La boutique des nouvelles musiques

Danielle Palardy Roger Aussi dans la presse

La presse en parle

Partitions graphiques: incursion dans un univers visuel

Benjamin Goron, La Scena Musicale, no 24:5, 1 février 2019

Sans s’y être forcément frottés, tous les musiciens ont vu passer un jour une partition graphique de John Cage ou Morton Feldman, créateurs de ce langage à cheval entre la musique et les arts visuels. Que cachent ces énigmatiques partitions, allant d’un ensemble de signes sur la portée jusqu’au dessin le plus abstrait? C’est ce que Productions SuperMusique, codirigé par Danielle Palardy Roger et Joane Hétu, cherche à nous faire découvrir au fil d’ateliers et de concerts présentés depuis plus de vingt ans. «Au départ, SuperMusique était en grande partie constitué d’autodidactes. L’écriture graphique nous permettait alors de nous rassembler autour de la musique», explique Danielle Palardy Roger. Au fil des ans, SuperMusique se spécialise dans les musiques improvisées et l’exploration sonore et acquiert une expertise de plus en plus recherchée dans le milieu de la musique contemporaine.

La partition graphique, un «jeu de piste»

La partition graphique, par sa recherche d’interaction entre son, espace et graphisme, se situe à la frontière de la musique et des arts plastiques. Elle suggère un énoncé musical qui peut varier d’un interprète à l’autre, celui-ci devenant alors cocréateur de l’œuvre. Cette graphie pouvant prendre des formes très diverses, cela a permis de pallier les limites de la partition traditionnelle et les créateurs de ce langage étaient autant des bruitistes ( Luigi Russolo) ou des compositeurs de musique aléatoire ( John Cage, Morton Feldman) que des improvisateurs ( Earle Brown, Anestis Logothetis, Pauline Oliveros). Ce modèle s’est étendu au fil du siècle au jazz expérimental ou au rock conceptuel, répondant toujours à une idée créatrice que la notation traditionnelle ne pouvait pas restituer fidèlement.

La partition graphique est souvent accompagnée d’une consigne écrite, afin de démystifier les symboles, formes et couleurs et de fixer un cadre dans lequel l’interprète pourra exprimer sa propre créativité. «Dans la musique nouvelle, la participation de l’instrumentiste créateur devient de plus en plus urgente et présente. Les jeunes qui sortent des écoles ressentent la nécessité de se manifester en tant qu’instrumentistes créateurs.» En novembre dernier, Productions SuperMusique a organisé deux concerts autour de partitions graphiques, où l’on a pu entendre des créations d’ Émilie Girard-Charest et Marielle Groven et un autre à la Chapelle historique du Bon-Pasteur autour d’une pièce du compositeur Symon Henry qui a fait de cette graphie le fer de lance de ses œuvres. L’univers des partitions graphiques connaît un engouement certain en ce début de XXIe siècle. «Une partition graphique, c’est un jeu de piste, un chemin nouveau qu’il faut découvrir. Chaque compositeur a son propre langage et sa propre esthétique, que l’on retrouve d’une pièce à l’autre. L’instrumentiste doit donc se familiariser avec le langage du compositeur, un musicien qui se spécialise dans les partitions graphiques comprend rapidement dans quelle matière sonore le compositeur se dirige.»

Outiller les musiciens de demain

Depuis bientôt dix ans, à la demande de nombreux étudiants, SuperMusique multiplie les initiatives pour démocratiser l’usage des partitions graphiques, un outil qui peut s’avérer précieux dans le cheminement du compositeur ou de l’interprète. En mettant en place de nombreux ateliers au Gesù, à la Chapelle historique du Bon-Pasteur et à la Sala Rossa, ainsi que des stages et une activité de mentorat à l’Université de Montréal, en partenariat avec le Cercle des étudiants.es compositeurs.rices (CeCo), SuperMusique répond à une demande croissante des créateurs cherchant à élargir leur langage, par simple curiosité ou réel intérêt. «Parmi les jeunes qui ont assisté à nos stages, plusieurs font aujourd’hui partie de SuperMusique», se réjouit Danielle Palardy Roger. L’ouverture des institutions traditionnelles reste pourtant très limitée et la formation des jeunes musiciens se fait le plus souvent en dehors des conservatoires et universités, grâce aux ateliers, mais aussi et surtout par la pratique instrumentale, individuelle ou collective. «Chaque improvisateur explore son propre langage des heures, des jours entiers, que ce soit la virtuosité technique ou timbrale. Il élargit aussi son écoute et son langage individuel à travers la pratique de l’improvisation, ce qui est fondamental.» Rompant avec les schémas traditionnels, compositeurs et instrumentistes trouvent dans cet univers des partitions graphiques et des musiques improvisées un espace de cohabitation où le geste créateur est partagé entre les différents participants. Les compositeurs font confiance aux interprètes, tandis que ces derniers peuvent exprimer leur personnalité et leur créativité.

Les partitions graphiques ne sont pas le seul langage permettant ce partage du geste créateur. Autre exemple, la gestuelle développée par les chefs pour composer de la musique en temps réel, dont le soundpainting est la forme la plus connue. Ce langage inventé et théorisé par Walter Thompson contient actuellement plus de mille gestes permettant au chef de communiquer avec l’orchestre pour créer une véritable peinture sonore. Au sein de SuperMusique, la gestuelle mise en place et s’enrichissant au gré des inventions est constituée de gestes traditionnellement admis dans le soundpainting et d’inventions de Jean Derome, Diane Labrosse, Joane Hétu ou Danielle Palardy Roger, entre autres. Langage en pleine expansion, il pourrait à lui seul faire l’objet d’un article plus fouillé.

Par leur implication dans la formation des jeunes générations de musiciens et de compositeurs, par la mise en valeur d’un siècle de recherche et d’invention dans le domaine de l’expérimentation sonore et des partitions graphiques ainsi que leur engagement à produire des concerts et passer des commandes, Productions SuperMusique a mis en place un créneau singulier qui répond à un besoin réel de la communauté musicale au Québec et qui est certainement amené à grandir au fil des ans. De quoi piquer la curiosité de tout un chacun…

De quoi piquer la curiosité de tout un chacun…

Concert Review

Isnor B Gordon, Left Hip Magazine, 12 décembre 2008

Fred Frith played in Montréal recently along with some very talented local free improv players. I was fortunate enough to catch the show…

Legendary avant-garde guitarist Fred Frith dropped by Montréal’s Cabaret Juste Pour Rire the other night for a duo show with drummer Danielle Palardy Roger, and an opening set by two incredible percussionists - Michel F Côté and Isaiah Ceccarelli.

Côté and Ceccarelli started things off with nothing but drums. Côté was behind a standard kit extended with lots of toys and two mics rigged up two a pair of Pignose amps. Ceccarelli just had a bass drum lying on a chair along with, again, lots of toys. The pieces were all very brief which was really nice, and despite the fact that drums alone might seem limited, each piece was very different from those that came before – sound loud and frenetic, others quiet, one actually managed to elicit quite a bit of laughter from the audience, which I’m hoping was a good thing. Côté used the mics as drum sticks to great effect - creating all kinds of unusual sounds of tension and release, friction, surprisingly dynamic feedback that almost made one think of the expressiveness of the Theremin, and there were moments of all out, distorted, banging-on-a-drum fun. The feedbacking drums were paired up really well with Ceccarelli’s bowed playing. A great set.

Fred Frith and Danielle Palardy Roger were up second and once they began playing, they did not stop until their set was finished — a really long and well laid-out musical journey with lots of highlights and unexpected twists and turns. Fred pulled out every trick in the prepared guitar book - from the old twanging drum stick between the strings to an array of effects and looping pedals and beyond. But with his mastery of music and his instrument it never felt like he was depending on the gimmicks, more using them to great effect to build up a complex, multilayered soundscape and every-evolving composition. He was well matched up with Danielle Palardy Roger, who also had all of the extended techniques and managed to make great music with them. They both seemed to be following their own paths the whole way not interacting too much like some free improv players do, creating a sort of back and forth conversation type of sound, but their individual paths meshed perfectly well together, so maybe they were both just following the music more than their own instrumental egos. Adding an extra oomph to the coolness of the show was when first Fred Frith let loose a barrage of percussive and wailing tribal vocals, followed a little later on by vocal sounds along similar lines from Danielle Palardy Roger. Took it to another level beyond the often staid confines of stylized free improv into something more about music in a broader and more sophisticated sense.

An awesome concert, and I think it was part of a recording project so it may see the light of day on CD in the not too distant future…

An awesome concert…

Joëlle Léandre waving her bow around can be a beautiful thing

Kate Molleson, The Gazette, 26 mars 2008

French improv bassist Joëlle Léandre has a mighty impressive biography — she’s worked with Pierre Boulez, John Cage, Steve Lacy, Fred Frith, John Zorn — and judging by her appearance at La Sala Rossa last night, she’s a fierce enough lady to live up to it.

She arrived late, hair wild and dress scruffy black, peered callously into the audience and picked up her instrument. Waiting for her on stage were local musique-actuelle fixtures Jean Derome and Danielle Palardy Roger, both impressive and fearless improvisers. Together the three produced an hour of music that, though not for the faint-hearted, passed through moments of surprising beauty.

The process would be familiar to most improvisers: One musician introduces an idea — a short melody or rhythm or sound or gesture, or even, in Léandre’s case, fragments of spoken words — then the others play with and around it. The idea develops and eventually morphs into other ideas. Hopefully, somewhere in the process, the group will have arrived at some interesting sounds.

What distinguished last night’s group was how varied and refined the sounds were. Derome played alto and baritone sax, flute and alto flute, and came equipped with an arsenal of toys: ocarinas, slide whistles, things that scrape and scratch and pop and hoot. His saxophone sound is aggressive, but works fabulously in this context, and I love the way he hints at standard jazz gestures amidst the abstract swells and screeches.

Léandre, meanwhile, commands her bass forcibly, producing uncanny wails and sniffles and, at one point, a smacking walking bass line. She uses her bow a lot, more than most jazz bass players dare, and to great effect. When things got really heated, she’d wave the bow around in the air to make swooshing noises. It’s a visual spectacle (one reason I have trouble listening to this kind of music on record) and Léandre’s fierce personality became integral to the performance.

People have strong feelings about this kind of improvised music (my brother, for example, calls it ‘public wanking’). Some say it’s intimidating because it’s so experimental, but I reckon that it’s because it is just so experimental that anybody can listen to it. You don’t need any background knowledge; the whole point is to experience the sounds as they come. In that sense, it’s very accessible.

What distinguished last night’s group was how varied and refined the sounds were.

Review

Marvin, Free Albums Galore, 6 février 2008

Le GGRIL is that most cumbersome of all musical monsters, the avant-garde big band. The nature of the big jazz band is to allow improvisation over tightly structured arrangements. The big band is practically the opposite of avant-garde jazz which often respect freedom of sound over tonality, structure, or even rhythm.

Le GGRIL is centered in Québec, Canada and walks a tightrope between the improvised and the structured. The band’s arsenal of imaginative players borrow as much from post-classical as from free jazz. Their personnel is changeable but the unusual assortment of saxes, clarinet, accordions, violins, guitar and percussion seems to be the norm. The free self titled album has four tracks. Tracks 1, 2, 4 are directed by alto saxophonist Jean Derome with Fire + Bebelle most closely related to jazz. Tracks 2 and 4 are quieter and makes good use of long tones and well placed silence. Derome’s direction and playing is center toward exploring sounds and environment more so than totally free improvisation.

The same can be said for track 3 which is an extended 11 minute work featuring the improvisatory trio of Les Poules. Alto saxist Joane Hétu, percussionist Danielle Palardy Roger, and samplist Diane Labrosse tends to prefer long drones with free improvisation as accent. They mix well with the larger ensemble creating a well thought out atmospheric work.

The album is available from the excellent Insubordinations netlabel in 320kbps MP3.

They mix well with the larger ensemble creating a well thought out atmospheric work.

La musique actuelle en quelques points…

Danielle Palardy Roger, FAMEQ à la une, no 20:1, 1 octobre 2005

La musique actuelle a surtout été analysée et décrite de l’intérieur par ceux qui la font et la diffusent, malheureusement il y a peu de musicologues qui se sont penchés sur ce qui fait sa spécificité parmi les musiques d’aujourd’hui — terme le plus souvent utilisé pour parler des trois grands courants de musiques de création: la musique contemporaine, la musique électroacoustique et la musique actuelle.

Le terme de musique actuelle, qui existe depuis les années 50-60, était à l’époque rattaché à la musique contemporaine et à ses avant-gardistes tels les John Cage, Karlheinz Stockhausen, Morton Feldman, Pauline Oliveros, Harry Partch; mais depuis cette époque, la signification du terme s’est transformée. Aujourd’hui quand on parle du courant de la musique actuelle on ne parle plus de musique contemporaine, car le courant a dévié, il s’est élargi et a, entre autres, développé un nouveau langage articulé en grande partie à partir de musiques populaires. C’est là une des grandes différences entre la musique contemporaine et la musique actuelle, en effet, la musique contemporaine a ses plus profondes racines dans la musique classique, tandis que la musique actuelle a développé beaucoup des siennes dans le jazz, le rock et la musique traditionnelle. La musique actuelle s’est détournée de conventions par trop académiques ou conservatrices; et encore aujourd’hui elle présente un aspect «populaire» en entretenant des liens serrés avec la culture underground et en proposant des concerts dans des bars et des lieux enfumés…

Parallèlement à cette dichotomie dans les musiques «d’avant-garde», deux événements fondamentaux ont également participé à définir la musique actuelle: l’avènement de la technologie et celui de l’électronique lui ont ouvert la porte aux bricolages et aux collages sonores, à l’échantillonnage et au bruitisme.

La mixité de ces matériaux sonores ainsi que la cohabitation de la structure et de l’improvisation sont caractéristiques de la musique actuelle. Conséquemment celle-ci comprend des œuvres très variées; en effet elle inclut des musiques savamment écrites et calculées jusqu’à des musiques totalement improvisées; elle peut aussi contenir des musiques électroniques minimalistes jusqu’à des musiques rock extrêmes.

L’utilisation de nouvelles lutheries est aussi un aspect particulier à la musique actuelle — à l’instar de la musique contemporaine, les œuvres de musique actuelle sont interprétées par des instrumentistes, en cela elle diffère totalement de la musique électroacoustique où les œuvres préenregistrées sont diffusées en concert via des haut-parleurs. Dans la musique actuelle, la cohabitation des instruments acoustiques et électroniques est fréquente et la lutherie est fort diversifiée; les instruments, qu’ils soient acoustiques ou électroniques, peuvent être utilisés dans leur version la plus originelle ou avoir été complètement réinventés.

Une autre des importantes particularités de la musique actuelle est le fait que ses compositeurs sont aussi des instrumentistes qui jouent en concert. La musique actuelle s’est fait connaître au Québec et au Canada via des Frank Zappa, guitariste; John Zorn, saxophoniste; Fred Frith, guitariste; John Oswald, saxophoniste; Jean Derome, saxophoniste; Michel F Côté, percussionniste; Joane Hétu, saxophoniste; Diane Labrosse, pianiste: tous des compositeurs qui jouent leurs propres musiques.

Des détracteurs ont maintes fois dit que la musique actuelle n’était qu’une passade et qu’elle disparaîtrait rapidement mais depuis quelques années une relève de jeunes compositeurs se manifeste, puissante et imaginative: des Bernard Falaise, Alexandre St-Onge, Sam Shalabi, i8u et Magali Babin et des plus jeunes encore comme Antoine Berthiaume, Guido del Fabbro et Myléna Bergeron.

Depuis vingt-cinq ans, au Québec, trois intervenants majeurs ont permis la diffusion de la musique actuelle et la reconnaissance de ce courant: le Festival international de musique actuelle de Victoriaville, Le Navire Night à Radio-Canada (une émission qui n’existe plus) et l’organisme Productions SuperMusique; on peut visiter les sites Web de ces diffuseurs pour en connaître davantage sur la musique actuelle. Je recommande aussi la lecture de Plunderphonics, Pataphysics & Pop Mechanics, an introduction to musique actuelle du journaliste Andrew Jones aux éditions S-A-F.

Pour terminer je voudrais rajouter que la musique actuelle est un courant présent dans tous les pays industrialisés, mais le terme «musique actuelle» est utilisé surtout au Québec et n’a pas son équivalent en anglais ou dans d’autres langues. En France, il n’y a pas non plus de terme spécifique, on utilise souvent nouvelles musiques ou musiques de création.

La musique actuelle s’est détournée de conventions par trop académiques ou conservatrices; et encore aujourd’hui elle présente un aspect «populaire» en entretenant des liens serrés avec la culture underground

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