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31 May 2012
By Julien Héraud in Improv Sphere (France), May 31, 2012

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“Des improvisations pleines de spontanéité, de liberté, et d’écoute, dirigées de manière à ne jamais fatiguer et à nettement entrecouper les différents tableaux.”

Pour des raisons souvent aussi économiques qu’esthétiques, l’improvisation se pratique bien plus en petite formation qu’en orchestre à l’heure actuelle. C’est certainement pourquoi je n’avais pas entendu d’improvisation collective, dirigée ou non, mais sous forme orchestrale, depuis maintenant pas mal de temps. C’est donc plutôt avec plaisir que j’ai découvert le GGRIL, accompagné ici d’Evan Parker et de Scott Thomson, un orchestre de 11 musiciens québécois réunis autour d’Eric Normand. Je ne sais pas vraiment si l’initiative de ce projet lui revient, mais Vivaces a néanmoins été publié sur son propre label, et il est le seul musicien que je connaisse à l’intérieur de cet orchestre. Côté instrument, on trouve deux violonistes, deux clarinettistes et un percussionniste, deux guitares et une basse électriques, deux accordéons, un tuba et un trombone, ainsi que les saxophones soprano et ténor d’Evan Parker.

Ma première surprise en écoutant Vivaces fut tout d’abord l’absence notoire de saxophonistes (hormis Evan Parker, mais qu’on ne peut considérer comme un membre régulier de cet orchestre), et c’est peut-être la première fois que j’entends un orchestre d’improvisation libre où ne se côtoient pas tous les types de saxophones, qu’on pense seulement à l’orchestre d’Alan Silva aussi bien qu’au Globe Unity Orchestra. Fait peut-être anecdotique étant donné la présence d’Evan, mais je ne peux m’empêcher de le signaler étant donné mon amour pour cet instrument…

La deuxième chose qui m’étonne, en comparaison surtout avec les deux orchestres précités, c’est la facilité avec laquelle s’écoute ces improvisations, et la joie présente dans ces improvisations, deux éléments qui rapprochent le GGRIL du côté de l’ICP plus que des deux précédents orchestres. En tout cas, les improvisations (dirigées par Evan Parker sur la seconde piste, et Raphaël Arsenault sur la troisième, ou totalement libres) sont plutôt massives, sans pour autant manquer d’aération. On se croirait d’ailleurs assez souvent à une séance de sound-painting, notamment sur la troisième piste, qui est peut-être la meilleure du fait qu’Evan Parker assume la fonction de soliste durant son intégralité, mais également grâce à la direction assez fracturée et originale d’Arsenault…. Plus denses qu’intenses, il ne s’agit pas de produire le plus fort volume sonore, ou de multiplier des couches criardes, mais plutôt de construire des pièces où s’empilent des blocs sonores massifs, assez conséquents et souvent énergiques tout de même. Des improvisations pleines de spontanéité, de liberté, et d’écoute, dirigées de manière à ne jamais fatiguer et à nettement entrecouper les différents tableaux. L’improvisation libre marque très fortement cet orchestre, qui n’est cependant pas forcément rigide et n’exclut pas de ses improvisations des lignes mélodiques, des ostinatos, des cycles rythmiques, différentes combinaisons instrumentales et certains autres éléments rejetés parfois trop systématiquement par les européens.

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30 May 2012
By Bruce Lee Gallanter in Downtown Music Gallery (USA), May 30, 2012

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“I especially like the way each percussionists added something distinctly different to the direction of the set.”

Ensemble SuperMusique is/are an Ambiances Magnetiques all-star ensemble with ten members for this set, which featured longtime AM players like Jean Derome, Joan Hetu, Michael Cote, Danielle Roger and Martin Tetreault plus some young musicians like Alexandre St-Onge (el. bass) and Guido De Fabro (violin). The musicians sat in a semi-circle so that they could see each other and the music seemed as if it were directed by certain improv guidelines. The instrumentation included two reeds (Derome & Hetu, also on voice, two percussionists (Roger & Cote), cello, violin, electric keyboards or synth and turntables. Considering that there were ten musicians on stage, the music was often sparse yet focused. Much of the set reminded me of John Zorn's early game pieces (which are also directed improv without someone directing up front), although the overall vibe was slower and more cautious. Ms. Hetu did some odd vocal sounds which always fit well within the framework on the piece. Since nothing was explained, there were a series of incidents that took place which we had to interpret for ourselves. Each musician took a turn sitting in the middle of the stage and drawing or putting info into a laptop which directed the next part of the piece. I especially like the way each percussionists added something distinctly different to the direction of the set. There was also a fine sax duo with two founding members of the AM label, Joan Hetu and Jean Derome, which was both charming and quirky. I spoke with a few audience members who were confused as to what was going on on-stage so it did take some effort to figure out how things worked. Fractured fairy tales, indeed.

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30 May 2012
By Bruce Lee Gallanter in Downtown Music Gallery (USA), May 30, 2012

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“What was surprising about this set was that you never knew what direction was coming next.”

From a different perspective, the next set also faetured three strings but was completely different. The last set of Day 2 featured a quartet led by Jean René on viola with Joshua Zubot on violin, Nicolas Caloia on acoustic bass and Pierre Tanguay on drums. The sound of this ensemble was like a twisted string quartet with the drums as an equal part. Whereas Zorn's string players were articulate and tight, this quartet had a looser earthiness, which was wild and chaotic at times. The quartet blended partially written material with frenzied sections and sparse moments as well. Mr. René's writing seemed to draw from folk/rock as well as the odd classical influence. Sometimes all three strings buzzed together intensely while longtime AM drummer Pierre Tanguay balanced both rhythmic and subtle melodic counterpoint. What was surprising about this set was that you never knew what direction was coming next. Both Josh Zubot on violin and Jean René on viola took a number of inspired solos while the group interplay that was filled with many odd twists and turns. This was music that will take some time to get used to so it is probably a good idea to get Mr. René's disc on AM (sic!) and dig in deeper.

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26 May 2012
By François Samson-Dunlop in CISM (Québec), May 26, 2012

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“Il faut continuer de suivre notre curiosité et notre appétit. Éteignons nos petits jouets et plongeons dans l’instant présent.”

Vous connaissez déjà Ellwood Epps. Vous l’avez probablement déjà vu improviser derrière sa trompette en solo ou en compagnie de musiciens lors d’une soirée au Cagibi ou caché parmi les trente membres du Ratchet Orchestra de Nicolas Caloia ou profondément concentré dans son groupe Pink Saliva ou debout sur la scène de L’envers présentant une formation qu’il a amicalement invitée. Conversation avec l’homme-à-tout-faire de la nouvelle scène locale alors qu’il revenait d’un bref séjour à Harlem question de se remettre à la composition et à la recherche avec la professeure, docteure et trompettiste Laurie Frink.

L’histoire du jazz a démontré à maintes reprises que le métissage des sons et des cultures est primordial à son évolution. Votre récent voyage fut rendu en partie possible grâce à une bourse du Conseil des arts du Canada, situation de plus en plus rare ayant d’ailleurs fait les manchettes à plus d’une reprise depuis l’arrivée au pouvoir du Parti conservateur. Comment le musicien d’aujourd’hui doit-il affronter cette nouvelle réalité où les coupes dans la culture sont monnaie courante?

Ellwood Epps: C’est triste de voir toutes ces coupures dans le financement culturel. Mais ce qui est encore plus triste, selon moi, est le manque d’effort sérieux et engagé vers une remise en question du pouvoir en place et vers une façon de travailler selon nos propres termes et moyens. En tant que personne qui fut à la fois créateur d’un espace de diffusion, présentateur, radiodiffuseur et professeur, je suis conscient du pouvoir que nous possédons lorsque nous travaillons ensemble pour le bien commun en mettant nos différences de côté. Le combat pour maintenir et augmenter le financement est important, mais je ne laisse pas cela déterminer ce que je ferai ou ne ferai pas.

Cependant, il y a un autre côté à tout cela, et certaines personnes me détesteront de le dire, mais la production d’un son n’est pas monnayable. Nous ne devrions jamais nous laisser distraire pas une subvention que l’on croit nous être due et ensuite nous laisser désillusionner par l’idée qu’il est impossible de créer sans elle. En me promenant dans Harlem, où les rues et édifices sont nommés d’après les Lionel Hampton, Duke Ellington, Louis Armstrong, Charlie Parker (même mon appartement fut l’ancien logement de Wadada Leo Smith!), je pense à tous ces maîtres qui ont créé une musique inspirée et transformatrice du plus haut calibre dans un environnement où les préjudices et le manque de respect (notamment lié à la couleur de leur peau) étaient indissociables de leur quotidien. Les conneries racistes se sont effacées un peu, mais le manque de respect à l’égard des musiciens créatifs en Amérique se poursuit, tout comme la musique, tout comme la musique!

Pourrions-nous dire que la sédentarité forcée des musiciens locaux permet de solidifier et créer une meilleure dynamique de jeu, un meilleur communautarisme musical? Comment une programmation comme celle que vous offrez à L’envers ou celle de nos amis du Suoni peut-elle aider? Quel est cet équilibre entre le local et l’international qui gardera la scène musicale en santé?

EE: J’ai eu la chance de travailler brièvement avec des maîtres tels que Steve Lacy, William Parker, Marshall Allen et Xavier Charles, mais c’est la possibilité de jouer avec Josh Zubot (Land of Marigold), Michel F Côté et Alexandre St-Onge (Pink Saliva), Nicolas Caloia, Jonah Fortune et Jean Derome (Ratchet Orchestra) qui m’intéresse réellement. Cela se passe maintenant, c’est vrai, ce n’est pas un rêve du futur ou du passé. Nous travaillons tous sur notre propre œuvre, alors oui, j’adore approfondir mon art avec ces gens… nous partageons nos destins ensemble, ce qui est très spécial.

À L’envers, j’essaie de présenter la meilleure musique qui m’est possible, qu’elle provienne du Mile End, de Chicago ou de la Russie. L’envers est une place où les musiciens peuvent se rencontrer et travailler ensemble, une chose que nous aimons et devons faire en tant qu’improvisateurs. Je veux que les gens aient la chance d’ouvrir leurs horizons. Certains seront surpris d’apprendre qu’il y a de la très bonne musique à Toronto, à Calgary ou au Texas, et d’autres découvriront que de grands musiciens habitent et travaillent à Montréal. J’aime les voir ensemble sur la même scène, en même temps.

Nous sommes vraiment chanceux d’avoir un festival comme le Suoni à Montréal. Sans eux, nous n’aurions pas la chance d’entendre nos musiciens américains et européens préférés œuvrant dans la sphère «free jazz». Côté local, l’OFF festival de jazz fut encore plus généreux, offrant du boulot bien rémunéré pour une multitude d’improvisateurs dans la ville, en plus d’inviter des artistes de choix. C’est à ce type de festival que je crois. Un festival qui, avec son intégrité et en restant fidèle à ses origines, continuera d’évoluer de manière créative. L’OFF a bâti des ponts entre des musiciens locaux de divers milieux. Ça, c’est mon genre de truc.

Comme leur nom l’indique, les musiques improvisées se veulent rarement fondées sur des thèmes préconçus, favorisant de facto l’écoute d’une performance en direct plutôt que la rigidité d’un enregistrement figé. Cela explique probablement le peu de documents disponibles sur le marché vous mettant en vedette. Vous avez tout de même publié quelques rares CD-R reflétant votre musique et celle de notre scène. Quelle importance attribuez-vous à l’enregistrement sonore d’aujourd’hui?

EE: Vous avez raison. Cette musique en est une du présent et elle devient encore plus significative lorsqu’on voit comment elle est produite. J’ai écouté pendant plusieurs années l’œuvre de Bill Dixon sur disque avant de le rencontrer, de le voir jouer et d’étudier avec lui. Lorsqu’on réalise que l’écho et la réverbération de son son provenaient d’une alternance entre 2 à 3 microphones, sans l’utilisation de pédales, on comprend le concept d’un choix. On ne peut pas découvrir cela sur un enregistrement.

J’aime bien exploiter ma petite étiquette (Mr E Records). J’étais un poète et un éditeur pendant presque 12 ans dans le milieu de la presse indépendante et artisanale de Toronto. J’utilise des CD-R que je peins à l’aérosol afin que le tout demeure abordable. L’emballage est fait à la main et numéroté afin que le produit soit différent chaque fois. Le plus récent, mon duo avec Axël Dorner, a requis beaucoup, beaucoup d’heures de confection se résumant à couper et plier du papier, qu’on assemblait ensuite avec de la ficelle. C’est d’ailleurs le nom du disque: Twine (ficelle).

Je crois qu’il demeure important de rester en contact avec l’objet physique. Je déteste le gaspillage et l’idée que nous achetons par milliers des CD manufacturés qui prennent la poussière dans nos placards. Soyons honnêtes, toutes les maisons de musiciens ressemblent à cela! Tellement de plastique mort sur des étagères. Je fais des choses en espérant leur donner une vie, afin que les gens se demandent: «Comment j’ouvre ce maudit objet? Il est scellé sans ouverture!»

J’aime bien faire un tirage de 47 CD-R, mais j’aimerais aussi que ma musique paraisse sur une étiquette comme ECM, car j’aime bien lorsqu’un produit est bien fait. Les maisons de disques sont comme des familles, leurs histoires sont évocatrices.

Le jazz, la musique créative, quelle que soit son niveau d’abstraction, demeure avant tout une musique profondément engagée, motivée par des esprits forts. Comment votre jeu, votre musique et sa création sont-ils affectés par les enjeux sociaux, politiques. De quelle façon l’activisme et la musique peuvent-ils jouer un rôle clé dans le climat houleux planant sur les nations québécoise et canadienne?

EE: Selon moi, les idées et les concepts ne font qu’un, mais le geste physique de la création musicale spontanée devant un public représente la véritable action politique et sociale. Rien n’est plus puissant que la musique en soi. Ayant été directement engagé dans un certain activisme à différentes étapes de ma vie, mon combat présent se resserre sur ce et ceux qui m’entourent. Nous pouvons, en tant que musiciens créatifs montréalais, en faire tellement pour ceux et celles qui aiment la musique et sont curieux envers la musique. Nous travaillons si fort afin de changer la musique, d’inventer de nouvelles techniques sur nos instruments, mais que faisons-nous pour changer nos conditions de travail? Nous pouvons véritablement nous questionner et nous engager quant aux moyens et aux lieux de diffusion de notre musique. Nous pouvons redéfinir ce qu’est un concert, un enregistrement. En menant la bataille sur plusieurs fronts, il n’y a pas de limite à ce que nous pouvons faire.

Que peut-on attendre de Ellwood Epps en 2012?

EE: Je recommence à enseigner au Studio d’improvisation de Montréal en avril et je suis très excité. J’adore enseigner et je considère que c’est nécessaire à mon évolution en tant que musicien. Je ne donne pas des cours traditionnels; le jeu demeure à la base de tout.

Je suis aussi ravi de notre série de concerts d’improvisation, Mardi Spaghetti, qui célébrait son 4e anniversaire le 27 mars dernier. Quelle chance d’avoir le Cagibi qui nous offre leur espace depuis tant de mardis… j’imagine que cela fait plus de 200 mardis déjà!

L’envers aussi prévoit se lancer dans de nouvelles aventures. Les lundis accueilleront une nouvelle «jam session» où l’expérimentation et les rencontres seront une fois de plus à l’honneur. Nous lancerons aussi une campagne de financement afin d’amener le projet à la prochaine étape. Nous voulons un nouveau mixer, une nouvelle batterie et un piano à queue. Pour moi, cette place est une véritable maison de rêve. Je crois que les gens se rendent compte à quel point elle est fragile et importante, et à quel point elle peut être vitale, quand des gens de différents horizons s’engagent directement.

Il faut continuer de suivre notre curiosité et notre appétit. Éteignons nos petits jouets et plongeons dans l’instant présent.

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24 May 2012
By Bruce Lee Gallanter in Downtown Music Gallery (USA), May 24, 2012

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“This is one of the most throttling sets I’ve heard in a long while so watch out, it is not for the timid. Great googely moogely and holy shit!”

Considering how long German free/jazz sax legend Peter Brötzmann has been playing professionally (more than forty years), Mr. Brötzmann was in amazing form in at least two festivals in 2011, Victo in May (2 concerts) and the Vision Fest in June (3 concerts). I caught all of these sets and was consistently blown away by each one.

The solo set from the first of this new Victo disc features four pieces with Brötzmann on three different reed instruments (alto, B-flat clarinet & tenor). Solo recordings and performances by Brötz are relatively rare so this disc is a special treat. Like all Victo recordings, the sound here is excellent, clean, clear and powerful. Brötzmann makes each note count, focusing on certain phrases and even laying back for a couple more poignant sections. When Peter switches to clarinet for the second piece, his tone is completely distinctive like a voice that you recognize instantly of an old friend. Again, he often lays back and shows another side — thoughtful and contemplative at first before reaching for the stratosphere with wails, screams, effective bent notes and intense blasts. For the longest piece, Frames of Motion, Brötzmann switches back to his main horn, the tenor sax. This is where he digs in and shows his immense presence. Just plain incredible! Strangely enough he dips into the standard I Surrender Dear amongst his varied, unending explorations. The final piece is relatively short yet enchanting version of Ornette’s classic Lonely Woman. It is a perfect way to bring this superb solo offering to a grand close.

The trio set was devastatingly great! An explosion of Euro electric free/jazz insanity! Nearly 70 minutes of blisterin’, over-the-top hurricane force volcanic eruption! This is one incredible, super-tight trio playing for all its worth. This was also one of those sets that anyone who was there will never forget. Turn it up and let it wail, wave after wave. Paal Nilsson-Love who remains one of most creative drummers alive was in especially fine form — his playing was riveting and I couldn’t take my eyes off him. Massimo Pupillo from the Italian jazz/punk band ZU is also a force to be reckoned with on electric bass. It sounds as if Peter Brötzmann’s head is about to explode! Jeez, could it get any more intense!?! I don’t think so. This is one of the most throttling sets I’ve heard in a long while so watch out, it is not for the timid. Great googely moogely and holy shit!

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21 May 2012
By Alain Brunet in La Presse (Québec), May 21, 2012

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“… les gens étaient curieux de ces installations…”

[…] Érick d’Orion, commissaire aux installations sonores, un concept mis de l’avant au FIMAV depuis trois ans s’est montré fier de leur impact auprès des résidants des Bois-Francs. «Nous avons observé que les gens étaient curieux de ces installations qu’ils fréquentaient par hasard au cours des années précédentes. Ils se les approprient, ce qui augure bien pour les années à venir.»

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