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21 February 2013
By Alain Brunet in La Presse (Québec), February 21, 2013

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Quatuor à cordes, bande électroacoustique, vidéo de synthèse en 3D: telles sont les composantes de l’œuvre pluridisciplinaire que suggère Louis Dufort, ce vendredi à la Salle Bourgie. Présenté une première fois en juin 2011, Quatre histoires néguentropiques est le seul projet du genre intégrant toutes les pratiques créatives du compositeur.

Louis Dufort rappelle son rapport à la danse contemporaine:

«Une mes activités artistiques consiste à créer des environnements sonores pour cette discipline; à ce titre, j’ai créé les sons d’une dizaine de productions de Marie Chouinard. Ce qui explique la participation de Lucy M May, qui travaille avec Marie. Il y a deux ans, cette dernière faisait partie du spectacle — alors que Lucy sera seule, cette fois.»

Louis Dufort rappelle sa pratique de vidéaste d’art:

«Depuis tout petit, je m’intéresse aux arts visuels et aux œuvres immersives. Ça fait au moins une quinzaine d’années que j’intègre de la vidéo à mes œuvres. À Mutek, par exemple, j’ai fait une performance pour 10 écrans. Ça s’inscrit dans un continuum.»

Continuum… néguentropique, Louis Dufort?

«Néguentropique, répond-il, est l’inverse d’entropique. Cela désigne une force permettant de maintenir les parties d’un ensemble au lieu de laisser se dissiper. Dans le cas de ce projet, il s’agit de réunir les différentes pratiques et les faire évoluer de manière cohésive.»

Quant à la musique pour bande électroacoustique et le quatuor à cordes Chorum (Emmanuel Vukovich et Lizann Gervais, violons, Marina Thibeault, alto, Raphaël Dubé, violoncelle), le compositeur l’a envisagée selon les explications qui suivent:

«J’ai voulu ouvrir une parenthèse à mon travail que je qualifierais de maximaliste, c’est-à-dire assez complexe, touffu, inspiré de l’approche systémique. Cette fois, au contraire, j’explore la simplicité à travers quatre «histoires», musiques plutôt ambient qui peuvent se rapprocher de la musique répétitive américaine ou du minimalisme techno d’artistes comme les Suédois Adam Beyer et Cari Lekebusch, de l’Italien Marco Carola. Musiques répétitives, abrasives, très groovy, qui génèrent une sorte de transe. Il y a un fond de groove dans mes affaires!»

Plus précisément, la musique de ces «histoires néguentropiques» se décline comme suit:

«J’ai créé des motifs répétés à la manière d’ostinatos. Les parties éthérées de la pièce se transforment à travers des ritournelles dont l’amplitude ne cesse de croître, mais sans processus de déphasage à la Steve Reich. Ainsi, j’ai cherché à atteindre une sorte de stabilité d’écoute, suspension totale propice à des changements de dynamique.

«Harmoniquement, toutes sortes de choses se produisent pour le quatuor à cordes. Pour ce, je me suis entre autres inspiré de l’harmonie des sphères (Pythagore), qui défend cette idée que l’univers se conçoit sur des rapports numériques harmonieux. Plus concrètement, cette musique est plutôt modale, soit d’apparence plus ancienne; cela diffère de la musique classique européenne (tonale). Dans cette même optique, le jeu du quatuor à cordes peut rappeler des musiques baroques ou anciennes — absence de vibrato, évocation de la viole de gambe ou même de bois flûtés, etc. Un jeu très délicat, en quelque sorte. Enfin, en guise d’opposition, les parties du quatuor sont entrecoupées de musiques électroacoustiques qui durent environ deux minutes et qui se veulent des contreparties très dynamiques.»

En somme?

«Pour que la totalité d’un tel spectacle puisse présenter de la complexité, chaque discipline impliquée doit présenter des formes simples d’apparence. Présentées de manière plus éthérée, plus lente, moins bousculée.»

Alors? On respire par le nez (guentropique!) et on ouvre bien grand les yeux et les oreilles…

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19 February 2013

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13 February 2013
By David Dies in I Care if You Listen (USA), February 13, 2013

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“Taken as a whole, this CD presents a solid compositional voice from Underhill and showcases excellent musicians”

In many ways, this is an intimate recording of intimate music. Still Image is a recording of two quartets and two quintets, which brings the obvious intimacy of chamber music. It is recorded and mastered to sound like a salon, giving the players a real presence and immediacy. These intimacies compliment Owen Underhill’s music, which draws the listener into intimate spaces made up of almost familiar gestures balanced against ear-catching and varied glimpses outside those expectations, by way of pitches, timbres, or harmonies.

New music fans may know Owen Underhill as the artistic director of Vancouver New Music from 1987-2000 or, more recently, as co-artistic director of Vancouver’s Turning Point Ensemble. This CD presents four works by Underhill, a string quartet (2011), a clarinet quintet (2007/11), an older string quartet (1998), and a trombone quintet (1999). The CD is anchored by the Quatuor Bozzini, a renowned quartet based out of Montréal with an extensive and impressive track record in North America, Europe and beyond. The quartet is joined by clarinetist Françcois Houle and trombonist Jeremy Berkman.

The CD opens with String Quartet #4 “The Night,” which was commissioned by the Bozzini Quartet for the recording. This is my favorite work on the album—a single movement work made up short passages of varied textures punctuated with string harmonics. This quartet evinces the balancing of the almost familiar with restive excursions that hold the ear, but the brevity of the sections brings various manifestations of those tendencies into a prismatic juxtaposition: now scurrying sul pont. gestures over simple pizzicato bass, then an aqueous passage of tremolos and ephemeral lines, then an ascetic chorale, each resolving in turn to the nearly-cadential but equally varied passages of string harmonics. At times evocative of Bartók’s folkloricism, at times fleetingly reminiscent of Black Angels, the work shows a disciplined ear behind the sectional form and kaleidoscopic surface.

The clarinet quintet, Still Image, opens with a striking use of the harmonic nodes along a single string on the violin, reminiscent of an Aeolian harp. The clarinet, played by François Houle who originally commissioned the work, blends fluidly with the strings. The first movement is infused with elegant, dolorous augmented seconds, giving an impression of a kind of slow, lacquered klezmer. The second movement features a play of timbres in the clarinet, moving into melismatic passages that reminded me of Moroccan sufi music and evolving into a cadenza in the middle of the work with some multiphonics exquisitely handled by Houle. The third movement is also inventive and restless, concluding with a high, florid meditation among the strings and clarinet.

Underhill’s third string quartet, subtitled The Alynne, was composed shortly after the birth of the composer’s daughter, Alynne, and is also a single-movement work. The piece exhibits the strongest folkloric tendencies on the disc, evoking fiddling, a kind of “Appalachian” open sound and furtive appearances of the Aeolian harp. In my notes on the work, I jotted “like Copland crossed with the Kronos [Quartet] catalog,” and while that scribble draws on caricatures of Copland and Kronos, it transmits an accurate impression of the sonic palette in the work. Even here, within these seemingly familiar sounds, Underhill surprises the ear with pitches and timbres that perturb the prevailing background. There is an exquisite viola solo in the middle of the first third of the piece. Like the fourth quartet, the middle third of the piece is bookended with sine-wave-like harmonics.

The last work is the Trombone Quintet from 1999. Here, the soloist is Jeremy Berkman, the trombonist who originally commissioned the work. The first three movements maintain a single mood throughout: the first movement presents elegiac trombone lines over a chorale in the quartet; the second offers light and playful string lines with the trombone played with what sounds like harmon mute with plunger, creating a kind of “mouth harp” effect, which is often paired with quiet humming or singing for (I suspect) the trombonist; the third returns to a hymn-like texture in the strings with the trombone uttering elegies among them. The fourth movement foreshadows String Quartet #4 in some ways, constructed from shorter passages that are juxtaposed in succession. However, the later quartet displays a confident economy and a playfulness only hinted at in the trombone quintet. This work, like the third quartet that immediately precedes it on the disc, ends quietly with string harmonics and with a (perhaps signature) Aeolian-harp effect.

Taken as a whole, this CD presents a solid compositional voice from Underhill and showcases excellent musicians out of Canada. Listeners who are excited mainly by timbral invention will probably find the disc a bit staid, but they would be missing the point: Underhill is clearly more interested in an intimate palette of pitch and formal exploration, of endlessly teasing the expectations of pitch and sometimes timbre established by almost-familiar gestures and pitch schemes. If I had any complaint, it would be that presenting the four works together brings out a proclivity for high string harmonics, which becomes slightly taxing when listening to the entire CD, but we all have ticks that are exposed when our works are presented in a concentrated dose. As this is the first review of either Quatour Bozzini or Owen Underhill on this blog, this CD serves as an engaging and beautiful introduction to their work and I look forward to hearing more from both of them.

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2 February 2013
By Serge Truffaut in Le Devoir (Québec), February 2, 2013

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“… nos trois bonshommes détaillent, déclinent, sculptent une musique d’une incroyable densité. Mettons qu’ils jouent avec une conviction admirable. Une conviction qui n’est rien d’autre que le reflet de leur immense talent.”

Sur le bas de la pochette, on peut lire Wow!. À cela on fera un ajout qu’on aimerait conjuguer avec tintamarre. Mais encore? Wow! il est enfin de retour, le TGG, le Très Grand Groupe qui regroupe Jean Derome aux saxos, aux flûtes et au génie, Normand Guilbeault à la contrebasse et à la puissance, Pierre Tanguay à la batterie et aux ambiances, les bonnes et belles s’entend.

On est très content et de très mauvaise humeur. Mauvaise parce qu’après tant d’années, on ne comprend pas que ce groupe ne soit pas perçu pour ce qu’il est. Ce qu’il est dans le sens le plus réel du terme, le plus concret qui soit, le plus terre à terre qui soit (bis), soit, on le répète, un très grand groupe.

Il est fort probable, pour ne pas dire certain, que si ce trio n’a pas la reconnaissance du «monde mondial» — oui, du monde mondial! — qui lui revient de droit — oui, de droit! -, c’est affaire de marketing, le paravent de la «grosse argent». Il est tout aussi probable que, s’ils n’ont pas des doses, les bonnes doses, de reconnaissance, c’est que jamais ils ne racolent. Jamais ils ne sont béni-oui-oui.

Bref, ils sont exigeants dans le sens le plus noble du terme. Autrement dit, leur musique commande de l’attention, de la curiosité, de l’ouverture d’esprit, ainsi qu’un refus des poncifs, des lieux communs de la vulgarité.

Autrement dit (bis), dans leur catégorie, soit celle rassemblant des trios dont l’architecture est identique à la leur, ils sont les alter ego du groupe Air du saxophoniste Henry Threadgill, de celui animé par Oliver Lake, Reggie Workman et Andrew Cyrille et bien d’autres de cet acabit. Pour faire court, on ne sait plus qui est en bonne compagnie. Passons à l’album.

Wow! se décline en six morceaux seulement. On écrit «seulement» parce que question temps, il est un peu court, l’album. Passons. Il y a donc six pièces. Trois signées par Jean Derome. Les autres? Earl Hines, Lennie Tristano, Ray Henderson, et bien sûr Eric Dolphy, à qui nos trois artistes sont d’une fidélité d’autant plus remarquable que ce cher Dolphy est quelque peu dans l’oubli actuellement.

À l’instar du précédent album, Wow! démarre sur les chapeaux de roues et se conclut dans le bon et juste fracas. Entre les deux, nos trois bonshommes détaillent, déclinent, sculptent une musique d’une incroyable densité. Mettons qu’ils jouent avec une conviction admirable. Une conviction qui n’est rien d’autre que le reflet de leur immense talent.

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1 February 2013
By Marc Chénard in La Scena Musicale #18:5 (Québec), February 1, 2013

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“Le Sacre n’aura jamais sonné aussi différemment que dans les mains de ce… Quintetsky”

Si vous ne le savez pas déjà, cette année marque le centenaire de la première du Sacre du Printemps (29 mai au Théâtre des Champs-Élysées de Paris). Des nombreux hommages prévus, un se détachera du lot, en l’occurrence celui de l’ensemble Quartetski au prochain festival Montréal Nouvelles Musiques (MNM). Dirigé par Pierre-Yves Martel (spécialiste en instruments baroques telle la viole de gambe), cet ensemble se distingue par sa manière de conjuguer des répertoires classiques à l’actualité des musiques improvisées. Après avoir «revisité» Prokofiev, Satie, Purcell et Hume, il aborde maintenant son projet le plus ambitieux à jour. Pour son édition précédente, en 2011, le festival avait tendu la perche, mais Martel n’avait rien de concret à offrir. Déléguée par le festival à la programmation d’un volet de musiques créatives, Joane Hétu (voir une critique de son disque dans ce numéro) l’a relancé. Pour Martel, le choix s’imposait de soi: travaillant à partir de la version pour deux pianos et une étude subséquente de la partition orchestrale, il a décidé d’extraire des passages qui serviront comme tremplins à des séquences improvisées ouvertes. Pour cette première, le chef remaniera sa formation, conservant son batteur et son joueur d’anches, mais en remplaçant la trompette par un violon (Josh Zubot) et ajoutant une guitare (Bernard Falaise). Le Sacre n’aura jamais sonné aussi différemment que dans les mains de ce… Quintetsky (sic)!

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