. De genoemde drones worden door de VS gebruikt om terroristen uit te schakelen. Althans dat is de bedoeling want volgens diverse deskundigen gaat het maar liefst in 98% van de gevallen om onschuldige burgers!

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